Les meilleures bandes sonores de jeux vidéo de tous les temps

Les visuels des jeux vidéo se sont considérablement améliorés au cours des dernières décennies, les personnages et les environnements se rapprochant de plus en plus du réalisme, et cela peut rendre les graphismes plus anciens. Nintendo ou les jeux PlayStation 1 ont l'air carrément putrides. Les bandes originales de jeux vidéo (OST) ne sont pas souvent parlé de l'aspect des jeux, mais peuvent survivre bien après que leurs jeux soient devenus injouables.

Alors que les bandes sonores des jeux ont évolué pour utiliser fréquemment des orchestres et des chœurs pour ajouter une atmosphère plus dramatique, similaire aux films à gros budget, il existe des classiques absolus des années 80 et 90 qui sont tout aussi divertissants et accrocheurs aujourd'hui, bien qu'ils soient générés avec des bits limités et de l'audio synthétisé.

Cependant, mettre des jeux en musique n'est pas un art perdu: il existe de nombreuses bandes sonores plus récentes déjà sur le point de devenir de futurs classiques. Voici les meilleures bandes sonores de jeux vidéo de tous les temps – ou, du moins, nos préférées personnelles.

Super Mario Bros. (1985)

Lorsque vous entendez l'expression "musique de jeu vidéo", il y a de fortes chances que la mélodie d'ouverture de l'original Super Mario Bros. va juste commencer à jouer dans votre tête. Fantaisiste, rebondissante et à un rythme parfait pour vous faire avancer, la musique correspond parfaitement aux effets sonores créés lorsque Mario saute dans les airs, casse des blocs et déforme les tuyaux. Lorsque vous vous dirigez vers le sous-sol, le volume baisse et la musique passe à un rythme minimaliste qui signale le danger à venir. Avancez dans le temps avec le "do do do do do do" de la musique, et vous pourriez bien sortir vivant de l'autre côté.

Même lorsque vous échouez, vous ne pouvez pas vous empêcher de sourire, ces quelques notes ponctuant votre défaite. Lorsque vous manquez inévitablement de vies et que vous devez recommencer depuis le début, le jeu vous nargue encore plus avec une réinvention à plat des notes d'ouverture de la chanson thème. Avant d'avoir une chance de vous battre aussi beaucoup, cependant, il est de retour dans le monde 1-1 et la mélodie la plus mémorable de l'histoire du jeu vidéo.

Mega Man 2 (1988)

Les jeux Mega Man sont notoirement difficiles, mais sans prendre un contrôleur ou même voir des images en ligne, vous pouvez dire que Méga-homme 2 va être implacable à partir de sa seule bande originale. La chanson de chaque étape est un sprint vertigineux et anxiogène que vous aurez du mal à suivre, et même les airs plus lents du jeu, que vous entendrez dans Le thème d'Air Man, sont toujours plus rapides que la majorité de la musique sur la NES.

Ce n'est que lorsque vous avez finalement vaincu le Dr Wily et vu le générique de fin que vous avez enfin la chance de respirer, alors que la musique passe à un air doux et mélodique en récompense de tous vos efforts. Jeux ultérieurs de la série, comme Megaman X, ont certainement pu construire sur la base de Méga-homme 2 et livrer quelque chose d'un peu plus complexe, mais il y a quelque chose de charmant dans la simplicité de la bande-son.

Super Castlevania IV (1991)

Le Super-Nintendo était capable de produire un son bien supérieur à ce que nous avions entendu sur le Nintendo Entertainment System d'origine, ou même sur la Sega Genesis, et Super Castlevania IV pourrait bien être le meilleur exemple de ce que la console pourrait faire. Combinant les orgues assourdissants associés à l'horreur gothique avec le rythme chiptune rythmique auquel les fans de Castlevania s'attendaient, la bande-son a souvent éclipsé les visuels du jeu, qui sont toujours belle plus de 25 ans après la sortie initiale du jeu.

