Moody Blues frontman Justin Hayward på HD-ljud, soloinspelning

Justin Hayward är inte en som vill uppehålla sig vid framtida dagar, men han vet verkligen hur man kan lägga till ett historiskt arv. Sedan 1966 har Hayward frontat The Moody Blues, ett band synonymt med berusande, progressiva arrangemang, svepande harmonier, och en krävande standard för ljudkvalitet i deras mixar, speciellt när det kommer till liveinspelningar och surround-ljud.

Förra året, en massiv box med 17 skivor, Tidlös flygning, dokumenterade bandets legendariska karriär på sex decennier. Den inkluderade sex fantastiska 5.1-blandningar gjorda av Paschal Byrne och Mark Powell som byggdes på tidigt 70-tal quad-mixar som övervakas av den ursprungliga Moodies-producenten Tony Clarke och konstruerade av ingenjören Derek Varnals. Hayward, som övervakade de övergripande blandningarna för Tidlös flygning med sin mångårige produktionspartner Alberto Parodi, var ganska nöjd med resultatet: "Det hade jag inte modet att gå tillbaka till någon av mästarna och försöka återskapa dessa vackra, verkliga ekon själv”, han anteckningar.

Men ibland får Hayward lust att kliva utanför The Moodies och göra det ensam utmaning han tycker om: "Det finns inget som är skönt med bara en kille och hans gitarr på scenen," han säger. "Och du måste mena det också. Om det inte kommer från hjärtat så fungerar det inte." Utan slagverk eller elgitarrer att backa honom upp, Hayward och en gles trio gav sig ut på en soloturné förra året för att stödja hans fina solo 2013 släpp, Spirits of the Western Sky. Den turen är utmärkt dokumenterad i HD på Spirits...Live – Live på Buckhead Theatre, Atlanta, släppt idag på Blu-ray och andra format. Parodis skarpa surroundmix fångar den vackra akustiska gitarrblandningen mellan Hayward och andregitarristen Mike Dawes, bäst exemplifierad av Dawes slagkraftiga slag på sin greppbräda balanserar med Haywards egna rasande ackord under de evigt hårt laddande Moodies klassisk, Fråga.

Hayward, 67, satte sig nyligen ner med Digital Trends för att diskutera kraven för mixen av Andar... Live, hans favorit 5.1-ögonblick och varför han behövde uppdatera några CD-överföringar från början av 80-talet. Om det är något som Hayward har bemästrat genom åren så är det hur man svarar på frågor om balans.

Digitala trender: Eftersom din soloturné är akustiskt orienterad måste du ha haft några olika mål när det gäller hur du hade det blandat.

Justin Hayward: Jag gjorde inget! (skratt) Jo, min främre ljudtekniker, Steve Chant, lägger sin mix på ProTools varje kväll. För just den här showen hade vi en annan kille vid sidan av scenen som lade sin mix i en senare version av ProTools. Steve lyssnade på vad den andra killen hade samlat på sig och skickade det sedan till Alberto Parodi i Genua [i Italien] tillsammans med hans egen grova blandning av natten. Och det var det, verkligen; inget för komplicerat.

Nästa dag sa Alberto: "Jag satte bara upp fadersna. Det låter bra! Och jag satte några fina små ekon på den också. Jag vet inte vad mer du vill göra. Vill du ändra något?” Och jag sa: "Nja, jag tror inte det. Stämmer allt?" Han sa: "Ja, lämna det. Om vi ​​ställer in det kommer det att låta som vi försökte att fixa något." Så vi lämnade det bara. För CD-skivan borde jag nog ha gjort en del trimning, men för DVD/Blu-ray lämnade jag den bara. Alberto gav lite "aura" runt ljudet och gjorde några andra saker ljudmässigt, men det är allt.

Det är en anmärkningsvärd skillnad mellan din närvaro i en Moody Blues-livemix och din solo-livemix. Du är lite mer naken i den här akustiska miljön - din röst är väldigt framträdande, med bara akustiska gitarrer och keyboards och utan slagverk. Du går medvetet för olika arrangemang här.

