Colby'ego Browna w paszporcie brzmi jak lista życzeń fotografa – zorza polarna na Islandii, australijski busz, jaguary w Brazylii i goryle w Ugandzie. Ale już podczas pierwszej podróży, która po raz pierwszy sprawiła, że fotograf podróżniczy zapragnął uchwycić świat, Brown był 17-latkiem i narzekał przy każdej nadarzającej się okazji.
Teraz, jako weteran fotografii z 12-letnim stażem, Brown zajmował się wszelkiego rodzaju projektami, począwszy od dwuletniego studenta, który kierował nim wyprawy dla National Geographic w celu kręcenia kampanii reklamowych dla największych marek, takich jak Google, Samsung i Microsoftu. Rzemieślnik Sony, Brown podróżuje od pięciu do siedmiu miesięcy w roku. Zaczął jako samotny koczownik zaraz po studiach i teraz czasami zabiera w podróż swoją żonę i siedmioletniego syna.
Prace Browna są mniej niszowe niż większość fotografów. Chwila przeglądając swojego Instagrama odkrywa lokalizacje na wielu kontynentach, a jego prace obejmują krajobrazy, dziką przyrodę i ludzi. Dziś jego praca zawodowa obejmuje marketing, podróże i edukację fotograficzną.
Po prowadzeniu wielu warsztatów fotografii docelowej założył firmę Soczewka dawania, organizacji współpracującej z organizacjami non-profit na całym świecie potrzebującymi obrazów. Dzięki wycieczkom The Giving Lens Trips fotografowie mogą uczyć się w miejscach na uboczu, a organizacje pozarządowe zdobywają zdjęcia, które pomogą im w dalszym rozwoju ich sprawy.
Podczas warsztatów organizowanych przez firmę Adobe na Wyspach Dziewiczych Brown rozmawiał niedawno z firmą Digital Trends podziel się wglądem w jego fotograficzną podróż, światowe przygody i niezwykłe podejście do stylu redagowanie. Poniższy wywiad został zredagowany ze względu na przejrzystość i długość.
DT: Jak zacząłeś?
Brązowy: Fotografią zainteresowałem się wyłącznie z miłości do podróży. Dosłownie zostałem ugryziony przez bakcyla podróżowania i zdałem sobie sprawę, że podróżowanie i pomysł przebywania poza moją strefą komfortu były dla mnie naprawdę ekscytujące. Kiedy miałem 17 lat, wybrałem się na wycieczkę w stylu Habitat for Humanity (właściwie to nie była z nimi, ale taka wycieczka). Było to bardzo trudne, budowaliśmy szkoły i kładliśmy beton. Myślę, że podczas podróży byłem dość nieszczęśliwy – dużo narzekałem. Ale z perspektywy czasu, nawet kilka tygodni później, zdałem sobie sprawę, jak bardzo mnie to zmieniło.
Kupiłem bilety w jedną stronę i pracowałem nad projektami, a jeden projekt prowadził do następnego.
Kiedy skończyłem studia, wziąłem semestr wolny tu i tam, aby podróżować, a kiedy skończyłem, wiedziałem już, że chcę wrócić w trasę. Zainteresowałem się fotografią wyłącznie dlatego, że myślałem, że będzie to pojazd, który pozwoli mi na nowo zacząć podróżować.
Byłem wtedy singlem i koczownikiem, więc nie miałem żadnych kontaktów. Nie miałem żadnych kotwic, niczego, co trzymałoby mnie w domu, więc po prostu zacząłem podróżować wszędzie. Kupiłem bilety w jedną stronę i pracowałem nad projektami, a jeden projekt prowadził do następnego. Zacząłem w Azji Południowo-Wschodniej i mieszkałem tam przez kilka lat, pisząc dla Sierra Club i kilku innych miejsc, po czym właśnie zbudowałem swoje portfolio. Dwa lata później zostałem zatrudniony przez Nat Geo do pomocy w programach wypraw.
DT: Jak zmienił się Twój proces w miarę zdobywania doświadczenia?
Myślę, że im częściej fotografuję, tym lepiej dowiaduję się, co lubię fotografować, jak fotografuję i jak lubię obrabiać zdjęcia. [Rozwinąłem umiejętność] konceptualizacji i wyobrażenia sobie sceny w taki sposób, w jaki chcę ją nakręcić, gdy jestem poza domem w terenie i mam pojęcie, jak mógłbym chcieć to przetworzyć, aby był to kompletny element. Znajduję interesujące historie związane z tym, co rejestruję.