Même si vous avez aimé une chanson particulière de la trilogie originale de Castlevania NES, il y a de fortes chances qu'elle soit dans Super Castlevania IV, aussi. Les étapes ultérieures utilisent des versions réinventées de ces morceaux, y compris le premier jeu Tueur de vampires, vous donnant une bonne dose de nostalgie lorsque vous pénétrez dans le repaire de Dracula. Notre chanson préférée doit être Le thème de Simon, cependant, sa mélodie percutante et son rythme effréné en font la musique de fond parfaite lorsque vous réduisez à la taille des créatures macabres.

Déclencheur Chrono (1995)

Le chef-d'œuvre de Square Enix, Le déclencheur d'un chronomètre, a résisté à l'épreuve du temps, certains le considérant comme le meilleur jeu de rôle jamais conçu en raison de sa complexité l'histoire, des mécanismes de combat affinés et la conception de personnage signature d'Akira Toriyama, et la belle de Yasunori Mitsuda score. L'écran titre d'ouverture commence par une mélodie douce et inquiétante qui fait allusion à une musique plus explosive plus tard, mais au cours de l'aventure de Crono, nous entendons une grande variété de musique. Thème de la grenouille, par exemple, est aussi stoïque que le chevalier, mais avec une nuance tragique qui fait allusion aux luttes auxquelles il est confronté depuis sa transformation.

Notre musique préférée doit impliquer Magus, sans doute le meilleur personnage du jeu. D'abord considéré comme un antagoniste qui ne veut rien de plus que mettre le monde en péril, il est se révèle finalement être un personnage plus nuancé qui forme une alliance difficile avec le reste de la groupe. Son thème reflète cela, apparaissant toujours comme s'il atteindrait un point d'ébullition sans jamais y arriver.

Star Fox 64 (1997)

L'idée collective du grand sous-estimé Hajime Wakai (Pikmin, Wind Waker, F-Zéro X) et le légendaire Koji Kondo, le Renard étoilé 64 OST est une partition d'opéra spatial explosive et dramatique qui ajoute du drame à ce qui aurait pu être un jeu d'arcade idiot mettant en vedette des animaux qui parlent. Étant donné que chaque partie ne dure qu'une heure, la musique entraînante rend la relecture du jeu encore et encore plus agréable.

Chaque piste capture parfaitement l'ambiance de la mission et de la planète. Le classique Zone 6 La partition évoque le désespoir de quatre pilotes en mission suicide à travers le barrage incessant d'une flotte. Loup étoilé était l'arrière-plan parfait pour des combats de chiens tendus contre vos rivaux diaboliques. Des morceaux plus lents comme le Distorsion météo et Aquas capturé la beauté mortelle d'une galaxie tout aussi dangereuse que les forces d'Andross.

Qu'est-ce qui tenait le Renard étoilé 64 la bande-son était ses outils MIDI, qui ne pouvaient pas tout à fait être à la hauteur du son orchestré que Wakai et Kondo essayaient d'obtenir. Mais sautez en avant pour Assaut du renard étoilé – qui a gravé une grande partie de la même musique – et le Super Smash Bros. réorchestrations de jeux pour le Renard étoilé niveaux, et vous constaterez que la musique atteint son plein potentiel hollywoodien.

La Légende de Zelda: Ocarina of Time (1998)

La Légende de Zelda: Ocarina of Time est souvent considéré comme l'un des plus grands jeux vidéo jamais créés, et bien que cet éloge découle en grande partie de son monde fantastique design et histoire de voyage dans le temps, il serait carrément criminel de ne pas tenir compte de la contribution du compositeur Koji Kondo à l'histoire du titre. succès. À partir du moment où Link se réveille en tant qu'enfant et commence à se promener dans la forêt de Kokiri, la musique légère et apaisante se met en place. l'ambiance - c'est presque apaisant de cacher le fait que la région voisine d'Hyrule va bientôt plonger dans obscurité.