Totalt. Jag kan känna varje nyans på det. Gitarrerna är annorlunda eftersom jag tog med mig mina hemgitarrer på den här turnén – det vill säga jag använder samma gitarrer som jag skrev på och gjorde mina originaldemos på. Det var den känslan jag ville få — hur det känns i mitt eget musikrum, precis som det var när jag avslutade låten och skulle göra demot. Jag kände till alla delar, även i Moodies-låtarna, som jag ville förklara för bandet när det gjordes. Så det var i princip en fråga om att överföra min vardagsrumskänsla där ute på scenen. Hemma dubbelspår jag mig själv, och sedan går jag till en liten studio i Nice nära där jag bor i södra Frankrike och lägger ner sången. De har några fina gamla [Neumann] 87:or där, rätt mikrofoner.

Det är tvärtom från det sätt som vi skulle göra en Moodies-skiva, där vi skulle arbeta i flera dagar på backing-spåret och sedan arbeta med keyboards och elgitarrer. Här lägger jag ner mina saker först med min röst, försöker fånga de ögonblick där jag verkligen trodde att jag hade avslutat låten, och sedan lade jag de andra elementen runt den.

En annan stor skillnad är att du inte har en trummis med dig på scenen.

Ja, det finns inga trummor. Gud förbjude, jag älskar trummisar, och några av mina bästa vänner är trummisar. (skrattar) Men trummor och akustisk gitarr, och trummor och sångmikrofoner – de blandas inte. Jag har mixat fem eller så Moody Blues live-DVD-skivor för Universal under de senaste 25 åren, och jag har upptäckt att du har fastnat för trumljudet som finns på sångmikrofonerna. Det är den stora skillnaden. Och med The Moodies kan du ha uppemot 76 spår, och det behöver en mycket reda ut, reparera och fixa. Jag har inte många låtar på mina solo liveinspelningar att jobba med. Så det var en väldigt annorlunda upplevelse.

Finns det en speciell Moody Blues-låt i det här livesetet som för dig visar en dramatisk skillnad mellan Moodies-versionen och Justin Hayward-versionen?

Det finns ett litet medley vi gör i början av showen - Det är upp till dig/härligt att se dig — Det blir precis som jag först lade ner demos för de där låtarna i Decca Studios [i West Hampstead, London] under de tidiga dagarna, ’68 eller ’69, när det nu var. [Kul att se dig antecknades 14 januari 1969 för På jakt efter det förlorade ackordet, och Det är upp till dig spelades in i början av 1970 för En fråga om balans.]

Jag märkte att du utökar stavelserna i vissa ord, som "da-ay" i Tisdag eftermiddag och "he-ere" in För evigt höst. Är det ett medvetet val?

Ja. Jag tror att det händer när du har en synergi med den akustiska gitarren och sättet som resonerar genom din kropp. Det verkar bara rätt att sjunga de orden på det sättet. det hade jag glömt För evigt höst är en så stark låt. [För evigt höst är en låt som Hayward framförde på 1978 års album Jeff Waynes musikaliska version av War of the Worlds, som gick topp 5 i Storbritannien] Jag får så sällan göra det. Jag har faktiskt bara gjort det på en Moodies-turné, och även då behövde jag skriftligt tillstånd. (båda skrattar) Det är en så bra låt, och den resonerar verkligen med människor. Jag är så tacksam över att kunna göra det.

Snälla fortsätt göra det. Det är ett trevligt ögonblick av övergång innan du går in i huvudsetets slutspel och extranummer.

Åh ja. Det är en vinnare. Det är som Nätter i vit satäng. Jag upptäcker att det finns ett par låtar som du kan gå var som helst i världen och spela på akustisk gitarr, och folk kommer att säga, "Åh, jag vet det; toppen." För evigt höst och Nätter är så där uppe.

Natt i vit satäng är en av de låtar som drar nytta av att lyssnas på högupplöst, oavsett om det är via en 96/24-nedladdning från HD-spår eller dess fantastiska surroundljudsmix. Bredden av den inspelningen är ännu tydligare i hi res.

Jag gjorde den blandningen själv. Men jag kan inte ta åt mig hela äran, för allt jag hade var quad-versionen gjord av Tony Clarke, den ursprungliga producenten, och Derek Varnals, ingenjören. De hade gjort det 1971 i Threshold-studion, så de hade exakt samma ekon. Decca slängde aldrig något, så de kunde ta in en hel del av den ursprungliga mixerbordet, cirka 12 faders, för att få exakt samma EQ och mixa på den. Så jag gjorde ingenting på de där surroundljudsmixarna förutom att lägga till några stämningssaker i 5-kanalen.

Håller du med om att 96/24 eller till och med 192/24 är det bästa sättet att höra ditt inspelade ljud?

