Intervista: Cut Copy Il DJ Dan Whitford parla di Oceans Apart

"Voglio sempre avere la sensazione che ci sia un arco narrativo nel mix di un DJ", afferma Dan Whitford della pionieristica band elettronica Cut Copy di Melbourne, Australia.

E Whitford mette i suoi soldi dove si trova il suo mix, come testimonia la diversità degli artisti della sua città natale rappresentati Taglia copia presenta: Oceani a parte, disponibile ora in una varietà di formati tramite la etichetta Cutters Records della band. Oceani a parte è un DJ mix vivace e continuo di 80 minuti, forgiato da 19 brani che rappresentano la scena musicale dance underground locale di Melbourne e la fiorente cultura dei club. Oceani a parte è inesorabilmente vibrante in termini di ritmo e feeling, virando attraverso tutta la mappa dance, dall'elettro disco ai profondi groove metallici, a volte anche inserendo richiami anni '80 in passaggi tribal house selvaggiamente percussivi - e, sì, sentirai uno o due digideroo lì dentro pure.

Digital Trends ha attraversato i fusi orari (nel nostro modo elettronico, cioè) per raggiungere Whitford, che si era rifugiato nella sua nativa Australia, per discutere delle origini di

Oceani, perché lo-fi e alta risoluzione possono coesistere nella musica dance e cosa riserva il futuro alla scena elettronica. Libera la tua mente e il resto verrà da sé.

Tendenze digitali: mi è piaciuta la natura senza soluzione di continuità di Oceani a parte. Puoi descrivere il processo con cui lo metti insieme? Quanta musica avete dovuto vagliare per raggiungere il taglio di 80 minuti?

Dan Whitford: Fondamentalmente, volevo fare un buon mix, ma anche documentare quanto più possibile la scena attuale di Melbourne. Probabilmente conoscevo la stragrande maggioranza delle persone là fuori che producevano questo tipo di musica, quindi era solo una cosa Si trattava di chiedere se avevano del materiale inedito, o se potevano scrivere qualcosa appositamente per esserlo incluso. Ovviamente, quando tutti sono tornati con cose fantastiche, è stato difficile scegliere le selezioni finali perché avevo molte più proposte di quelle che potevo inserire in un unico mix. È stata una scelta difficile, ma penso che alla fine questo sia ciò che ha reso il mix un ascolto davvero coinvolgente.

So che mi ha tenuto impegnato. Come hai deciso le transizioni in termini di cambi di tempo e cambiamenti di atmosfera? Hai dovuto fare molti abbinamenti di livello?

Ogni volta che lavoro su un mix in studio, c’è un bel po’ di lavoro da dedicare al sequenziamento e all’assicurarsi che tutte le canzoni combacino insieme. Alcune canzoni necessitavano di un editing sottile. Ad esempio, Fantastic Man Tentazione robotica è, come suggerisce il nome, una traccia creata da drum machine e suoni di synth, mentre NO ZU's Visione visiva cruda è fatto da una band dal vivo. Quindi, per farli confluire insieme, ho dovuto creare un ciclo introduttivo esteso per Visione visiva cruda per introdurre lentamente le percussioni organiche nel mix prima che la traccia scenda.

C'è un viaggio audio specifico che vuoi che gli ascoltatori intraprendano Oceani a parte? Qual è lo scopo previsto?

Penso che questo dipenda dal singolo ascoltatore. Voglio sempre avere la sensazione che ci sia un arco narrativo nel mix di un DJ, che sia dal vivo o qualcosa creato per un disco come questo. Mi piace il fatto che il mix acceleri lentamente in energia durante la prima metà fino a raggiungere un punto davvero alto attorno a brani come Coober Pedy University Band Kookaburra e quello del delta del Nilo Etere. Ma poi alla fine si spinge ulteriormente in un territorio più strano e più ponderato. Penso sempre che alcune palle curve siano buone in un mix!

Sì, quelle palle curve lo rendono sicuramente interessante. Pensi che la scena underground di Melbourne sia stata influenzata dal tuo successo internazionale?

Penso che la scena della musica dance di Melbourne sia cresciuta lentamente negli ultimi cinque anni, con artisti e DJ che si sentono sempre più presenti più fiduciosi nella loro capacità di creare musica unica ed essere sicuri che troverà un pubblico sia qui che qui a livello internazionale. In passato, l’Australia a volte ha avuto la sensazione di essere in ritardo rispetto al resto del mondo in termini di tendenze musicali, ma ora penso che quell'idea sia stata buttata via e che le nostre differenze abbiano iniziato a essere celebrate, piuttosto che sentirsi come una ostacolo.