En vous remettant un ocarina, le jeu vous permet de donner vie à certains des thèmes les plus emblématiques de la série: Zelda, Epona et Saria. les thèmes résistent non seulement à l'épreuve du temps, mais jouent également des rôles de jeu importants lorsque vous progressez dans les donjons ou naviguez dans le Lost Les bois. Le thème de Ganondorf, en revanche, décrivait si bien le danger menaçant du méchant qu'il a réapparu dans plusieurs suites.

Bien sûr, peu de choses sont plus exaltantes que de charger à travers Champ d'Hyrule sur Epona alors que la musique monte en un refrain puissant et en plein essor qui vous donne la confiance dont vous avez besoin pour vaincre Ganondorf. Sauf, bien sûr, pour s'infiltrer Vallée de Gerudo, avec sa partition souvent remixée évoquant la joie de vivre et le danger loin de chez soi.

Patineur professionnel de Tony Hawk (1999)

Le punk rock et le skateboard ont grandi ensemble, et Le patineur professionnel de Tony Hawk reflète cela, donnant un ton optimiste avec des vers d'oreille pop, punk et ska qui ont trouvé un nouveau public et une popularité qui s'est étendue au-delà du jeu. Avec des airs de groupes acclamés tels que les Suicide Machines, Dead Kennedys et les Vandals, le jeu avait le parfait bande-son à écouter pendant des heures pendant que vous tentiez de maîtriser votre "McTwist" ou de reproduire le 900 que vous avez vu M. Hawk terminer à la télé. Une chanson est venue représenter le THPS l'empreinte culturelle de la franchise plus que toute autre: la piste de ska infusée de corne de Goldfinger Supermanest si implacablement optimiste et accrocheur qu'il est pratiquement impossible de s'énerver en l'écoutant. Les autres jeux de la franchise proposent tous des bandes sonores fortes, mais sans Superman, ils semblent tous manquer de quelque chose.

Halo 2 (2004)

L'original Halo nous a présenté la signature de la série, la chanson thème lourde de la chorale, et le troisième jeu s'est terminé par un numéro de piano émotionnel qui offrait ce que nous pensions être la clôture définitive de l'histoire de Master Chief. Mais ni l'un ni l'autre ne peut être comparé au déchiquetage de guitare électrique de Halo 2. Au début du jeu, nous renouons avec les ennemis mortels des Hunters du Covenant, qui sèment généralement la peur dans nos cœurs à la seconde où ils font irruption sur les lieux. Mais avec le solo de Steve Vai qui résonnait dans nos oreilles, nous avions la confiance nécessaire pour charger avec nos armes en feu. Lorsque nous changeons de perspective et prenons le contrôle de l'Arbiter, la musique prend une teinte d'horreur, parsemée de moments maussades et tragiques qui nous rappellent la mission impossible qu'il doit accomplir.

Bien sûr, les joueurs qui ont passé des heures dans le matchmaking Halo 2 se souviendront du jeu autant pour sa musique de menu déchirante que Lourd prix payé et Inoubliable. Prétendument nommé "inoublié" parce que le compositeur Marty O'Donnell a oublié qu'il l'avait marqué jusqu'à la sortie de Halo 2 presque épuisé, il évoque vraiment la tragédie et la mémoire de tous les humains et Covenants dupés mourant dans un sens insensé guerre. Le thème est revenu sans surprise dans Halo 3 et Halo 4.

Même la fin controversée du jeu, le cliffhanger, a été rendue plus supportable par la bande originale. Alors que Master Chief prononce sa célèbre phrase «Monsieur, terminez ce combat», le score de Marty O'Donnell crescendos et l'écran passe au noir. Les fans devront attendre trois ans pour découvrir comment la guerre entre les humains et les Covenants s'est terminée, la partition résonnant dans leurs oreilles.

