Interview: Simple Minds sur la Big Music, les MP3 et les progrès

"Nous voulions juste créer le son le plus glorieux possible."

Le guitariste/claviériste Charlie Burchill a parfaitement décrit l'ambiance du premier album studio de Simple Minds depuis plus de cinq ans, intitulé " Grande musique. Ces pionniers de la synthtronica de la fin des années 70 de Glasgow, en Écosse, ont traversé, eh bien, grand dans les années 80, se transformant en un véritable mastodonte du rock indie de l’ère MTV. Ils sont passés du coup de danse si tu veux Je t'ai promis un miracle et le toujours omniprésent N'est-ce pas (oublie-moi) à la protestation celtique de Enfant de Belfast et triomphe abject de Journée Mandela. Pour Grande musique, le groupe était déterminé à mélanger le meilleur des deux mondes. Comme le dit le chanteur Jim Kerr: « Ça doit être comme si vieux Simple Minds, mais ça doit aussi donner l'impression nouveau Esprits simples. En parler est une chose, le faire en est une autre. Faire de la musique reste une chose mystérieuse. »

Kerr n'a pas à trop s'inquiéter des résultats, car

Grande musique offre le bon mélange entre le classique et le présent, des touches club palpitantes de Ville honnête au clavier Diamants de sang au bruit sourd anthémique de Humain.

Les tendances numériques ont traversé l'étang pour impliquer ces deux Écossais d'origine dynamique, tous deux âgés de 55 ans, et obtenir leurs points de vue respectifs sur la profondeur sur laquelle ils insistent dans leur enregistrements, pourquoi les mixages surround ont besoin que chaque canal soit efficace, et les secrets de la chimie spéciale du « souffle » qui rend certaines pistes encore plus magique. Vivant et en pleine forme, sans aucun doute.

Tendances numériques: la façon dont vous les caractérisez est intéressante Grande musique comme un mélange d’ancien et de nouveau, comme dans « Mettons la table pour que les gens sachent que c’est nous, et ensuite nous le ferons avancer dans la nouvelle direction. »

Jim Kerr : Ouais. Nous avons toujours dit que nous retournions à nos racines – mais c’était à l’époque et c’est maintenant le cas, et vous ne pouvez pas revenir en arrière. La technologie a changé, vous avez changé, et les styles et les tendances ont disparu. La musique est une chose organique. Cela progresse toujours.

Lorsque vous travaillez sur un tas de chansons, vous recherchez les mélodies les plus fortes, et vous recherchez des trucs qui vous pensez, surtout maintenant, que cela a un impact instantané, car il est déjà assez difficile d'attirer l'attention des gens en 20 secondes ou moins. Il faut que cela s’accompagne d’un réel engagement. Ça doit sonner bien, et sentir super. Nous avions beaucoup de cases que nous voulions cocher – que nous nécessaire cocher - pendant que nous y travaillions.

Charlie Burchill : Vous cochez les cases de quelques choses que vous avez toujours voulu essayer. La chose générale que les gens disent à propos du disque, c’est qu’il remonte à une période antérieure de l’histoire du groupe, mais qu’il a un son très contemporain.

Kerr : Ce qui s'est passé, c'est qu'il y a cinq ans, nous avons fait une tournée intitulée « 5 From 5 » – cinq chansons [chacune] des cinq premiers albums, celles « art rock » avant d'avoir notre pause publicitaire. Avant cela, je pensais, métaphoriquement, que ce serait peut-être comme enfiler une veste qui ne vous va plus et qui ne vous va plus. Mais nous avons été étonnés de voir à quel point les chansons n’avaient pas besoin d’être dépoussiérées. Nous avons été étonnés de voir à quel point contemporain beaucoup d'entre eux sonnaient. Je suppose que c’est parce que beaucoup de nouveaux groupes se sont tournés vers cette période musicale et, d’une certaine manière, certains d’entre eux ont contemporain ce que des groupes comme nous faisaient à l’époque.