Często staram się swoimi obrazami wywołać emocje. Uważam, że w dzisiejszych czasach w ten sposób trzeba przyciągnąć uwagę ludzi. Zauważyłem, że im dłużej kręcę, tym lepiej dopasowuję różne elementy, których lubię szukać w scenie, różne style, które lubię fotografuj na przykład czas otwarcia migawki dla wody i różne tematy, które uważam za ciekawsze, bardziej ekscytujące lub które pozwalają uzyskać najlepszy możliwy obraz w danych warunkach scena.
Technologia również bardzo pomogła w tym procesie, zarówno po stronie przetwarzania końcowego, jak i podczas pracy w terenie. Na przykład ulepszanie czujników — te elementy z pewnością pomogły uczynić mój proces łatwiejszym, skuteczniejszym i wydajniejszym w terenie. Wcześniej, zarówno pod względem doświadczenia, jak i technologii, być może nie byłem w stanie stworzyć tak dużej ilości treści, jak tylko mogłem w ramach danego projektu lub danej podróży. Po 12 latach udało mi się całkiem nieźle dopracować ten proces. Z pewnością zawsze szukam sposobów na poprawę, ale uczysz się po drodze i zastanawiasz się, czego chcesz i jak chcesz robić zdjęcia.
DT: Jakiej rady udzieliłbyś nowym fotografom, którzy dopiero zaczynają?
Jeśli dopiero zaczynasz, dam ci dwie rady. Pierwsze, co bym dał, to nie bać się porażki. Myślę, że zbyt wiele osób nie próbuje, nie wkracza w szeregi, nie próbuje nowych rzeczy, ponieważ martwią się, że albo nie będą w tym dobrzy, albo nie odniosą sukcesu. Ogólnie rzecz biorąc, w każdej branży ludzie, którzy odnoszą największe sukcesy, niezależnie od tego, czy mówisz o emocjach, czy też pod względem finansowym zazwyczaj ich sukces opiera się na szeregu nieudanych pomysłów, z których wyciągnęli wnioski błędy. Ale byli gotowi spróbować się tam wypchnąć.
Ucz się na złych zdjęciach, które robisz.
Następną radą, jaką bym dał, byłoby wyciąganie wniosków ze złych zdjęć, które robisz. Niektórym trudno to zrozumieć, ponieważ zawsze chcemy pokazać piękną stronę rzeczy. Jeśli spojrzysz na nasze Instagramy, zobaczysz, że są to wyselekcjonowane spojrzenia na nasze życie, ale w rzeczywistości, kiedy zaczynałem, nauczyłem się o wiele więcej od 99 zdjęć, które zrobiłem, było bzdurami, niż jedno zdjęcie, które wyszło świetnie, bo miałem szczęście, bo wtedy nie wiedziałem, kim jestem czyn.
Wracałem i przestudiowałem te, które mi się nie podobały, i próbowałem dowiedzieć się, dlaczego. Czy było to coś oczywistego, na przykład brak ostrości lub zła kompozycja? Czy chodziło o umiejscowienie tematu? Czy chodziło o tonację kolorów? Czy dobrze ustawiłem ekspozycję, czy nie? Kogo w tym spektrum nie lubię? Robiąc to i zagłębiając się w błędy, które myślałem, że popełniam, pomogło mi to dostroić się moja wizja, czyli wspólny wątek tego, co lubię fotografować, jak lubię fotografować i jak lubię proces. Mogłem uczyć się na tych błędach, zamiast skupiać się tylko na zwycięzcach lub trofeach, do których miałem szczęście, ponieważ wtedy jeszcze się nad tym zastanawiałem. Nie wyrzucaj obrazów ani nie usuwaj obrazów, które Twoim zdaniem nie są świetne. Zamiast tego spróbuj pomyśleć o sposobach zmaksymalizowania ich potencjału. Ucz się na swoich błędach i staraj się ich nie popełniać następnym razem.
DT: Większość fotografów ma specyficzny styl i to wszystko. Ale podchodzisz do tego inaczej, obraz po obrazie.
