De bästa ljudspåren för videospel genom tiderna

Visuella bilder i videospel har förbättrats drastiskt under de senaste decennierna, med karaktärer och miljöer som kommer allt närmare realism, och det kan göra grafiken i äldre Nintendo eller PlayStation 1-spel ser rent ut sagt ruttna ut. Originalljudspår för videospel (OST) är inte ofta pratade om aspekter av spel, men kan leva vidare långt efter att deras spel blivit ospelbara.

Medan spelljudspår har utvecklats till att ofta använda orkestrar och körer för att lägga till en mer dramatisk atmosfär,

liknande filmer med stor budget, det finns absoluta klassiker från 80- och 90-talen som är lika underhållande och catchy idag trots att de genereras med begränsade bitar och syntetiserat ljud.

Att sätta spel till musik är dock inte en förlorad konst på något sätt: Det finns massor av nyare soundtrack som redan är redo att bli framtida klassiker. Här är de bästa ljudspåren för videospel genom tiderna – eller åtminstone våra personliga favoriter.

Super Mario bröderna. (1985)

När du hör frasen "videospelsmusik" finns det en ganska god chans att öppningslåten stämmer överens med originalet Super Mario bröderna. kommer bara börja spela i ditt huvud. Nyckfull, studsig och i ett perfekt tempo för att hålla dig framåt, musiken matchar perfekt ljudeffekterna som görs när Mario hoppar i luften, bryter block och tänjer ner rör. När du beger dig under jorden sjunker volymen och musiken växlar till ett minimalistiskt beat som signalerar faran framför dig. Gå framåt i tiden med musikens "do do do do do do" och du kan helt enkelt ta dig ut från andra sidan levande.

Även när du misslyckas kan du inte låta bli att le, med de få tonerna som präglar ditt nederlag. När du oundvikligen får slut på liv och måste börja om från första början, hånar spelet dig ännu mer med en platt omformning av temalåtens inledande toner. Innan du har en chans att slå dig själv för mycket, men det är tillbaka till World 1-1 och den mest minnesvärda låten i videospelshistorien.

Mega Man 2 (1988)

Mega Man-spelen är notoriskt svåra, men utan att plocka upp en handkontroll eller ens se bilder online kan du säga att Mega Man 2 kommer att vara obeveklig bara från sitt soundtrack. Varje stegs låt är en halsbrytande, ångestframkallande sprint som du kommer att kämpa för att hänga med, och till och med spelets långsammare låtar, som du kommer att höra i Air Mans tema, är fortfarande snabbare än majoriteten av musiken på NES.

Det är inte förrän du äntligen besegrar Dr. Wily och ser sluttexterna som du äntligen får en chans att andas, när musiken växlar till en mjuk, melodisk låt som en belöning för alla dina ansträngningar. Senare spel i serien, typ Mega Man X, kunde säkert bygga på grunden för Mega Man 2 och leverera något lite mer komplext, men det är något charmigt med ljudspårets enkelhet.

Super Castlevania IV (1991)

De Super Nintendo kunde producera ljud som var mycket överlägset vad vi hörde på det ursprungliga Nintendo Entertainment System, eller till och med Sega Genesis, och Super Castlevania IV kan bara vara det bästa exemplet på vad konsolen kan göra. Genom att kombinera de skrällande organen förknippade med gotisk skräck med det rytmiska chiptune-beat som Castlevania-fans hade förväntat sig, överglänste ljudspåret ofta spelets visuella bilder, som är fortfarande vacker mer än 25 år efter spelets första release.

Även om du älskade en viss låt från den ursprungliga Castlevania NES-trilogin, finns det en god chans att den är i Super Castlevania IV, också. Senare stadier använder omarbetade versioner av dessa låtar, inklusive det första spelets Vampyrmördare, vilket ger dig en hälsosam dos av nostalgi när du tränger dig in i Draculas lya. Vår favoritlåt måste vara Simons tema, men eftersom dess slagkraftiga melodi och blixtrande takt gör den till den perfekta bakgrundsmusiken när du skär ner några kusliga varelser i storlek.