Sono sicuro che sia incoraggiante vedere altri artisti di Melbourne avere successo internazionale, ma non mi assumo alcun merito per il fatto che la scena dance sia così forte in questo momento. È successo grazie al duro lavoro e alla volontà degli artisti di essere avventurosi e fondamentalmente di non fregarsene di un cazzo.

All'inizio del mix – circa 6 minuti, in effetti – sentiamo la frase “La musica è la mia passione” ripetuta alcune volte. È una dichiarazione con cui sei d'accordo? Sicuramente mi sembra così.

La musica è la mia vita è una traccia di Andras e Oscar. Penso che sia stato scritto con un po' di ironia, ma è sicuramente uno dei miei preferiti della serie.

Perché pensi di essere così appassionato di musica? Cosa ti spinge a realizzarlo e a condividerlo con le persone?

Non so davvero perché sono spinto a creare. La musica è qualcosa che mi è sempre piaciuto, quindi provare a farla mi è sembrato un passo logico. Ora che i Cut Copy sono diventati una band famosa e di successo, offrono l'opportunità di lavorare su idee uniche come Oceani a partee, si spera, altre cose in futuro.

So che lo-fi è importante per te come ascoltatore e creatore, ma sei un fan della riproduzione ad alta risoluzione, ascoltando file musicali a 96 kHz/24 bit o superiori?

In realtà non sono severo riguardo alla necessità di ascoltare musica ad alta fedeltà. Ovviamente, le qualità sonore della musica dance sono estremamente importanti nell’ambiente di un club, in particolare in termini di come attivano i sottotitoli quando sei su una pista da ballo. Questo è innegabile. Ma detto questo, molte delle cose che apprezzo davvero sono super-lo-fi, come registrazioni a quattro tracce o musica che contiene campioni a basso bitrate.

Per l'ascolto domestico, a volte la nebulosità o la mancanza di nitidezza delle registrazioni a bassa fedeltà fa sì che la tua immaginazione colmi le lacune, e talvolta l'ascolto di un la registrazione di una traccia su YouTube di bassa qualità può in realtà avere una strana energia che scompare quando finalmente ascolti quella stessa canzone nella luce fredda e cruda di un Registrazione 96/24. Immagino che quello che sto cercando di dire sia: ci sono NO regole. Ci sono ragioni per cui sia il lo-fi che l’alta risoluzione possono funzionare. Dipende solo dall'artista come farlo.

Buon punto. Vedo due EP in vinile di Oceani a parte i punti salienti sono stati rilasciati. Devi avere ancora un'affinità con il formato LP.

Sì, adoro il vinile e colleziono dischi da moltissimo tempo! Ammettiamolo: è il formato di registrazione classico ed è il formato migliore per le opere d'arte. Ed è anche un formato molto lusinghiero per il suono. È fantastico ascoltare una versione in vinile da 12 pollici di una canzone accanto a una versione digitale, e direi che 9 volte su 10, dovresti dire che il vinile è un ascolto migliore.

Che tipo di sistema avete per ascoltare la musica?

Al di fuori del mio studio, ho un [giradischi] Technics SL1200 collegato a un [amplificatore integrato] Yamaha CA-810 per l'ascolto domestico, con alcuni altoparlanti personalizzati che ho acquistato da un negozio operativo. In realtà non ho idea di chi li abbia realizzati, ma suonano benissimo!

Scommetto! Ho letto un'intervista del 2013 in cui dicevi che ascoltare un album completo era “come correre una maratona” —

Ahah, sì, intendevo “correre una maratona” in senso positivo!

Oh sì, è così che l'ho presa. Adoro ascoltare gli album dall'inizio alla fine così come li intendeva l'artista. Sembra che lo sia anche tu.

SÌ. Penso semplicemente che ci siano molte più opportunità di raccontare una storia e offrire alle persone un’esperienza quando si hanno 40 o più minuti per farlo. Per me, parte dell’arte di registrare un disco sta nel modo in cui una traccia suona accanto a un’altra, quindi se ascolti solo una traccia alla volta, non sentirai mai le cose nel modo in cui le intendeva l’artista. Le abitudini di ascolto delle persone sono decisamente cambiate, ma penso ancora che ci sia posto per il formato album.

Anche io, assolutamente. Hai degli album preferiti che ti piace ascoltare dall'inizio alla fine? Quali album diresti che hanno ancora un impatto su di te?

Molti di questi documenti sono in realtà gli stessi. Raffreddare di The KLF (1990) è un pezzo straordinario che racconta la storia di un viaggio fittizio attraverso l'America. È un disco che ha senso solo se ascoltato dall’inizio alla fine. Adoro anche The Avalanches Da quando ti ho lasciato (2000). Quel disco ha avuto un'influenza enorme su di me come giovane musicista elettronico australiano.