Jag skulle. Jag blev förvånad över kvaliteten på alla dessa tidiga mixar — Framtidens dagar passerade, särskilt. Jag satt precis där i studion med Alberto och arbetade på 5.1:an till boxen och tänkte: "Hur fan gjorde vi det här? Hur fan gjordes det?" Men jag kan inte ta åt mig äran för det, för på den tiden var du inte inbjuden till kontrollrummet. Det var verkligen Tony och Derek som gjorde det - och jag är så glad att de gjorde fyrhjulingen i så vacker kvalitet, för det sparade mig mycket tid och smärta. Det var ett ansvar jag inte tror att jag hade velat ta på mig.

Jag råkar gilla att några av de mer, ska vi säga, "daterade" blandningarna från förr som uppdaterades på Tidlös flygning.

Det fanns ett par saker som jag visste att de hade rusat in på den digitala domänen i början av 80-talet som jag har nämnt för dig tidigare, och ganska dåligt. Jag märkte det verkligen på [1968-talet] På jakt efter det förlorade ackordet, med Graeme [Edge]s ridcymbal. Först hade jag bara antagit att den inte hade spelats in särskilt bra, tills jag gick tillbaka till originalmästaren och lyssnade på den igen. Och jag tänkte: "Nej, den är vacker." Och sedan insåg jag att vi hade tillbringat nästan 30 år med en digital version som bara inte var särskilt bra.

Jag vet att jag är skyldig, precis som alla som jobbar i studion, för att hänga mig åt aktuella ljudtrender och hur saker låter och vilka saker som låter bra. Alberto och jag har fått några "Hur vågar du göra det här - du får det att låta som om det är från 2011!" typ av kommentarer. "Du borde ha lämnat det som det var!" Det är en frestelse att lyfta det lite och anpassa det till hur människors öron är nu. Tiden i en inspelning är så mycket viktigare nu. Du kan inte ha slarvigt trumspel eller tidtagning som du hade på 60-talet. Folk kommer inte att acceptera det längre. Så vi är skyldiga till att följa några ljudtrender som kan få det att låta lite annorlunda. Men om flera år kan saker och ting låta lite varmare eller svårare.

Kan du ge mig två exempel på vad du kände kan ha blivit förbisedd ljudmässigt men, lyssnat på idag, kan folk få något annorlunda ut av, bra eller dåligt? Ge mig en från The Moodies och en från din solokatalog.

Jag tror Till Våra Barns Barns Barn [1969] är det enda Moodies-albumet som inte kom fram på radion. Det hoppade inte; det var mjukt, det var tyst. Alla var så känsliga med det och hanterade det med barnhandskar. Sättet det bemästrades var tyst och sättet som det överfördes till skivan var känsligt. Till slut slutade det med att det gick lite vilse. Tittar och väntar — När vi hörde den låten i sin skönhet i studion, tänkte vi, "Det här är det! Alla de människor som hade sagt till oss de senaste 3 eller 4 åren, "Du kommer förmodligen bara att göra en till Nätter i vit satäng med den” — nej! Vi fick rysningar i ryggraden och sånt. Men när den kom ut och du hörde den på radion sa du hela tiden: ”Höj den! Vänd den upp!! Åh nej, det kommer inte att göra det." Så det hände inte.

Och så är det ett av mina soloalbum, Flytta berg [1985], vilket jag var totalt in i, men när jag lyssnar tillbaka på det nu tänker jag: "Det kanske bara var några för många överinspelningar. Kanske gjordes lite för mycket i mitt främre rum. Jag kanske gosade för mycket efteråt." Tidens tecken, ja, verkligen.

Har du en favoritblandning som Alberto har gjort för dig, en som du anser vara hans bästa guldöra?

Jag måste säga "En dag, en dag," på Spirits of the Western Sky. Det var verkligen toppen av hans spel. Han och Anne Dudley gjorde det tillsammans. Hon gjorde orkestreringen, och han var ansvarig för mixen. Han lät mig spela över det hela, och sedan blev han av med det han inte gillade och behöll det han gjorde. Jag dök upp nästa morgon, efter att jag gick till hotellet i Genua kvällen innan och hade lämnat honom kvar i studion. Han drack en kopp te och sa, "Kom och lyssna på det här," och det var som, "Wow." Från topp till botten är ljudet helt rätt och härligt.

Min favorittext i den låten är: "Försöka få 'jag älskar dig' i varje låt."

Ja, det stämmer - jag försöker fortfarande få "I love you" i varje låt! (skrattar)