Chrono Trigger (1995)

Square Enix mästerverk, Chrono Trigger, har bestått tidens tand, med vissa betraktar det som det bästa rollspelet någonsin tänkt på grund av dess komplexa berättelse, finjusterad stridsmekanik och Akira Toriyamas karaktärsdesign och Yasunori Mitsudas vackra Göra. Den inledande titelskärmen börjar med en mjuk, olycksbådande låt som antyder mer bombastisk musik senare, men under loppet av Cronos äventyr hör vi en mängd olika musik. Grodans tema, till exempel, är lika stoisk som riddaren, men med en tragisk underton som antyder de kamper han har mött sedan sin förvandling.

Vår favoritmusik måste involvera Magus, utan tvekan spelets bästa karaktär. Först tros han vara en antagonist som inte vill något hellre än att sätta världen i fara, det är han så småningom avslöjas att vara en mer nyanserad karaktär som bildar en orolig allians med resten av grupp. Hans tema speglar detta, det verkar alltid som om det kommer att nå en kokpunkt utan att någonsin komma dit.

Star Fox 64 (1997)

Den underskattade store Hajime Wakais kollektiva idébarn (Pikmin, Wind Waker, F-Zero X) och den legendariska Koji Kondo, den Star Fox 64 OST är ett bombastiskt och dramatiskt rymdoperapartitur som lägger till dramatik till vad som kunde ha varit ett fånigt arkadspel med talande djur i huvudrollen. Med tanke på att varje genomspelning bara varar en timme, gör den medryckande musiken det roligare att spela om och om igen.

Varje spår fångar perfekt stämningen på uppdraget och planeten. Klassikern Område 6 poäng framkallar desperationen hos fyra piloter på ett självmordsuppdrag genom en flottas oavbrutna störtflod. Star Wolf var den perfekta bakgrunden för spända luftkamper mot dina tecknade onda rivaler. Långsammare spår som Meteo Warp och Aquas fångade den dödliga skönheten i en galax lika farlig som Andross styrkor.

Vad höll i Star Fox 64 Soundtracket tillbaka var dess MIDI-verktyg, som inte riktigt kunde leva upp till det orkestrerade ljud Wakai och Kondo försökte uppnå. Men hoppa vidare till Star Fox Assault — som krafsade mycket av samma musik — och Super Smash Bros. spelens omorkestrationer för Star Fox nivåer, och du kommer att upptäcka att musiken når sin fulla Hollywood-liknande potential.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time (1998)

The Legend of Zelda: Ocarina of Time anses ofta vara ett av de bästa videospelen som någonsin gjorts, och även om det berömmet till stor del härrör från dess fantastiska värld design och tidsresande berättelse skulle det vara rent brottsligt att diskontera kompositören Koji Kondos bidrag till titelns Framgång. Från det ögonblick som Link vaknar som barn och börjar gå runt Kokiri-skogen, sätter den lätta, lugnande musiken stämningen — det är lugnande nästan att dölja det faktum att det närliggande området Hyrule snart kommer att kasta sig in i mörker.

Spelet ger dig en ocarina och ger dig liv till några av seriens mest ikoniska teman: Zeldas, Eponas och Sarias. teman håller inte bara tidens tand utan spelar också viktiga roller när du går genom fängelsehålor eller navigerar i Lost Woods. Ganondorfs tema, å andra sidan, skildrade skurkens hotfulla fara så bra att det återkom i flera uppföljare.

Naturligtvis är det få saker som är mer spännande än att ladda över Hyrule Field på Epona när musiken crescendo till en högljudd, bultande refräng som ger dig det självförtroende du behöver för att besegra Ganondorf. Förutom att infiltrera förstås Gerudos dal, med sitt ofta remixade partitur som framkallar upprymdhet och fara långt hemifrån.

Tony Hawks Pro Skater (1999)

Punkrock och skateboardåkning växte upp tillsammans, och Tony Hawks Pro Skater reflekterar det och sätter en optimistisk ton med pop-, punk- och ska-öronmaskar som hittade en ny publik och en popularitet som sträckte sig utanför spelet. Med låtar från hyllade band som Suicide Machines, Dead Kennedys och Vandals hade spelet den perfekta soundtrack att lyssna på i timmar när du försökte bemästra din "McTwist" eller replikera 900 du såg Mr. Hawk komplett på tv. En låt har kommit för att representera THPS franchisens kulturella fotavtryck mer än någon annan: Goldfingers horninfunderade ska-bana Stålmanär så obevekligt optimistisk och catchy att det är praktiskt taget omöjligt att bli upprörd när du lyssnar på den. De andra spelen i franchisen har alla starka ljudspår, men utan Stålman, de verkar alla sakna något.

