Wywiad: Moby o fotografii, dorastaniu, niewinności, zniszczeniu

„Po prostu strzelaj dalej i licz na szczęśliwe wypadki. Pierwszy proces edycji odbywa się tak naprawdę w aparacie”.

Ikona muzyki elektronicznej Moby w swojej muzyce zawsze nadawał indywidualistyczny charakter i przenosi tę filozofię do innych jego słynna fotografia. Nawet po niezliczonych głośnych wystawach i pokazach w galeriach nadal trzyma się rad swojego wuja Józefa Kugielskiego, fotografa m.in. New York Timesa, udostępniony po obdarowaniu go jednym ze swoich starych Aparaty Nikona F kiedy miał zaledwie 10 lat.

„Powiedział: «Jeśli możesz, rób zdjęcia rzeczy, których inni nie widzą»” – wspomina Moby. „Jeśli jesteś pracownikiem punktu poboru opłat, rób zdjęcia z wnętrza punktu poboru opłat; nikt inny tego nie widzi. Jeśli jesteś muzykiem, rób zdjęcia ze sceny, bo nikt inny nie może tego zobaczyć To. Biorąc pod uwagę wszechobecność fotografii, zwłaszcza w epoce cyfrowej, mam wrażenie, że prawie wszystko zostało nakręcone 100 milionów razy”.

Ta cyfrowa wszechobecność wpłynęła na twórcze impulsy Moby’ego. „Biorąc pod uwagę, że połowa ludzi na świecie robi zdjęcia, pojawia się pytanie, co ja mogę zrobić fotografem, który może mieć znaczenie dla mnie i innych ludzi, a mimo to być w jakiś sposób wyjątkowy” – on zauważa. „W miarę upływu czasu przestałem interesować się reportażem i dokumentowaniem tego, co już istnieje. The

Niewinni pokazywać tworzyłem świat, a następnie go dokumentowałem, co stanowiło niemal manipulację semiotyczną relacją, jaką ludzie będą mieli z obrazem”. Niewinni, udany pokaz galerii Moby’ego w 2014 roku, opierał się na założeniu, że „apokalipsa już się wydarzyła. Spektakl jest spojrzeniem na apokalipsę i postapokaliptyczny „kult niewinnych”, który powstał w następstwie apokalipsy”.

Firma Digital Trends zadzwoniła do Moby’ego (prawdziwe nazwisko: Richard Melville Hall) w Los Angeles, aby dowiedzieć się więcej o tym, jak doszedł do swojej pierwszej kariery interesuje się fotografią, jaki jest jego ulubiony sprzęt i do czego dąży, robiąc zdjęcia podczas występów na scenie. Jedno jest pewne: Moby lubi strzelać.

Trendy cyfrowe: Kiedy po raz pierwszy zdałeś sobie sprawę, że fotografia jest dla Ciebie ważna i chcesz się nią zajmować?

Moby: Dorastając, po raz pierwszy zetknąłem się z poważną fotografią artystyczną dzięki mojej mamie. Byliśmy bardzo biedni i kiedy dorastałem, mieliśmy tylko jedną książkę o sztuce – książkę ze zdjęciami Edwarda Steichena z końca XIX i początku XX wieku. Moje dzieciństwo spędziłem wielokrotnie przeglądając tę ​​książkę Edwarda Steichena (on piktorializm) i jestem tym zdumiony.

Tym, co fascynowało mnie w fotografii już od najmłodszych lat, było zrozumienie, w jaki sposób to medium może mieć tak wiele różnych zastosowań. Fotografia jest tak wszechobecna. Można go używać do sprzedaży masła, można go używać do demonstrowania okrucieństw wojennych i można go używać do tworzenia bardzo subtelnego, dopracowanego piękna. Pomyślałem, że to takie interesujące, totemiczne i potężne.

Mój wujek (Joseph Kugielsky) był fotografem New York Timesa, więc dorastałem, przesiadując z nim w jego ciemni. Zabierał mnie na pokazy fotograficzne w ICP (Międzynarodowe Centrum Fotografii), w Nowym Jorku i innych miejscach.

Można powiedzieć, że fotografię masz dosłownie we krwi.

Tak. Kiedy miałem 10 lat, podarował mi mój pierwszy aparat, Nikona F, którego używał przez wiele lat. Z perspektywy czasu mogę stwierdzić, że był to naprawdę ambitny, aspirujący aparat dla 10-latka, który tak naprawdę nigdy nie robił zdjęć. A potem co roku na urodziny lub Boże Narodzenie dostawałem kolejny sprzęt fotograficzny.

Co byś dostał – na przykład nowe soczewki?

Zawsze miałem ten sam obiektyw, ale dostałem miernik punktowy. Kiedy miałem 13 lub 14 lat, wujek pożyczył mi stary sprzęt do ciemni, którego nie używał – powiększalnik Omega D2. Ustawiłem go w piwnicy domu mojej mamy i zacząłem uczyć się mieszać chemikalia oraz przetwarzać filmy, wywoływać i drukować.

Jedyne, czego nie brakuje mi w ciemni, to chemikalia, ponieważ były naprawdę niesamowicie toksyczne. Kiedy spędzałem dużo czasu pracując w ciemni, cały czas czułem się po prostu niedobrze. Zwłaszcza utrwalacz i kąpiele zatrzymujące – czuję, że szczególnie te dwie chemikalia prawdopodobnie odebrały mi lata życia.

Czego teraz używasz, jeśli chodzi o sprzęt?