Uncharted: Drake's Fortune (2007)

La série Uncharted peut être décrite comme un descendant direct des jeux originaux Tomb Raider. La musique du jeu, cependant, est l'un des rares éléments qui ont aidé Nathan Drake à sortir de l'ombre de Lara Croft. Sa chanson thème ne peut être décrite que comme "épique". L'entendre nous transporte dans l'une des nombreuses vues magnifiques et remplies de trésors de la série. La fortune de Drake sait également quand revenir en arrière pour créer une tension dramatique, en particulier entre les fusillades. "J'ai un mauvais pressentiment à ce sujet" ne commence même pas à décrire ces sections effrayantes, sinon silencieuses, où un seul faux mouvement pourrait faire chuter Nathan dans un tas de squelettes ou un groupe d'armes à feu mercenaires.

Minecraft: volumes alpha et bêta (2011-2013)

Ce n'est pas une affirmation trop audacieuse de faire ça Minecraft n'aurait probablement pas vendu 200 millions d'exemplaires, devenant le deuxième jeu le plus vendu de tous les temps, à moins que le compositeur allemand C418 n'offre aux joueurs une bande-son apaisante mais extraterrestre pour combler le vide alors qu'ils explorent son cadre presque désert et sans fin.

Des solos de piano paisibles créent une ambiance quelque peu mélancolique alors que vous naviguez dans un monde plein de créatures effrayées et de monstres violents. Ensuite, l'electronica optimiste vous donne une bouffée d'énergie, écoutant davantage l'humeur des joueurs qui construisent des bâtiments en blocs et se lancent dans des hijinks dans le jeu avec Minecraft modules.

La plupart Minecraft Les fans d'OST gravitent autour des classiques simples du premier album comme Ville de Moog, Suède, et Berceuse du caisson de basses. Ne dors pas Volume bêta, cependant, car il va au-delà des morceaux qui sont simplement « paisibles » ou « tristes » et crée des pistes comme Taswell et Kyoto qui ressemblent à des performances distinctes, chacune évoquant son propre nouveau monde étrange.

Voyage (2012)

Le compositeur Austin Wintory a passé trois ans à créer la bande originale de Voyage, et ce dévouement a porté ses fruits dans une bande originale incroyable qui a été la première et la seule à être nominée pour un Grammy Award. Wintory a fait de la violoncelliste Tina Guo le centre de la bande originale et a déclaré dans un entretien que le jeu est "comme un grand concerto pour violoncelle où vous êtes le soliste et tous les autres instruments représentent le monde autour de vous." Finalement, alors que vous gravissez la montagne, le violoncelle émerge de l'orchestre pour représenter l'achèvement de votre voyage. De plus, la bande-son change pour ajouter de nouveaux instruments lorsque vous rencontrez d'autres joueurs.

Ajouter dans son travail sur Syndicat Assassin's Creed, Abzû et la trilogie Banner Saga, Wintory plaide pour être le meilleur compositeur de jeux vidéo de la dernière décennie.

Rayman Légendes (2013)

Outre les jeux de rythme tels que Panpan et Guitar Hero en direct, il est rare de voir un développeur intégrer sa musique directement dans les mécaniques de son jeu, mais c'est exactement ce qu'Ubisoft Montpellier a fait en Légendes de Rayman. Après plusieurs étapes de plate-forme traditionnelles – chacune avec ses propres chansons légères – chaque monde se termine par une séquence de plate-forme ultra-rapide réglée sur une chanson rock ou pop populaire.

Des classiques comme Betty noire et L'oeil du tigre sont recréés avec l'humour bizarre de Rayman (ce dernier est joué entièrement sur kazoo) alors que le héros sans membres sprinte vers la ligne d'arrivée, et ses sauts sont en parfaite synchronisation avec les chansons. Les crashs de symboles, par exemple, sonnent chaque fois que Rayman est sur le point d'être touché par un coup de canon, et cela tout se passe dans le monde du jeu, avec des ennemis se joignant pour donner un concert alors qu'ils tentent de tuer notre héros. Ne gâchez pas le timing: vous ruinerez la chanson !

