Falling Off Waterfalls: Möt resefotografen Colby Brown

Colby Browns Passet läses som fotografens ultimata bucket list - norrskenet på Island, den australiensiska vildmarken, jaguarer i Brasilien och gorillor i Uganda. Men på den allra första resan som först fick resefotografen att fånga världen, var Brown en 17-åring som klagade varje chans han fick.

Nu en 12-årig fotoveteran, Brown har tagit itu med alla möjliga projekt, från ledande tvååriga studenter expeditioner för National Geographic för att spela in annonskampanjer med stora varumärken som Google, Samsung och Microsoft. En Sony Artisan, Brown reser mellan fem till sju månader om året. Efter att ha börjat som ensam nomad direkt från college, inkluderar hans resor nu ibland hans fru och sjuåriga son.

Browns arbete är mindre nischfokuserat än de flesta fotografer. Medan bläddra igenom sin Instagram avslöjar platser över flera kontinenter, hans arbete spänner över landskap, vilda djur och människor. Idag omfattar hans professionella arbete marknadsföring, resor och fotoutbildning.

Efter att ha lett flera destinationsfotograferingsworkshops grundade han

Den givande linsen, en organisation som samarbetar med ideella organisationer runt om i världen i behov av bilder. Genom The Giving Lens Trips får fotografer lära sig på platser utanför allfartsvägarna, medan icke-statliga organisationer får fotografier för att hjälpa till att främja deras sak.

Under en Adobe-värd workshop på Jungfruöarna satte Brown sig nyligen ner med Digital Trends till dela inblick i hans fotografiska resa, hans världsomspännande äventyr och hans ovanliga inställning till stil och redigering. Följande intervju har redigerats för klarhet och längd.

DT: Hur kom du igång?

Brun: Jag kom in på fotografi enbart genom en kärlek till resor. Jag blev bokstavligen biten av resebuggan och insåg att resor och tanken på att vara utanför min komfortzon var något sådant var riktigt spännande för mig. Jag tog en resa till Habitat for Humanity (det var faktiskt inte med dem, men en sådan resa) när jag var 17. Det var väldigt utmanande och vi byggde skolor och lade betong. Jag tror att jag var ganska olycklig under resan — jag klagade mycket. Men i efterhand, även några veckor senare, insåg jag hur mycket det förändrade mig.

När jag gick igenom college tog jag en termin här och där för att resa och när jag tog examen visste jag bara att jag ville vara tillbaka på vägen. Jag började med fotografering enbart för att jag trodde att det skulle bli ett fordon som skulle tillåta mig att börja resa igen.

Jag var singel och jag var nomad vid den tiden så jag hade inga kontakter. Jag hade inga ankare, något som höll mig hemma och så jag började bara resa överallt. Jag köpte enkelbiljett och arbetade med projekt och ett projekt skulle leda till nästa. Jag började i Sydostasien och bodde där borta i ett antal år och skrev lite för Sierra Club och en handfull andra platser och byggde bara upp min portfölj. Det var två år efter det började där jag blev anställd av Nat Geo som hjälpte till med deras expeditionsprogram.

DT: Hur har din process förändrats när du får mer erfarenhet?

Jag tror att ju mer jag har fotograferat, desto mer har jag kunnat ta reda på vad jag gillar att fotografera, hur jag fotograferar och hur jag gillar att bearbeta. [Jag har utvecklat förmågan] att konceptualisera och föreställa en scen hur jag vill spela in den när jag är ute där på fältet och har en aning om hur jag skulle vilja bearbeta det så att det blir en hel del. Jag hittar de intressanta berättelserna i form av det jag fångar.

Ofta försöker jag väcka känslor med mina bilder. Jag känner att det är ungefär så man måste fånga folks uppmärksamhet nuförtiden. Jag upptäcker att ju längre jag fotograferar blir jag bättre på att finjustera de olika elementen som jag gillar att leta efter i en scen, de olika stilarna på hur jag gillar att fotografera som slutartiderna för vatten och olika motiv som jag tycker är mer intressanta, mer spännande eller som fångar bästa möjliga bild med den givna scen.

Tekniken har hjälpt en del i den processen också, både på efterbearbetningssidan och fältarbetet. Saker som att sensorer blir bättre - dessa element har verkligen hjälpt till att göra min process enklare, effektivare och mer effektiv i fält. Tidigare, både upplevelsemässigt och inom teknik, hade jag kanske inte förmågan att skapa så mycket innehåll som jag kunde från ett givet projekt eller en given resa. Efter 12 år har jag finjusterat processen ganska bra. Jag letar verkligen alltid efter sätt att förbättra, men du lär dig på vägen och kommer på vad du vill och hur du vill fotografera.

DT: Vilket råd skulle du ge till en ny fotograf som precis har börjat?