Cosa puoi dirmi del lavoro con Dave Fridmann sull’album del 2013 dei Cut Copy? Libera la tua mente? È un produttore molto in sintonia con le registrazioni ad alta risoluzione e con suono surround. Cosa ha portato per te sulla tavola sonica?

Dave è un produttore e tecnico del missaggio davvero unico, ed è stato fantastico lavorare con lui su questo disco. Evidentemente ha un debole per la musica psichedelica, e questo era un po’ il tema dei nostri ultimi due dischi, quindi sembrava una buona soluzione. In realtà mixa in modo molto silenzioso, il che potrebbe sorprendere alcune persone. Ascoltando a basso volume, è abbastanza evidente se tutto è adeguatamente udibile nel mix. Penso che abbia fatto un ottimo lavoro nel catturare tanti piccoli dettagli e nel permettere loro di trovare un posto.

Camminando nel cielo è probabilmente il mio preferito Libera la tua mente traccia. È così incredibile impatto.

Dave utilizza anche molti tipi diversi di distorsione nei suoi mix e, nel caso di Camminando nel cielo, ha lavorato con qualche magia creativa di mixaggio, trasformandola da una ninna nanna molto discreta in un inno ampolloso e strano. I tamburi entrano come una sorta di evento biblico, rimbombando attraverso gli altoparlanti. Non era quello che avevamo previsto per quella traccia, ma alla fine l’ho amata.

Recentemente ho parlato con Vince Clarke degli Erasure e Gary Numan, ed entrambi hanno percepito l'attuale musica elettronica/dance scena - che entrambi ammirano molto - deve molto ai suoni e agli artisti pionieristici della fine degli anni '70 e dell'inizio 'anni 80. Sei d'accordo con questa valutazione? Anche tu hai un'affinità con quell'era della musica?

Sono decisamente d'accordo. Penso che negli anni '70 e '80 l'idea dei sintetizzatori fosse ancora qualcosa di abbastanza futuristico, e faceva parte dell'estetica. Penso che ora i sintetizzatori abbiano un suono più consolidato, con le proprie associazioni. Puoi avere suoni di synth che abbiano familiarità o nostalgia. Sicuramente ho una predilezione per quell'era musicale, che fosse elettronica, disco, punk, sperimentale o qualcosa di completamente diverso.

Le persone sono ancora alla ricerca di suoni unici e da scoprire, quindi quell’idea non è scomparsa, ma penso solo che la sintesi come forma musicale stia lentamente maturando. E questo è in gran parte dovuto ad artisti come Yaz, Brian Eno, Telex, Tangerine Dream e innumerevoli altri.

Dove pensi che sia diretta la scena elettronica/dance?

Si spera che continui ad evolversi e a sorprendere. Una delle cose che mi piacciono di alcuni della nuova generazione di produttori di danza, compresi molti di quelli inclusi Oceani a parte - è che hanno formato i loro gusti musicali in un'era in cui Internet ti consente un accesso molto maggiore anche alla musica più oscura. La musica che finiscono per fare è molto più avventurosa. Anche 10 anni fa, non credo che gli artisti avessero la stessa conoscenza di così tanti generi musicali strani.

Anche nel fine settimana ero in un club e chiedevo al DJ quale traccia stesse suonando. Si rivelò essere un disco proto-house sudafricano a tiratura limitata che probabilmente non raggiunse mai più di 500 copie. Questo è ciò che amo dei modi moderni di scoprire la musica: puoi trovare nulla! E come musicista, non può essere una brutta cosa.

Per le mie orecchie, scoprire nuovi suoni è Sempre una buona cosa. A questo proposito, cosa c’è all’orizzonte per Cut Copy? Che tipo di suoni possiamo aspettarci di sentire da te la prossima volta?

È difficile da dire. Dopo essere stato in viaggio per circa 12 mesi, ora sono entusiasta di iniziare a pensare di nuovo a fare musica. Ho ascoltato un sacco di roba nuova, compresi i dischi che avevo comprato durante il viaggio ma che non avevo avuto la possibilità di sedermi e assorbire. Inoltre, è l’inizio dell’estate qui in Australia, cosa che trovo sempre abbastanza stimolante.

Ho anche passato un paio di settimane a riconfigurare il mio studio a casa. Secondo Aphex Twin, questa è la parte più importante del processo di realizzazione di un disco. Se questo è vero, allora un nuovo record non può essere lontano. (ride)