BioShock Infinite (2013)

Si Légendes de Rayman a réussi à lier sa bande-son à son gameplay d'une manière qu'aucun autre jeu n'avait auparavant, Bioshock Infiniteatteint un mélange similaire de musique et d'histoire. Dès l'instant où Booker DeWitt met les pieds dans la ville flottante de Columbia, il est accueilli par une musique qui n'existe pas encore. Les garçons de la plage' Seul Dieu sait, est chanté par un quatuor de barbiers, même si la chanson ne sera pas écrite avant environ 50 ans. Alors que le continuum espace-temps se désintègre davantage autour de Booker, il entend des airs de groupes tels que Creedence Clearwater Revival et même des légendes de la nouvelle vague Tears for Fears.

Peut-être que le moment le plus mémorable de tout le jeu peut en fait être ignoré si les joueurs ne sont pas assez curieux. Après être entré dans un sous-sol, Booker peut prendre une guitare et jouer Le cercle sera-t-il ininterrompu ? en duo avec sa compagne Elizabeth. Vous ressentez leurs émotions à travers les haut-parleurs, et la chanson nous a laissé penser à la façon dont ses paroles étaient liées à l'univers, ou au multivers, pendant des semaines après.

Enfant de lumière (2014)

L'auteur-compositeur-interprète canadien Cœur de pirate a créé une bande-son émouvante qui correspond bien à l'ambiance du jeu, lourd avec un violon mélancolique et des solos de piano réfléchis avant d'accélérer le tempo dans une bataille lourde de percussions ballades. Se déroule principalement dans un monde fantastique de portail et met en vedette une jeune fille désespérée de rentrer chez elle pour sauver son père mourant et la contrecarrer belle-mère diabolique, cette version sombre d'une histoire de Cendrillon avec violence et sans prince charmant brille en partie grâce à sa belle musique. Alors même qu'Aurora acquiert des pouvoirs et des amis, la combinaison de tristesse et de fantaisie nous rappelle que ce voyage n'est pas aussi agréable pour elle que pour nous.

Transistor (2014)

La plupart des joueurs choisiraient l'excellent Darren Korb Bastion bande sonore pour cette liste, mais pour notre argent, Transistor représente de loin le meilleur travail de Korb. Vous incarnez Red, un chanteur dont la voix a été scellée à l'intérieur d'une épée mystérieuse et qui doit se battre pour vaincre l'intelligence robotique qui absorbe les habitants de la ville en elle-même. Incapable de parler, Red peut fredonner la musique de chaque niveau, et vous entendrez également plusieurs de ses anciennes performances au cours du jeu.

Korbe décrit le genre de la bande-son en tant que «post-rock électronique du vieux monde», qui se traduit vraiment par une ambiance cyberpunk intense qui correspond au gameplay chargé d'action et au monde désolé et futuriste. Ajoutez à cela la voix étonnante de la chanteuse Ashley Lynn Barrett, utilisée à bon escient dans des chansons comme Nous devenons tous et La colonne vertébrale, et vous obtenez une bande-son qui vaut la peine d'être écoutée encore et encore.

Ori et la forêt aveugle (2015)

La beauté graphique de la franchise Ori n'a d'égale que sa bande-son vraiment magnifique, qui a été interprétée par un tout l'orchestre et la chorale et présente plusieurs performances en solo d'Aeralie Brighton, Rachel Mellis et Tom Boyd. Les harmonies des chanteurs sonnent comme si le cadre forestier du jeu sérénade Ori alors qu'il progresse dans sa quête, avec un solo performances survenant souvent pendant les cinématiques quand Ori a franchi une étape supplémentaire dans le nettoyage de sa maison de la maladie infectant il.

Outre son excellente valeur de production, le Ori et la forêt aveugle la bande-son réussit grâce à la composition réfléchie de Gareth Coker, qui crée une nouvelle, mélodie magique pour chaque nouvelle zone que vous rencontrez et des leitmotivs qui reflètent la récurrence personnages rencontrés.