Om du precis har börjat skulle jag ge dig två råd. Det första jag skulle ge är var inte rädd för att misslyckas. Jag tror att alltför många människor inte försöker och inte kliver in i fållan, inte provar nya saker eftersom de är oroliga för att antingen inte vara bra på det eller inte kunna lyckas. I alla branscher, i allmänhet, de människor som är mest framgångsrika oavsett om du pratar om känslomässigt eller ekonomiskt bygger deras framgång i allmänhet på en rad misslyckade idéer och de har lärt sig av dem misstag. Men de var villiga att försöka pressa sig själva.

Nästa råd jag skulle ge är att försöka lära av de dåliga bilderna du tar. Det är ett svårt koncept för vissa människor att förstå eftersom vi alltid vill visa upp den vackra sidan av saker och ting. Om du tittar på våra Instagrams är de kurerade blickar på våra liv, men i verkligheten, när jag först började lära mig mycket mer av de 99 bilderna jag tog som var skitbra än den ena bilden som blev bra eftersom jag hade tur, för vid den tiden visste jag inte vad jag var gör.

Jag skulle gå tillbaka och studera de som jag inte gillade och jag skulle försöka ta reda på varför. Var något uppenbart som att vara ur fokus eller att ha en dålig komposition? Var det ämnesplacering? Var det färgtonalitet? Fick jag exponeringen rätt eller fel? Inom det spektrumet, vem gillar jag inte det? Genom att göra det och verkligen dyka in i de misstag som jag trodde att jag gjorde, hjälpte det mig att finjustera min vision eller den röda tråden om vad jag gillar att fotografera, hur jag gillar att fotografera och hur jag gillar att fotografera bearbeta. Jag kunde lära mig av dessa misstag snarare än att bara fokusera på vinnarna eller troféerna som jag hade tur med eftersom jag fortfarande klurade på det då. Kasta inte bilder eller ta bort bilder som du inte tycker är bra. Försök istället att tänka på sätt att maximera potentialen ur dem. Lär dig av dina misstag och försök att inte göra dem nästa gång.

DT: De flesta fotografer har en specifik stil, det är allt. Men man närmar sig det på olika sätt, bild för bild.

Absolut. Samtidigt, om du gillar de flesta fotografer, de flesta som gör detta professionellt, så är de specialiserade. Så och så kommer att bli en landskapsfotograf som fixerar sig vid berg och någon annan som bara gör studioporträtt och kanske inom det fotograferar de bara kvinnor. Jag tycker personligen att konsekvens inom det kreativa spektrumet känns lite begränsande. Jag har alltid velat fotografera en mängd olika saker, och inom det utrymmet vill jag ha var och en av dem olika ämnen att stå ensamma, att stå isär och berätta sin egen bit så att de bilderna känns unik.

Jag tror att om du ser tillbaka på omfattningen av min portfölj, så känner jag att det kan finnas någon sorts röd tråd som är något sammankopplad genom dem, men det är inte alls lika uppenbart i ditt ansikte. Vissa fotografer, var och en av deras bilder har samma stilisering. För mig är det som att fotografen trycker in sin stil på den naturliga världen eller vad de nu upplever.

Jag försöker avstå lite från det, för att åtminstone balansera känslan eller idén om verkligheten och det jag minns att jag kände mig där...Jag vill inte skapa falska bilder, men jag vill låta människor får åtminstone en chans, en möjlighet, en glimt av hur det kändes att stirra på en Silverback-gorilla eller att se ett vattenfall på Island eller att bevittna en vacker solnedgång i US Virgin öar. Om jag kan kapsla in det, då skulle jag hellre avstå från tanken att jag behöver prägla min enda stil bara för att det kan vara givande ur affärssynpunkt eller från algoritmerna på sociala medier.

DT: Kan du berätta om din efterredigeringsprocess?

Det är lite olika för varje bild. Jag gillar att titta på varje bild och tänka, okej, vad är det för historia jag försökte berätta? Vad är det som fängslade mig till att börja med? Varför tog jag det här fotot? Jag känner att det dikterar hur jag bearbetar och vad jag gillar att använda.

Det finns förmodligen några saker som liknar eller som jag letar efter när jag börjar bearbeta mina bilder, som att pyssla runt med skuggor och justera lite dynamiskt omfång. Men för det mesta försöker jag hålla ett öga på pulsen eller den där föreställningen om vad jag försökte fånga ute på fältet och vad jag kände där ute när jag fångade det, och hur man bäst kapslar in att[jag] använder efterbehandling och de verktygen för att hjälpa till att accentuera de initiala känslorna, det ursprungliga syftet så att tala.

