Intervju: Moby om fotografering, växa upp, oskyldiga, förstörda

"Du bara fortsätter att skjuta och hoppas på lyckliga olyckor. Den första redigeringsprocessen är faktiskt i kameran.”

Elektronisk musik ikon Moby har alltid lagt fram en individualists snurr med sin musik, och han bär den filosofin över till hans hyllade fotografi. Även efter otaliga högprofilerade utställningar och gallerishower följer han fortfarande råden som hans farbror Joseph Kugielsky, fotograf för The New York Times, delade efter att ha skänkt honom med en av hans gamla Nikon F kameror när han bara var 10 år gammal.

"Han sa, 'Om du kan, ta bilder av saker som andra människor inte kan se'", minns Moby. "Om du är en betalstationsarbetare, ta bilder inifrån din betalstation; ingen annan kan se det. Om du är musiker, ta bilder från scenen, för ingen annan kan se den där. Med tanke på fotografiets utbredd, särskilt i den digitala tidsåldern, känner jag att nästan allt har filmats 100 miljoner gånger.”

Den digitala spridningen har påverkat Mobys kreativa impulser. "Med tanke på att hälften av människorna på planeten tar bilder, är det frågan om vad jag kan göra som en fotograf som kan ha betydelse för mig och andra människor och ändå på något sätt vara unik”, han observerar. – Med tiden har jag blivit mindre intresserad av reportage och att dokumentera med det som redan finns. De

Oskyldiga show var jag att skapa en värld och sedan dokumentera den, nästan som att manipulera den semiotiska relationen människor kommer att ha med en bild." Oskyldiga, Mobys framgångsrika gallerishow 2014, baserades på idén att "apokalypsen redan har inträffat. Showen är en titt på apokalypsen och en postapokalyptisk "kult av oskyldiga" som har uppstått i kölvattnet av apokalypsen."

Digital Trends ringde Moby (riktigt namn: Richard Melville Hall) i Los Angeles för att ta reda på mer om hur han först blev till fotografering, vad hans favoritutrustning är och vad han går för när han tar bilder medan han uppträder på scenen. En sak är säker: Moby gillar att skjuta.

Digitala trender: När visste du först att fotografering var viktigt för dig och var något du ville ägna dig åt?

Moby: När jag växte upp blev jag först introducerad till seriös konstfotografering genom min mamma. Vi var väldigt fattiga och vi hade bara en konstbok när jag växte upp – en bok med Edward Steichen-foton från slutet av 1800-talet till början av 1900-talet. Jag tillbringade min barndom upprepade gånger med att titta på denna Edward Steichen-bok (på piktorialism) och bli förvånad över det.

Det som fascinerade mig med fotografi, även i tidig ålder, var att förstå hur detta medium kunde ha så många olika nyttigheter. Fotografering är så överallt. Det skulle kunna användas för att sälja smör, det kunde användas för att demonstrera krigsövergrepp och det kunde användas för att skapa mycket subtil, nyanserad skönhet. Jag tyckte det var så intressant, totemiskt och kraftfullt.

Min farbror (Joseph Kugielsky) hade varit fotograf för The New York Times, så jag växte upp och umgicks med honom i hans mörkrum. Han skulle ta mig till fotoshower på ICP (International Center of Photography), i New York och andra platser.

Fotografering ligger bokstavligen i ditt blod, antar jag att man kan säga.

Ja. När jag var 10 år gammal gav han mig min första kamera, en Nikon F som han använt i flera år. Så här i efterhand var det verkligen en ambitiös, ambitiös kamera för en 10-åring som aldrig riktigt tagit bilder. Och sedan varje år till min födelsedag eller till jul, fick jag en annan fotoutrustning.

Vad skulle du få – saker som nya linser?

Jag hade alltid samma objektiv, men jag fick en spotmeter. När jag var 13 eller 14 lånade min farbror mig gammal mörkrumsutrustning som han inte använde – en Omega D2-förstorare. Jag satte upp den i källaren i min mammas hus och började lära mig att blanda kemikalier och bearbeta film, framkalla och skriva ut.