Nier: Automates (2017)

Les heures d'ouverture de Nier: les automatessont accompagnés d'une bande-son mélancolique et parfois joyeuse qui existe principalement en arrière-plan lorsque vous vous déplacez dans le monde ouvert. La chanson Rayons de lumière a une mélodie de piano mémorable et simple que vous vous retrouverez souvent à fredonner – car il y a peu de bruit dans les ruines de la ville du jeu – mais la finale quelques notes du jingle évoluent vers un ton plus déprimant qui évoque la torture émotionnelle que vous êtes sur le point d'endurer au cours de la jeu.

Emi Evans, la chanteuse de nombreux morceaux, a fait des recherches linguistiques afin de composer une chanson convaincante, faux langage du jeu, Chaos, puis harmonisé avec les mélodies composées de Keiichi Okabe dans ce faux langue. En plus d'avoir une belle voix, Evans a ajouté de l'authenticité et de l'immersion au monde extravagant du jeu en créant et en chantant des mots qui sonnaient comme s'ils pourrait être une véritable langue du futur lointain.

Les derniers instants du jeu sont ceux où la bande-son fantastique atteint son apogée. Un air initialement calme et sombre, Le poids du monde, commence par une performance en solo avant de céder la place à un hymne orchestral, avec tout un chœur de voix qui se joignent à vous alors que vous vous dirigez vers la conclusion touchante du jeu. Même après que 2B et 9S aient terminé leur voyage, nous voulions toujours « le crier fort ».

Persona 5 (2017)

Les bandes sonores jazzy de Persona sont un grand favori des audiophiles de jeux vidéo, et le Persona 5 OST regorge de musique énergique vous encourageant à "réveille-toi, lève-toi, va-t'en". Le compositeur Shoji Meguro utilise fréquemment le piano électrique et la guitare dans la musique du jeu, ajoutant un ton synthétisé qui rend la routine quotidienne de votre personnage à Tokyo aussi excitante que le Métaverse.

Les points forts de la bande originale viennent de la chanteuse Lyn Inaizumi, qui interprète une douzaine de chansons pop / R&B qui resteront dans votre cerveau et vous feront les fredonner bien après avoir battu le match. Ils apparaissent à la fois en versions vocales et instrumentales en fonction de l'heure de la journée, ce qui est une touche soignée. De plus, le jeu ajoute même des paroles à certaines des musiques de combat, un choix que peu d'autres jeux ont jamais été assez audacieux pour essayer.

Céleste (2018)

Célesteest un jeu stimulant, non seulement en termes de gameplay, mais aussi en matière de sujet. La bande-son suit parfaitement le ton donné par le jeu, jouant un double rôle de musique de fond et de conception sonore. Suivre parfaitement vos événements, Céleste'La bande-son ressemble presque à un personnage du jeu, vous accompagnant pendant le long et souvent solitaire voyage jusqu'à Celeste Mountain.

En outre, CélesteLa bande-son plie parfaitement l'ambiance du jeu à sa volonté, avec l'ouverture Premiers pas offrant un ton plein d'espoir dans les premiers instants du jeu et des chansons comme Réflexion offrant un ton plus profond et plus méthodique alors que votre voyage physique et psychologique se poursuit dans un endroit plus sombre.

Céleste a également des niveaux "B-Side" avec une difficulté accrue et des remix rapides sur les thèmes de niveau originaux. Bien que tous trippants et faisant monter l'adrénaline à leur manière, Réflexion (mélange du centre de la terre) est une piste incroyable, avec le chant discordant reflétant l'environnement absurdement mortel dans lequel votre personnage continue de plonger la tête la première.