Nous avons vraiment adoré. Non seulement les gens qui sont venus le voir ont apprécié, mais même s’ils disent qu’on ne peut pas revenir en arrière, nous avons pu en capturer l’essence. Et c'est en partie ce qui se passe en arrière-plan Grande musique.

Qu’avez-vous découvert sur le son du disque lors de la lecture initiale ?

Burchill : C’est une très bonne question. Nous avions masterisé certains morceaux de l’album deux ou trois fois. À un moment donné, quand nous avons terminé l'album, nous avions le vinyle, le 12 pouces, sur un petit tourne-disque en arrière-plan, très silencieux. Et tout le monde dans le studio a remarqué que ça sonnait bien mieux. Certaines choses se sont mélangées, comme le faisaient les vieilles bandes analogiques. Je l'ai certainement entendu.

Kerr : J'étais en studio le jour où le vinyle est arrivé. Et Andy Wright, le coproducteur, a dit: « Venez écouter! » et j'ai dit: "Je ne peux pas écouter ce disque plus!" Mais quand je suis entré dans la pièce, ils avaient un bon volume, pas trop fort, et on pouvait entendre tout. Et ça sonnait comme ça bien.

Burchill : Récemment, je lisais un MP3 sur iTunes et j'avais également le même fichier original sur mon bureau. Lorsque je l'ai joué depuis le bureau, le son était bien meilleur que sur iTunes.

Naturellement. Selon vous, qu’est-ce qui manque dans les MP3 ?

Burchill : Ce qui me manque toujours, c’est la profondeur. Il y a quelque chose que l’on ressent parfois plus qu’on n’entend. Mais surtout lorsque vous mixez, vous commencez à réaliser que vous avez besoin de tout l’espace tridimensionnel, qui s’aplatit sur un MP3. Des choses qui seraient normalement silencieuses mais que vous entendriez toujours – elles se perdent. Les subtilités ont disparu. Nous avons oublié à quoi ça ressemble quand on peut entendre la petite cloche dans un coin, vous savez ?

Je fais. Dans un MP3, la plage dynamique a été perdue et une chanson est souvent trop compressée. Sur des morceaux comme Humain et Ville honnête, vous manquerez de nombreux détails si vous ne les écoutez pas dans un format haute résolution.

Burchill : Absolument! Pour les derniers albums, nous avons enregistré des choses sur bande analogique et les avons transférées. Récemment, j’écoutais un multipiste en pensant: « Il y a tellement de marge, il y a tellement de profondeur. » Ce truc avec le numérique: la vague s'arrête à un certain point, alors que l'analogique continue. Même les gens qui ne s'en rendent pas compte sentir il.

Quelles pistes sur Grande musique ont la plage dynamique la plus grande ?

Burchill : Je pense Humain en ferait partie. Comme tu dis, c’est assez dense, avec beaucoup de choses. Vous devez entendre les subtilités de celui-ci de la bonne manière.

Et il y a le morceau à la fin qui s'appelle Enlevée comme par enchantement – il y a beaucoup de textures et il se passe des choses. Si vous l’entendez sur une bonne paire de moniteurs, vous pouvez entendre la profondeur. Ce sera quelque chose de génial en haute résolution.

Kerr : Quand nous avons finalement eu le tout premier morceau, Les yeux bandés, ensemble, nous avons senti qu’il y avait un bel équilibre, notamment avec les guitares de Charlie. Les guitares de Charlie sont un énorme fait partie de Simple Minds. Il jouait ces belles mélodies et il y avait un bon équilibre entre les synthés, les guitares et la batterie. Des paroles un peu obscures, mais elles faisaient quand même mouche. Nous avons pensé: « C’est une bonne idée pour planter le décor. » Cela nous a donné beaucoup de confiance.

C’est une grande chanson hymnique. J'aime aussi le fait que, dans l'intro, nous obtenions ces percussions déformées qui tuent. Comment as-tu eu ce son ?