Halo 2 (2004)

Originalet Halo introducerade oss för seriens signatur, körtunga temasång, och det tredje spelet avslutades med ett känslosamt pianonummer som erbjöd vad vi trodde var en definitiv avslutning på Master Chiefs historia. Men ingendera kan jämföras med elgitarrförstöringen av Halo 2. Tidigt i spelet blir vi återbekanta med Covenants dödliga Hunter-fiender, som vanligtvis sätter skräck i våra hjärtan i samma sekund som de kommer in på scenen. Men med Steve Vais solo bultande i våra öron hade vi självförtroendet att ladda in med våra vapen flammande. När vi byter perspektiv och tar kontroll över Arbiter får musiken en skräckton, en späckad av surmulna, tragiska ögonblick som påminner oss om det omöjliga uppdrag han måste slutföra.

Naturligtvis kommer spelare som tillbringade timmar i Halo 2-matchning komma ihåg spelet lika mycket för dess hjärtskärande menymusik som Tungt pris betalat och Oförglömd. Påstås kallad "unforgotten" eftersom kompositören Marty O'Donnell glömde att han hade gjort den tills Halo 2 var nästan ute, det framkallar verkligen tragedin och minnet av alla människor och lurade Covenant som dör i en meningslös krig. Temat återkom föga överraskande Halo 3 och Halo 4.

Till och med spelets kontroversiella, cliffhanger-slut gjordes mer uthärdligt av soundtracket. När Master Chief uttalar sin berömda "Sir, finishing this fight"-rad, blir Marty O'Donnells poängcrescendos och skärmen svart. Fans skulle behöva vänta i tre år för att upptäcka hur kriget mellan människorna och Covenant tog slut, med poängen som ringde i deras öron.

Uncharted: Drake's Fortune (2007)

Uncharted-serien kan beskrivas som en direkt ättling till de ursprungliga Tomb Raider-spelen. Spelets musik är dock ett av få element som hjälpte Nathan Drake att klättra ur Lara Crofts skugga. Hans temalåt kan bara beskrivas som "episkt". Att höra det tar oss till en av seriens många vackra, skattfyllda vyer. Drake's Fortune vet också när man ska återställa saker och ting till uppbyggd dramatisk spänning, särskilt mellan skjutstriderna. "Jag har en dålig känsla av det här" börjar inte ens beskriva dessa skrämmande, annars tysta avsnitt, där bara ett falskt drag kan få Nathan att störta ner i en hög med skelett eller en grupp med vapen legosoldater.

Minecraft: Volumes Alpha & Beta (2011–2013)

Det är inte ett alltför djärvt påstående att göra det Minecraft skulle förmodligen inte ha sålt 200 miljoner exemplar och blivit den näst bästsäljande spel genom tiderna, om inte den tyska kompositören C418 gav spelare ett lugnande men ändå främmande soundtrack för att fylla tomheten när de utforskade dess nästan övergivna, oändliga miljö.

Fridfulla pianosolon skapar en något melankolisk atmosfär när du navigerar i en värld full av rädda djur och våldsamma monster. Sedan ger upbeat electronica dig en explosion av energi, och lyssnar mer till stämningen hos spelare som bygger blockiga byggnader och kommer upp i spelets kapningar med Minecraft mods.

Mest Minecraft OST-fans dras mot det första albumets enkla klassiker som Moog City, Sverige, och Subwoofer Lullaby. Sov inte vidare Volym Beta, dock, eftersom det rör sig bortom bitar som helt enkelt är "fredliga" eller "tråkiga" och skapar spår som Taswell och Kyoto som känns som distinkta föreställningar, var och en frammanar sin egen konstiga nya värld.

Journey (2012)

Kompositören Austin Wintory ägnade tre år åt att skapa soundtracket till Resa, och denna dedikation gav resultat i ett otroligt soundtrack som var det första och enda som nominerades till en Grammy Award. Wintory gjorde cellisten Tina Guo till mitten av soundtracket och sa i en intervju att spelet är "som en stor cellokonsert där du är solist och alla övriga instrument representerar världen omkring dig." Så småningom, när du klättrar upp på berget, kommer cellon ur orkestern för att representera fullbordandet av din resa. Dessutom ändras ljudspåret för att lägga till nya instrument när du träffar andra spelare.