Super Smash Bros. Ultime (2018)

Super Smash Bros. Ultime a aidé Nintendo à transformer la Nintendo Switch en le lecteur MP3 le plus grand et le moins pratique de tous les temps. Les joueurs peuvent accéder à plus de 30 heures de pistes originales et de remixes d'une grande variété de franchises de jeux vidéo à partir du menu Sons du jeu et à travers ses plus de 100 étapes. Le jeu vous permet écouter à vos franchises préférées et créez des listes de lecture personnalisées. Ou sélectionnez simplement la lecture aléatoire et revivez certaines des meilleures musiques de jeux vidéo de l'histoire, y compris des compositions de plusieurs de nos autres meilleurs choix de tous les temps.

Les Smash Bros. La série a apporté un mélange amusant de vieux classiques et d'orchestrations fraîches que les fans ont adorées. Comme avec Renard étoilé 64, Nintendo a utilisé la technologie musicale et les bibliothèques de sons pour remixer complètement les bandes sonores MIDI. Ce travail méticuleux a apporté une nouvelle vision de la musique de franchises telles que Mario, Zelda, Fire Emblem, Metroid et Kirby. Une autre tournure amusante est que les nouveaux personnages DLC, comme Joker dans Persona 5, obtenir leur thème musical.

Destin éternel (2020)

Les jeux Doom sont souvent comparés à une pochette d'album de heavy metal, uniquement jouable. Bien sûr, une bande-son heavy metal a toujours été présente dans la série, mais ce n'est qu'au redémarrage en 2016 que nous vraiment ressenti l'impact de la musique sur le jeu. Composée par Mick Gordon, cette bande-son s'adapte dynamiquement à la force avec laquelle vous déchirez et déchirer les hordes démoniaques pour ponctuer parfaitement chaque explosion de fusil de chasse et obus de mitrailleuse licencié. Le résultat est un métal apologétiquement exagéré, et même s'il semblerait presque cliché dans n'importe quel autre contexte, il correspond à la brutalité de Destin éternelà la perfection.

La musique est si réactive qu'elle devient essentiellement un mécanisme dans le jeu lui-même. Comme indiqué, plus vous tuez fort, plus les guitares déchirent et battent les tambours, mais cela vous indique également quand certaines capacités sont prêtes, quand de nouveaux démons apparaissent ou quand votre santé est faible. Malheureusement, Mick s'est disputé avec les développeurs après le lancement de ce jeu, donc c'est peut-être le dernier jeu où nous pourrons profiter de ses talents musicaux démoniaques.

Mentions honorables

La NES est dans les foyers depuis plus de 35 ans, donc notre liste des 20 meilleurs ne couvre pas chaque année. Comme il existe une telle richesse de superbes bandes sonores, nous listons ici nos finalistes. Ils valent la peine d'être écoutés, même s'ils n'ont pas fait partie du top 20.

• Super Mario World (1990) de Koji Kondo
• Attaché à la terre (1994) de Keiichi Suzuki et Hirokazu Tanaka
• Final Fantasy VI (1994) de Nobuo Uematsu
• Secret de mana (1994) de Hiroki Kikuta
• Donkey Kong Country 2: La quête de Diddy Kong (1995) de David Wise
• Banjo-Kazooie (1998) de Grant Kirkhope
• Chrono-Croix (1999) de Yasunori Mitsuda
• Final Fantasy VIII (1999) de Nobuo Uematsu
• Super Mario Soleil (2002) de Koji Kondo
• La Légende de Zelda: The Wind Waker (2003) de Kenta Nagata, Hajime Wakai, Toru Minegishi et Koji Kondo
• Super Mario Galaxie (2007) de Mahito Yokota et Koji Kondo
• Persona 4 (2008) de Shoji Meguro
• Assassin's creed 2 (2009) de Jesper Kyd
• Halo 3: ODST (2009) de Martin O'Donnell et Martin Salvatori
• Bastion (2011) de Darren Korb
• Générations sonores (2011) de Jun Senoue
• La vie est étrange (2015) de Jonathan Morali
• Sous-titre (2015) de Toby Fox
• Teinte (2016) d'Alkis Livathinos
• Dieu de la guerre (2018) de Bear McCreary

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