Absolutnie. Jednocześnie, jeśli lubisz co najwyżej fotografów, większość osób, które robią to zawodowo, specjalizuje się. Zatem ten a taki będzie fotografem krajobrazu, który skupia się na górach, a ktoś inny będzie po prostu robił portrety studyjne i być może w ramach tego będzie po prostu fotografował kobiety. Osobiście uważam, że spójność w obrębie twórczego spektrum wydaje się nieco ograniczająca. Zawsze chciałem fotografować różnorodne rzeczy i w tej przestrzeni chcę każdego z nich różnym podmiotom, aby stanęli samotnie, oddzielili się i opowiedzieli coś własnego, tak aby te obrazy wywołały emocje unikalny.
Myślę, że jeśli spojrzysz wstecz na zakres mojego portfolio, rzeczywiście czuję, że może istnieć jakiś wspólny wątek, który jest w pewnym stopniu ze sobą powiązany, ale nie jest to aż tak oczywiste. Niektórzy fotografowie, każde z ich zdjęć ma tę samą stylizację. Dla mnie to tak, jakby fotograf odciskał swój styl na świecie przyrody lub czymkolwiek, czego doświadcza.
Próbuję się od tego nieco powstrzymać, aby przynajmniej zrównoważyć poczucie lub wyobrażenie rzeczywistości i to, co pamiętam, jak tam byłem… Nie chcę tworzyć fałszywych obrazów, ale chcę pozwolić ludzie przynajmniej dostają szansę, okazję, przebłysk tego, jak to jest patrzeć na goryla srebrnogrzbietego, widzieć wodospad na Islandii lub być świadkiem pięknego zachodu słońca w US Virgin Wyspy. Jeśli potrafię to ująć w słowa, wolałbym zrezygnować z pomysłu, że muszę narzucić swój jedyny styl tylko dlatego, że może to być satysfakcjonujące z biznesowego punktu widzenia lub z algorytmów mediów społecznościowych.
DT: Czy możesz nam opowiedzieć o procesie po montażu?
W przypadku każdego obrazu jest to trochę inne. Lubię patrzeć na każdy obraz i myśleć: OK, jaką historię chciałem opowiedzieć? Co mnie urzekło na początku? Dlaczego zrobiłem to zdjęcie? Czuję, że to decyduje o tym, jak przetwarzam i czego lubię używać.
Prawdopodobnie jest kilka rzeczy, które są podobne lub których szukam, gdy zaczynam przetwarzać swoje obrazy, jak na przykład bawienie się cieniami i dopasowywanie odrobiny zakresu dynamicznego. Ale przeważnie staram się uważnie śledzić puls i wyobrażenie o tym, co próbowałem uchwycić w terenie i co czułem, kiedy jak to uchwycić i jak najlepiej to ująć, że używam przetwarzania końcowego i tych narzędzi, aby podkreślić te początkowe uczucia, początkowy cel, aby mówić.
Jeśli przejrzysz moje portfolio, jeśli przeczytasz mój Instagram, prawdopodobnie znajdziesz w nich pewne podobieństwa jeśli chodzi o schematy kolorów i rzeczy, które lubię fotografować, ale obróbka każdego z nich już tak różny. Niektóre będą dość ciemne, inne jaśniejsze i jaśniejsze. Wyjątkowość tych scen wymagała, moim zdaniem, elementów, które moim zdaniem stworzyły najbardziej wciągające elementy tej fotografii.
DT: Używasz Adobe Lightroomie do edycji. Z jakich narzędzi korzystają szczególnie nowi użytkownicy?
Jest ich kilka. Myślę, że ogólnie panel HSL, panel odcienia, nasycenia i luminancji, to prawdopodobnie panel, którego większość ludzi nie do końca rozumie i dlatego z niego nie korzysta.
Jeśli pomyślisz o większości fotografów, którzy dopiero zaczynają lub dopiero zaczynają, dwie najczęściej przesadzone rzeczy to ostrość i nasycenie. Zwykle w przypadku nasycenia biorą suwak nasycenia lub wibracji i przesuwają go w prawo, aż uznają, że wyskakuje lub wygląda pięknie. Problem polega na tym, że generalnie zwiększasz nasycenie w całej fałdzie lub przynajmniej większości tonów na obrazie, choć niekoniecznie tego chcesz.