Lägg till hans arbete på Assassin's Creed Syndicate, Abzû och Banner Saga-trilogin gör Wintory ett starkt argument för att vara den bästa spelkompositören under det senaste decenniet.

Rayman Legends (2013)

Bortsett från rytmspel som t.ex Dumpare och Guitar Hero Live, det är sällan man ser en utvecklare arbeta in sin musik direkt i spelets mekanik, men det är precis vad Ubisoft Montpellier gjorde i Rayman Legends. Efter flera traditionella plattformssteg – var och en komplett med sina egna lättsamma låtar – avslutas varje värld med en blixtsnabb plattformssekvens som är inställd på en populär rock- eller poplåt.

Klassiker som t.ex Svarta Betty och Tigerns öga återskapas med Raymans udda humor (den senare spelas helt på kazoo) när den lemlösa hjälten sprintar mot mållinjen, och hans hopp är i perfekt takt med låtarna. Symbolkraschar, till exempel, ringer ut när Rayman är på väg att träffas av en kanonsprängning, och detta allt händer inom spelvärlden, med fiender som ansluter sig till en konsert när de försöker döda vår hjälte. Missa inte timingen: Du kommer att förstöra låten!

BioShock Infinite (2013)

Om Rayman Legends lyckades knyta sitt soundtrack till sitt spelande på ett sätt som inget annat spel hade tidigare, Bioshock oändliguppnådde en liknande blandning av musik och berättelse. Från det ögonblick som Booker DeWitt kliver in i den flytande staden Columbia, möts han av musik som inte finns ännu. The Beach Boys Bara Gud vet, sjungs av en barbershop-kvartett, även om låten inte skulle skrivas på cirka 50 år. När rum-tidskontinuumet sönderfaller ytterligare runt Booker, hör han låtar från band som Creedence Clearwater Revival och till och med new-wave-legenderna Tears for Fears.

Det kanske mest minnesvärda ögonblicket i hela spelet kan faktiskt hoppas över om spelarna inte är tillräckligt nyfikna. Efter att ha gått in i en källare kan Booker ta upp en gitarr och uppträda Kommer cirkeln vara obruten? som en duett med sin följeslagare Elizabeth. Du känner deras känslor genom högtalarna, och låten fick oss att tänka på hur dess texter relaterade till universum, eller multiversum, i veckor efteråt.

Ljusets barn (2014)

Den kanadensiska singer-songwritern Cœur de pirate skapade ett rörande soundtrack som stämmer väl överens med stämningen i spelet, tung med melankolisk fiol och eftertänksamma pianosolon innan man höjer tempot till slagverkstung kamp ballader. Mestadels utspelad i en portalfantasivärld och med en ung flicka som desperat vill återvända hem för att rädda sin döende far och omintetgöra henne ond styvmor, denna mörka twist på en Askungens historia med våld och ingen Prince Charming lyser delvis tack vare dess vackra musik. Även när Aurora får krafter och vänner, påminner kombinationen av sorg och nycker oss om att den här resan inte är lika trevlig för henne som den är för oss.

Transistor (2014)

De flesta spelare skulle välja Darren Korbs utmärkta Bastion ljudspår för den här listan, men för våra pengar, Transistor representerar Korbs överlägset bästa verk. Du spelar som Red, en sångare vars röst har förseglats inuti ett mystiskt svärd och som måste kämpa för att besegra robotintelligensen som absorberar stadens invånare i sig. Redan kan inte tala, och kan nynna på musiken på varje nivå, och du kommer också att höra flera tidigare framträdanden av henne under spelets gång.

Korb beskrivs genren för soundtracket som "gammaldags elektronisk post-rock", vilket egentligen bara översätts till en intensiv cyberpunk-vibe som matchar det actiontunga spelet och den ödsliga, futuristiska världen. Lägg till sångerskan Ashley Lynn Barretts fantastiska röst, som används med stor effekt i låtar som Vi blir alla och Ryggraden, och du får ett soundtrack som är värt att lyssna på om och om igen.