Om du tittar igenom min portfolio, om du läser igenom min Instagram, finns det förmodligen några gemensamma drag i vad gäller färgscheman och saker som jag gillar att fotografera, men bearbetningen för var och en av dem är det annorlunda. Vissa kommer att bli ganska mörka, andra kommer att bli ljusare och ljusare. Det unika med de scenerna jag kände kallade för de bitar som jag kände skapade de mest engagerande elementen för det fotografiet.

DT: Du använder Adobe Lightroom för redigering. Vilka är de bästa verktygen, särskilt för nya användare?

Det finns ett par av dem. Jag tror att HSL-panelen i allmänhet, nyans-, mättnads- och luminanspanelen, förmodligen är en som de flesta människor inte helt förstår varför de inte använder den.

Om du tänker på de flesta fotografer som håller på att växa fram eller precis börjat, är de två vanligaste överdrivna sakerna skärpa och mättnad. Vanligtvis med mättnad, tar de mättnads- eller vibransreglaget och flyttar det åt höger tills de tycker att det dyker upp eller ser vackert ut. Problemet med det är att du generellt ökar mättnaden över vecket eller åtminstone majoriteten av tonerna i hela bilden, och du vill inte nödvändigtvis ha det.

Jag använder personligen HSL-reglaget för att jag kan säga hej, greenerna borde poppa lite mer eftersom de är en viktig del av scenen eller den här personen eller detta landskap. Eller kanske bluesen, jag kanske vill dämpa dem lite. Jag tycker personligen att färgtonalitet såväl som en allmän exponering, bildens ljusstyrka eller vissa delar av din bild kan diktera atmosfären eller hur bilden porträtteras. Om du tänker på ett porträtt är supermörkt och full av kontrast en helt annan känsla än om du inte har någon kontrast. Om du fotograferar ett vattenfall och du tycker att det är för mörkt eller för ljust, ger det olika känslor.

Färgtonaliteten hos de blå tonerna kommer att få dig att känna dig kall, orangeare toner får dig att känna dig varmare, så HSL-reglaget ger mig mer ändlig kontroll. Jag kan säga att dessa färgtoner vill jag antingen justera nyansen eller tonaliteten i den, jag vill öka mättnaden vilket är mer av punch, eller så vill jag öka ljusstyrkan eller luminansen för de specifika nyanserna för att antingen framhäva dem eller förminska dem inom det givna scen. Jag tror att när du börjar experimentera med dessa saker, öppnar det upp en helt ny dörr för att titta på dina bilder och ta saker till nästa nivå, att börja gör mer subjektiva val om din bearbetningsstil och hur du kan accentuera motivet eller punkten till varför du tog det fotografiet till att börja med.

DT: Vilka är några av de galnaste sakerna som har hänt dig när du reste?

Våra sociala medier skapar det kurerade utseendet. Du vet inte de gånger jag har varit där ute där jag har fått Giardia fyra gånger eller jag har haft malaria två gånger. Jag har glidit av vattenfall och knappt missat avsatser som skulle ha skadat mig drastiskt. Sådana saker hände oftare än de gör nu när jag har en son.

Nu är de mest effektfulla eller galna upplevelserna personligen som berör mig mest i allmänhet omringade av vilda djur. Det är något unikt med den kopplingen som jag får med ett djur oavsett om jag är i Nambia och fotograferar geparder, i Uganda och fotograferar silverback-gorillor eller i Brasilien och fotograferar jaguarer. Att ha de ögonblicken där djuret kommer för nära för tröst eller det finns den typen av intima ögonblick där jag kan fånga något, det ger dig en liten magkontroll. Jag kanske borde ha gjort det lite smartare eller så borde jag kanske inte vara så nära. Det ger mig en känsla av perspektiv, plats och min roll i denna gigantiska värld som vi lever i. De är ofta de mest omvälvande och för mig är några av mina bästa bilder personligen som jag ser tillbaka på och kommer ihåg utmaningarna med vad som krävdes för att komma till dessa platser. Bara ögonblicken att vara i deras närvaro är ganska ödmjukande.

DT: Har du något mer som du vill tillägga?

En av de saker som jag ångrar från de första dagarna, när jag först började, var att inte dra fördel av att få kontakt med samhället. Vi hade inte mycket av det. Jag tror att det i denna tid är en bra tid att vara fotograf, inte bara på grund av verktygen och tekniken som finns tillgänglig utan på grund av samhället. Fotografi brukade vara denna isolerade konstform som du vanligtvis gjorde, men i allmänhet var det ingen av dina andra vänner eller kollegor som gjorde det. Nu har du dessa enorma gemenskaper och Instagram-träffar och fotovandringar. Dra nytta av det, lär av dina kamrater. Försök att inte se alla som konkurrenskraftiga och njut verkligen av det faktum att vi har turen att kunna göra detta nu. Att dela med andra människor med saker som sociala medier är bara fantastiskt.