Osobiście używam suwaka HSL, ponieważ mogę powiedzieć: hej, zielenie powinny być trochę bardziej widoczne, ponieważ są ważną częścią sceny, tej osoby lub tego krajobrazu. A może blues, może chcę go trochę stonować. Osobiście uważam, że tonacja kolorów, a także ogólna ekspozycja, jasność obrazu lub pewne elementy obrazu mogą decydować o atmosferze lub sposobie przedstawiania obrazu. Jeśli myślisz o portrecie, bardzo ciemny i pełen kontrastu to zupełnie inne uczucie niż w przypadku braku kontrastu. Jeśli fotografujesz wodospad i uważasz, że jest za ciemny lub za jasny, wywołuje to inne odczucia.
Tonacja kolorów niebieskich odcieni sprawi, że poczujesz zimno, pomarańczowe odcienie sprawią, że poczujesz się cieplej, więc suwak HSL zapewnia mi większą skończoną kontrolę. Mogę powiedzieć, że w przypadku tych odcieni kolorów chcę albo dostosować ich odcień, albo tonację, chcę zwiększyć nasycenie, co jest raczej uderzający lub chcę zwiększyć jasność lub luminancję tych konkretnych odcieni, aby je uwypuklić lub zmniejszyć w danym scena. Myślę, że kiedy zaczniesz eksperymentować z tymi rzeczami, otwierają się zupełnie nowe drzwi do spojrzenia na swoje zdjęcia i przeniesienia rzeczy na wyższy poziom, do rozpoczęcia dokonaj bardziej subiektywnych wyborów dotyczących swojego stylu przetwarzania i sposobu zaakcentowania tematu lub punktu, dla którego na początku zrobiłeś to zdjęcie.
DT: Jakie są najbardziej szalone rzeczy, które przydarzyły Ci się podczas podróży?
Nasze media społecznościowe tworzą wyselekcjonowany wygląd. Nie wiesz, ile razy tam byłem i cztery razy złapałem Giardię albo dwa razy miałem malarię. Ześlizgiwałam się z wodospadów i ledwo ominęłam występy, które drastycznie by mnie zraniły. Takie rzeczy zdarzały się częściej niż teraz, kiedy mam syna.
Najbardziej wpływowe lub szalone doświadczenia, które osobiście najbardziej mnie poruszają, są zazwyczaj związane z dziką przyrodą. Jest coś wyjątkowego w tej więzi, jaką nawiązuję ze zwierzęciem, niezależnie od tego, czy jestem w Nambii fotografując gepardy, w Ugandzie fotografując goryle srebrnogrzbiete, czy w Brazylii fotografując jaguary. Kiedy masz takie momenty, w których zwierzę podchodzi zbyt blisko, aby zapewnić sobie komfort, lub jest taki intymny moment, w którym jestem w stanie coś uchwycić, daje ci to pewien sprawdzian. Może powinienem był zrobić to trochę mądrzej, a może nie powinienem być tak blisko. Daje mi to poczucie perspektywy, miejsca i mojej roli w tym gigantycznym świecie, w którym żyjemy. Te zdjęcia często najbardziej transformują i dla mnie osobiście są to jedne z najlepszych zdjęć, do których wracam i przypominam sobie wyzwania związane z dotarciem do tych miejsc. Same chwile przebywania w ich obecności są dość upokarzające.
DT: Czy masz coś jeszcze, co chciałbyś dodać?
Jedną z rzeczy, których żałuję od samego początku, kiedy zaczynałem, było to, że nie wykorzystałem możliwości kontaktu ze społecznością. Nie mieliśmy tego dużo. Myślę, że w dzisiejszych czasach to świetny czas na bycie fotografem nie tylko ze względu na dostępne narzędzia i technologię, ale także ze względu na społeczność. Fotografia była kiedyś tą odizolowaną formą sztuki, którą zazwyczaj się zajmowałeś, ale w zasadzie nie robił tego żaden z twoich znajomych ani kolegów. Teraz masz te ogromne społeczności, spotkania na Instagramie i spacery fotograficzne. Wykorzystaj to, ucz się od swoich rówieśników. Staraj się nie patrzeć na wszystkich jak na konkurencję i naprawdę cieszyć się faktem, że mamy szczęście, że możemy to zrobić teraz. Dzielenie się z innymi ludźmi za pomocą mediów społecznościowych jest po prostu niesamowite.