Kerr : C'est génial! C'est Andy Wright qui l'a produit. Il a dit: « J’ai ce truc et j’ai eu l’idée de l’utiliser depuis très longtemps. » Il a mis ce "boum, boum boum" sentir là – ce genre de batterie synthétisée – et tout le monde a dit: « Ouais, nous adorons ça! Nous n'avons pas entendu ce son depuis longtemps temps. C’est quelque chose que peu de gens ont compris comme vous. (des rires)

Quel était votre objectif global pour le Grande musique mélanger?

Kerr : Nous avons travaillé sur différentes versions de ces chansons pendant quatre ans – différents endroits, différentes versions, différents producteurs, différents ingénieurs du son. Et puis enfin nous avons dû le rassembler et donner l’impression que tout était cohérent. Il devait y avoir un « son » global, un éclat général, et l'ingénieur/coproducteur Gavin Goldberg a certainement fait un excellent travail en s'assurant que le son ait une totalité. C'était une chose énorme. Une des choses qui m'a vraiment marqué cette fois plus que jamais, c'est qu'on a demandé à un enfant de masteriser le disque pour nous [JP Chalbos, à La Source Mastering, Paris], et que vraiment fait une différence.

Charlie est le roi de l'écho, et nous pouvons vraiment entendre ses prouesses sur des chansons comme votre reprise sincère de The Call's. Que la journée commence. C’est un joueur sous-estimé, vous ne trouvez pas ?

Kerr : Ouais, c'est génial que tu dises ça! C’est toute cette modestie. Il n’a jamais voulu être le guitar hero. Je suis évidemment partial, parce qu’il est merveilleux.

Je pense que les gens pensent que beaucoup de ses sons sont des synthés. Ils ne savent pas que c’est Charlie qui a joué à ça. C’est un vrai guitariste du genre « collage », vous savez? Il s'assoit et il travaille tous ses sons, et il assemble le tout. Et il ne joue jamais deux fois la même chose, ce qui peut être exaspérant. (rires) Mais c'est agréable de vous entendre penser qu'il mérite plus d'attention.

Je suis heureux que nous puissions dire que le groupe était dans la salle en train d'enregistrer ensemble et que nous pouvons également entendre la séparation des instruments lors de l'écoute. Grande musique via des fichiers haute résolution.

Burchill : C'est super. Vous venez de dire les deux choses les plus importantes. Lorsque vous écoutiez des enregistrements analogiques de très bonne qualité, vous aviez presque l’impression d’être dans la pièce avec le groupe, et nous n’obtenons tout simplement pas cela avec le MP3. Nous étions récemment en studio pour jouer en groupe, et il y avait quelques autres studios au même endroit. D'autres groupes qui étaient là sont venus et nous ont vu et ont dit: « Wow! En fait, ils jouent en studio! » Pour eux, c'était une nouveauté! C'est fou! (les deux rient)

Évidemment, lorsque vous les jouez en live ou que vous êtes ensemble dans la même pièce, vous en apprenez beaucoup sur les morceaux. Nous changerions les choses parce que nous réaliserions ce qui n’allait pas. Par exemple, parfois, vous ne pouvez pas entendre la respiration avant qu’une ligne ne soit chantée. Je dirai ça à Jim quand nous mixons – parfois d’autres choses sont si fortes, et pour entendre l’expression de la voix, il faut aussi entendre ce souffle. Tout est question de magie, et c’est tout. C’est inestimable. C’est ce qui fait la musique: la chimie et l’expérience émotionnelle lorsque les gens l’écoutent.

Que citeriez-vous comme exemple d’autres chansons complètes, issues de votre propre catalogue ?

Burchill : L'un d'eux serait Bord de l'eau [à partir de 1984 Brillez sous la pluie, produit par Steve Lillywhite] et un autre serait Il était une fois (1985), sur l'album que nous avons fait avec Bob Clearmountain. J’ai entendu parler des masters récemment: Bob travaillait avec des gens qui n’utilisaient pas autant d’écho que nous (rires), contrairement à notre claviériste [Michael MacNeil]. Mais sur Il était une fois, on peut entendre ça sur plein de morceaux. Vous pouvez entendre clairement les retards, parfois même quatre ou cinq fois, et c'est parce que Bob peut mélanger.