Det enda jag inte saknar med mörkrummet är kemikalierna, för de var verkligen otroligt giftiga. När jag tillbringade mycket tid i mörkrum, mådde jag bara illa hela tiden. Speciellt fixeringsmedlet och stoppbaden - jag känner att just de två kemikalierna förmodligen har tagit år av mitt liv.

Vad använder du nu, redskapsmässigt?

Tja, det beror på vad jag fotograferar. Om jag fotograferar något mer formellt eller mer övervägt använder jag Canon EOS 5D Mark II. Men jag har en Canon PowerShot som jag använder för saker som är mer spontana, som om jag tar bilder på scenen eller om jag fotograferar under vatten. Jag kommer att använda Canon PowerShot eftersom den tar RAW. Även om det är en liten kamera har jag faktiskt kunnat ta bilder med den och skriva ut dem riktigt, riktigt stora – vilket förvånar mig, eftersom jag antog att med små kameror skulle jag ha inneboende begränsningar när det gäller vad jag skulle kunna göra, tryckmässigt.

Eftersom jag var väldigt fattig var jag tvungen att skjuta väldigt, väldigt selektivt när jag växte upp. Film var dyrt, kemikalier var dyra, framkallningspapper var dyrt – allt var dyrt. När jag började fotografera digitalt började jag fotografera på samma sätt som jag gjorde med film – väldigt selektivt och väldigt sparsamt. Men med tiden, speciellt när jag fotograferade på scenen, lät jag mig bara skjuta hela tiden.

Hur vet du när du vill ta en bild när du uppträder? Hur kommer du in i den sinnesstämningen?

När det gäller att välja Vad att fotografera – eftersom ljusen ändras så snabbt kan du inte riktigt förutse, ens från en sekund till en annan, vad du kommer att få. Så det är bara att fortsätta skjuta och hoppas på lyckliga olyckor.

För mig är den första redigeringsprocessen faktiskt i kameran. När jag är på mitt hotellrum efter föreställningen, innan jag lägger in bilderna av publiken i Lightroom, ska jag titta igenom kameran och försöka ta bort hälften av dem. Många gånger kommer hälften av dem att vara för mörka, eller för suddiga eller något.

Har du någon speciell favorit lyckliga olyckor?

Ummm... ärligt talat, det är de alla. (Skrattar.) Den senaste serien jag gjorde, Oskyldiga, var mycket mer formell på ett sätt – vilket innebär att det planerades långsamt, med mycket omtanke. Men alla publikbilder är spontana, för det mesta. De är definitivt en produkt för livet av att ta bilder. Om du ger en kamera till någon som har ägnat decennier åt att ta bilder, kommer de att rama in saker på ett lite mer övervägt sätt. Betyder inte att det är det bättre, för ibland kan oavsiktlig spontan inramning vara bra. Jag tillbringade så många decennier med att titta igenom en sökare att det är svårt för mig att inte rama in saker lite mer formellt.

Det finns vissa saker som inte behöver fotograferas igen, särskilt av någon som har försökt att vara en omtänksam, professionell fotograf. Du kan bara lämna vissa saker ifred. Som Eiffeltornet - det är OK att inte ta några fler bilder av Eiffeltornet. Jag menar, det är en vacker byggnad, det är anmärkningsvärt, det är ikoniskt, men om du inte kan ta med något nytt till ett fotografi av något som har skjutits en miljon gånger, det är förmodligen bäst att bara gå vidare och hitta något som andra inte har dokumenterat.

Det finns en unik stil för att fotografera på scenen och på vägen.

Jag skulle inte ens veta vad jag ska kalla det – det är en sorts hybrid mellan (pauser) … självbiografiska reportage. En av mina favoritverk är Richard Billingham, en bok som heter Ray är ett skratt (utgiven av Scalo 2000). Hans pappa hette Ray, och det är detta fantastiska dokument av en familj som växte upp i ett bostadsområde i norra England. På ytan av det kunde du inte föreställa dig något mindre dramatiskt eller övertygande än en alkoholist som bor i ett deprimerande bostadsområde. Men i händerna på fotografen Richard Billingham blir det vackert och transcendent och hjärtskärande, och kan kommunicera dessa sanningar om det mänskliga tillståndet. Det är hans geni i det här arbetet, att ta det helt vardagliga och fånga det och presentera det på ett sätt som är unikt och vackert.