Ori och den blinda skogen (2015)

Den grafiska skönheten i Ori-serien matchas bara av dess verkligt underbara soundtrack, som framfördes av en hela orkestern och kören och har flera soloframträdanden från Aeralie Brighton, Rachel Mellis och Tom Boyd. Sångarnas harmonier låter som om spelets skogsmiljö serrenader Ori när han går vidare i sitt uppdrag, med solo föreställningar som ofta uppstår under mellansekvenser när Ori har tagit ett steg längre i att rena sitt hem från sjukdomen som smittar Det.

Bortsett från dess utmärkta produktionsvärde Ori och den blinda skogen soundtracket lyckas tack vare Gareth Cokers genomtänkta komposition, som skapar en ny, magiskt klingande melodi för varje nytt område du möter och ledmotiv som reflekterar över det återkommande karaktärer du möter.

Nier: Automata (2017)

Öppettiderna för Nier: Automaterackompanjeras av ett melankoliskt och tidvis muntert soundtrack som mestadels finns i bakgrunden när du rör dig i den öppna världen. Sången Strålar av ljus har en minnesvärd och enkel pianolåt som du ofta kommer att nynna på – eftersom det är lite brus när du är i spelets stadsruiner – men finalen några toner av jinglet skiftar mot en mer deprimerande ton som frammanar den känslomässiga tortyr du är på väg att utstå under loppet av spel.

Emi Evans, sångaren för många av spåren, forskade i lingvistik för att skapa en övertygande, falskt språk i spelet, Chaos, sedan harmoniserat med Keiichi Okabes komponerade melodier i den falska språk. Förutom att ha en vacker röst, lade Evans till autenticitet och fördjupning till spelets besynnerliga värld genom att skapa och sjunga ord som lät som om de skulle kunna vara ett riktigt långt framtida språk.

Spelets sista ögonblick är där det fantastiska soundtracket verkligen når sin höjdpunkt. En initialt tyst, dyster låt, Världens vikt, börjar med ett soloframträdande innan det ger vika för en orkestersång, med en hel kör av röster som ansluter sig när du tar dig till spelets rörande avslutning. Även efter att 2B och 9S avslutat sin resa, ville vi fortfarande "ropa det högt."

Persona 5 (2017)

De jazziga Persona-soundtracks är en storfavorit hos videospelsaudiofiler, och Persona 5 OST är full av energisk musik som uppmuntrar dig till det "vakna upp, gå upp, gå ut". Kompositören Shoji Meguro använder ofta elpianot och gitarren i spelets musik, och lägger till en syntetiserad ton som gör att din karaktärs dagliga Tokyo-rutin känns lika spännande som Metaverse.

Höjdpunkterna i soundtracket kommer från sångerskan Lyn Inaizumi, som framför ett dussintal pop-/R&B-låtar som fastnar i din hjärna och får dig att nynna på dem väl efter att du har slagit matchen. De visas som både vokala och instrumentala versioner beroende på tid på dagen, vilket är en snygg touch. Dessutom lägger spelet till och med texter till en del av kampmusiken, ett val som få andra spel någonsin har varit djärva nog att prova.

Celeste (2018)

Celesteär ett utmanande spel, inte bara när det gäller spelet, utan också i ämnet. Soundtracket hänger perfekt med den ton som spelet sätter och drar dubbelt upp som bakgrundsmusik och ljuddesign. Följer dina evenemang perfekt, Celeste's soundtrack känns nästan som en karaktär i spelet, som följer med dig på den långa och ofta ensamma resan uppför Celeste Mountain.

Dessutom, CelesteSoundtracket böjer spelets stämning perfekt till dess vilja, med öppningen Första stegen erbjuder en hoppfull ton i de tidiga ögonblicken av spelet och låtar som Reflexion erbjuder en djupare, mer metodisk ton när din fysiska och psykologiska resa fortsätter till en mörkare plats.

Celeste har också "B-Side" nivåer med ökad svårighetsgrad och snabba remixer på originalnivåteman. Medan alla snubblar och adrenalinpumpar på sitt eget sätt, Reflektion (Center of the Earth Mix) är en otrolig framstående låt, med den disharmoniska sången som reflekterar över den absurt dödliga miljön som din karaktär fortsätter att dyka in i med huvudet först.