Sanctifiez-vous en est certainement un bon exemple.

Burchill : Ouais! Clearmountain a également suivi ce record. Dès le départ, les sons étaient de qualité, et il savait le faire dans le mix. Et puis Bob Ludwig l'a maîtrisé.

Kerr : Quand vous parlez de son, l’une des choses pour lesquelles nous avons eu beaucoup de chance, c’est qu’à cette génération, nous a travaillé avec certains des meilleurs ingénieurs et producteurs, de Bob Clearmountain à Trevor Horn et Stephen Lipson [Années de combat de rue, 1989], [Jimmy] Iovine [Il était une fois, 1985, avec Clearmountain], et Steve Lillywhite [Brillez sous la pluie, 1984] — Je veux dire, ils ne sont pas bien meilleurs que cela pour cette période.

Plutôt vrai. En 2005, les mixages surround de Il était une fois et les années 1982 Nouveau rêve d'or ont été libérés. Quelle est votre opinion sur le son surround en tant que format ?

Burchill : J'aime vraiment ça, personnellement. Quelques-uns de nos albums étaient également disponibles sur SACD. Je suis allé en studio avec le gars [Roland Prent], et nous avons fait les mixages 5.1. Nous avons également réalisé des versions 2.0 régulières. Nous les avons maîtrisés à Portland, dans le Maine, avec Bob Ludwig.

J'aurais aimé qu'il y ait un moyen de le proposer à plus de personnes. Le problème ici, au Royaume-Uni, c'est que lorsque les gens installent un système dans leur chambre, ils ont généralement un canapé adossé à un mur, donc le 5.1 apparaît plutôt comme du 3.1.

Ouah. Cela ne suffira pas. Il faut vraiment être au milieu de ces mélanges.

Burchill : Ouais. Et chacun a une approche différente de l'environnement lorsqu'il mixe. Certaines personnes aiment placer les choses à l’extrême gauche ou à l’extrême droite dans l’espace stéréo. J’aime bien quand il y a un peu de tout dans chaque enceinte, parce qu’alors on a vraiment l’impression d’être dans un espace tridimensionnel et d’avoir quelque chose comme un film qui s’envole.

Chose intéressante, chaque fois que Bob fait le mix, à la fin, il vous demande si vous voulez entendre le 5.1, car il les fait simultanément! Ça sonne juste droite, Vous savez? "Oh, c'est ainsi que la version 5.1 est censée être utilisée."

Je vais voter pour une sortie en son surround de Grande musique. Ce serait tellement génial de s'asseoir littéralement au milieu de Ville honnête. Mais il faudrait alors appeler cette version Musique plus grande.

Burchill : (rires) Ouais, définitivement! Ce serait génial! Des morceaux comme celui-là ont une grande ambiance, et vous entendrez un peu plus de définition dans le bas de gamme. Parfois, nous avions deux ou trois pistes de basse différentes, et dans la version 5.1, nous pouvions trouver de l'espace pour celles-ci, plutôt que de les placer simplement les unes sur les autres.

Avez-vous déjà pensé que votre musique aurait une telle résonance continue ?

Kerr : Non, vous êtes tellement plongé dans le vif du sujet et vous pensez simplement: « J'espère que quelqu'un obtient ce. J’espère qu’ils comprendront, parce que nous l’adorons! On dirait que nous klaxonnons notre propre corne, mais nous aimons vraiment ça.

C'est une chose mystérieuse, la musique. Vous n’êtes jamais sûr. Vous « comprenez », mais est-ce que quelqu’un d’autre a la chance de savoir qu’il existe? Et s’ils le font, vont-ils ressentir ce que vous ressentez? Quand ils le font, ça fait du bien. Honnêtement, ce n’est pas une question d’« ego » – ça vient plus tard (rires) – mais plutôt une sorte de validation: « Hé, je suis pas fou! Je ne suis pas seul."