Och det är nyckeln. Skulle det också kunna göras med Eiffeltornet?

Ja, det finns förmodligen en fotograf där ute som vi pratar som tar en bild av Eiffeltornet och fångar det på ett sätt som är helt nytt och unikt.

Finns det något ämne eller föremål som du ser som en utmaning, något du skulle göra något nytt med på ett sätt som det inte har gjorts?

Ärligt talat gjordes det i boken Destroyed (2011), dokumentet om att gå på turné. Sanningen är att världen av musiker som går på turné har dokumenterats en miljard gånger. Men jag insåg att nästan alla dokument jag någonsin sett av en musiker på turné började se likadana ut för mig: antingen glamorösa bilder av musiker på scenen, grusiga svartvita bilder av en musiker bakom scenen eller musiker på ett privat plan – och alltid informerade av en känsla av glamour.

Glamour och berättigande.

Japp. Upplevelsen av att turnera – det finns väldigt lite som faktiskt är glamoröst med det. Även om du befinner dig i en skenbart glamorös miljö, är den fortfarande generellt sett vacker inte glamorös. Jag ville dokumentera det förvirrande konstigheten med att turnera, det "vardagliga" med att turnera på ett sätt som jag aldrig sett förut. Det var utmaningen just där – att dokumentera turnerandet på ett sätt som kändes egendomligt och ärligt.

Jag gillar det. När du går på vägen – och jag har själv varit där ute med band – finns det 20 eller fler timmar på dygnet som inte är den glam som vissa människor gör det till. På tal om det så älskar jag bilden du tog av människorna som väntade på flygplatsen.

Mm-hmm. Det är en av anledningarna till att jag blev vän med Jason Reitman efter att han blev Uppe i luften (2009), för att jag tycker att han gjorde ett så bra jobb med att visa inte bara bristen på glamour kring flygresor, utan den där förvirrande konstigheten. Att göra någon form av resor och någon form av turné, i slutet av dagen... det är bara konstigt.

Att resa är en udda sak på vissa sätt, om du går tillbaka från det. Blir det någonsin mindre konstigt ju mer du slutar göra det?

Det välbekanta burk känns mindre konstigt med tiden, men då är det ibland skönt att ta ett steg tillbaka och nästan återbekanta sig med det bekanta. Det finns egentligen inte mycket i någons liv som, när det undersöks, inte visar sig vara konstigt. Allting är.

Till och med själva handlingen att vara vid liv är märklig, i ett universum som är 15 miljarder år gammalt på en planet som är 5 miljarder år gammal. Att vara dessa konstiga, flercelliga varelser – i och för sig, det är konstig. Per definition finns det massor av saker i våra liv som är bekanta, men det minskar inte på något sätt deras konstigheter.

Oskyldiga var en stor framgång. Har du några andra stora paraplyfotoprojekt du jobbar med nu?

Nej. Det finns mycket information att bearbeta och svara på, och jag håller på att försöka lista ut vad nästa fotoprojekt och fotoshow kommer att bli.

En av de fantastiska sakerna med fotografering – och jag säger helt klart det uppenbara – är att det kan vara något. Jag talar specifikt om statisk fotografering; tvådimensionell orörlig fotografering. Många av mina vänner som är fotografer flyttar in i experimentella filmer och gör filmer. Jag gillar att göra det, men i slutändan ser jag fortfarande så mycket kraft i en statisk, tvådimensionell bild. Det kan vara abstrakt, det kan vara hyperverkligt, det kan vara reportage, det kan vara fullständigt fantastiskt, påhittat och påhittat. Det finns något både befriande och skrämmande i att försöka tänka på nästa konstiga fotoprojekt jag gör, för det kan vara vad som helst.