Super Smash Bros. Ultimate (2018)

Super Smash Bros. Slutlig hjälpte Nintendo att förvandla Nintendo Switch till den största och mest opraktiska MP3-spelaren genom tiderna. Spelare kan komma åt över 30 timmar med originalspår och remixer från ett stort utbud av videospelsserier från spelets ljudmeny och över dess 100+ scener. Spelet låter dig lyssna till dina favoritserier och skapa anpassade spellistor. Eller välj helt enkelt blanda och återupplev några av historiens bästa videospelsmusik, inklusive kompositioner från flera av våra andra bästa val genom tiderna.

Smash Bros. serien kom med en rolig blandning av gamla klassiker och fräscha orkestrationer som fansen älskade. Som med Star Fox 64, använde Nintendo musikalisk teknik och ljudbibliotek för att remixa MIDI-ljudspår helt. Detta noggranna arbete gav musiken en ny inblick i franchiseföretag som Mario, Zelda, Fire Emblem, Metroid och Kirby. En annan rolig snurr är att de nya DLC-karaktärerna, som Joker in Persona 5, få deras temamusik.

Doom Eternal (2020)

Doom-spelen jämförs ofta med ett heavy metal skivomslag, endast spelbara. Naturligtvis har ett heavy metal-soundtrack alltid funnits i serien, men det var inte förrän omstarten 2016 som vi verkligen kände hur musiken påverkade spelet. Det här soundtracket komponerat av Mick Gordon anpassar sig dynamiskt till hur hårt du rippar och sliter igenom de demoniska horderna för att perfekt punktera varje hagelgevärsprängning och kulspruta sparken. Resultatet är ursäktande over-the-top metal, och även om det skulle kännas nästan klyschigt i alla andra sammanhang, passar det brutaliteten hos Doom Eternalperfekt.

Musiken är så lyhörd att den i princip blir en mekaniker i själva spelet. Som nämnts, ju hårdare du dödar, desto hårdare river gitarrerna och trummor slår, men det visar dig också när vissa förmågor är redo, när nya demoner leker eller när din hälsa är dålig. Tyvärr hade Mick en bråk med utvecklarna efter att detta spel lanserades, så detta kan vara det sista spelet vi får njuta av hans demoniska musikaliska talanger.

Hedersomnämnanden

NES har funnits i hushållen i över 35 år, så vår topp 20-lista täcker inte varje år. Eftersom det finns en sådan mängd fantastiska ljudspår listar vi våra tvåa här. De är värda att lyssna på, även om de inte hamnade bland de 20 bästa.

• Super Mario World (1990) av Koji Kondo
• Jordbunden (1994) av Keiichi Suzuki och Hirokazu Tanaka
• Final Fantasy VI (1994) av Nobuo Uematsu
• Manas hemlighet (1994) av Hiroki Kikuta
• Donkey Kong Country 2: Diddy Kong’s Quest (1995) av David Wise
• Banjo-Kazooie (1998) av Grant Kirkhope
• Chrono Cross (1999) av Yasunori Mitsuda
• Final Fantasy VIII (1999) av Nobuo Uematsu
• Super Mario Sunshine (2002) av Koji Kondo
• The Legend of Zelda: The Wind Waker (2003) av Kenta Nagata, Hajime Wakai, Toru Minegishi och Koji Kondo
• Super Mario Galaxy (2007) av Mahito Yokota och Koji Kondo
• Persona 4 (2008) av Shoji Meguro
• Assassin's Creed 2 (2009) av Jesper Kyd
• Halo 3: ODST (2009) av Martin O’Donnell och Martin Salvatori
• Bastion (2011) av Darren Korb
• Sonic Generations (2011) av Jun Senoue
• Livet är konstigt (2015) av Jonathan Morali
• Undertale (2015) av Toby Fox
• Nyans (2016) av Alkis Livathinos
• Gud av krig (2018) av Bear McCreary

Redaktörens rekommendationer

• De bästa kommande Xbox Series X-spelen: 2023 och framåt
• De bästa kommande Nintendo Switch-spelen: 2023, 2024 och framåt
• Varje Mario Kart-spel rankades från bäst till sämst
• De bästa Final Fantasy-karaktärerna genom tiderna
• De bästa enspelarspelen