Cóż, to zależy od tego, co fotografuję. Jeśli fotografuję coś bardziej formalnego lub przemyślanego, korzystam z aparatu Canon EOS 5D Mark II. Mam jednak aparat Canon PowerShot, którego używam do bardziej spontanicznych celów, na przykład robienia zdjęć na scenie lub fotografowania pod wodą. Użyję Canon PowerShot, ponieważ nagrywa w formacie RAW. Mimo że jest to mały aparat, udało mi się nim robić zdjęcia i drukować je w naprawdę dużych rozmiarach – co mnie dziwi, bo zakładałem, że w przypadku małych aparatów będę miał nieodłączne ograniczenia w zakresie tego, co mogę zrobić, pod względem drukowania.

Ponieważ byłem bardzo biedny, gdy dorastałem, musiałem strzelać bardzo, bardzo selektywnie. Film był drogi, chemikalia były drogie, papier wywołujący był drogi – wszystko było drogie. Kiedy zacząłem fotografować cyfrowo, zacząłem robić to samo, co na kliszy – bardzo selektywnie i bardzo oszczędnie. Ale z biegiem czasu, szczególnie podczas kręcenia na scenie, po prostu pozwalam sobie na ciągłe fotografowanie.

Po czym poznajesz, że chcesz oddać strzał podczas występu? Jak wejść w taki stan umysłu?

Jeśli chodzi o wybór Co fotografować – ponieważ światła zmieniają się tak szybko, że nawet z sekundy na sekundę nie możesz przewidzieć, co otrzymasz. Więc po prostu strzelaj dalej i licz na szczęśliwe wypadki.

W moim przypadku pierwszy proces edycji odbywa się tak naprawdę w aparacie. Kiedy po koncercie będę w pokoju hotelowym, zanim wrzucę zdjęcia publiczności do Lightrooma, spojrzę przez kamerę i spróbuję usunąć połowę z nich. Często połowa z nich będzie zbyt ciemna, zbyt rozmyta czy coś.

Czy masz jakieś ulubione szczęśliwe wypadki?

Hmmm… szczerze mówiąc, wszystkie są. (śmiech). Ostatnia seria, którą zrobiłem, Niewinni, był w pewnym sensie znacznie bardziej formalny – co oznacza, że ​​został zaplanowany powoli, z dużą dozą przemyślenia. Ale wszystkie zdjęcia tłumu są w większości spontaniczne. Zdecydowanie są efektem robienia zdjęć przez całe życie. Jeśli oddasz aparat komuś, kto przez dziesięciolecia robił zdjęcia, będzie kadrował rzeczy w nieco bardziej przemyślany sposób. To nie znaczy, że tak jest lepsza, ponieważ czasami przypadkowe, spontaniczne kadrowanie może być świetne. Spędziłem tyle dziesięcioleci patrząc przez wizjer, że trudno mi nie ująć sprawy w bardziej formalne ramy.

Są rzeczy, których nie trzeba kręcić ponownie, zwłaszcza jeśli robi to ktoś, kto stara się być rozważnym, profesjonalnym fotografem. Możesz po prostu zostawić pewne rzeczy w spokoju. Podobnie jak Wieża Eiffla – nie ma w tym nic złego nie zrób więcej zdjęć Wieży Eiffla. To znaczy, to piękny budynek, jest niezwykły, jest ikoniczny, ale jeśli nie możesz wnieść czegoś nowego do fotografii coś, co zostało nakręcone milion razy, prawdopodobnie najlepiej będzie po prostu pójść dalej i znaleźć coś, czego inni nie mają udokumentowane.

Fotografowanie na scenie i w trasie ma wyjątkowy styl.

Nawet nie wiedziałbym, jak to nazwać – to coś w rodzaju hybrydy pomiędzy (pauza)… reportażem autobiograficznym. Jednym z moich ulubionych dzieł jest książka Richarda Billinghama pt Ray się śmieje (opublikowane przez Scalo w 2000 r.). Jego tata miał na imię Ray i jest to niesamowity dokument rodziny wychowanej na osiedlu w północnej Anglii. Na pozór nie można sobie wyobrazić nic mniej dramatycznego i fascynującego niż alkoholik mieszkający na przygnębiającym osiedlu. Ale w rękach fotografa Richarda Billinghama staje się piękny, transcendentny i rozdzierający serce, a także zdolny do przekazania prawd o kondycji ludzkiej. Na tym polega jego geniusz w tym dorobku, w którym potrafi wykorzystać całkowicie przyziemne elementy, uchwycić je i zaprezentować w wyjątkowy i piękny sposób.

I to jest kluczowe. Czy dałoby się to zrobić także z Wieżą Eiffla?

Tak, w chwili obecnej prawdopodobnie istnieje fotograf, który robi zdjęcie Wieży Eiffla i uwiecznia ją w zupełnie nowy i niepowtarzalny sposób.

Czy jest jakiś temat lub przedmiot, który uważasz za wyzwanie, coś, z czym chciałbyś zrobić coś nowego w sposób, w jaki jeszcze tego nie zrobiono?

Szczerze mówiąc, zostało to zrobione w książce Destroyed (2011), będącej dokumentem wyjazdu w trasę. Prawda jest taka, że ​​świat muzyków wyruszających w trasę został udokumentowany miliard razy. Ale zdałem sobie sprawę, że prawie każdy dokument dotyczący muzyka w trasie, jaki kiedykolwiek widziałem, zaczął dla mnie wyglądać tak samo: albo efektowne zdjęcia muzyka na scenie, szorstkie czarno-białe zdjęcia muzyka za kulisami lub muzyków w prywatnym samolocie – i zawsze kierowane poczuciem przepych.

Glamour i uprawnienia.

Tak. Doświadczenie związane z trasą koncertową – niewiele jest w nim naprawdę efektownego. Nawet jeśli znajdujesz się w pozornie efektownym otoczeniu, nadal jest ono ogólnie ładne nie czarujący. Chciałem udokumentować niepokojącą dziwność tras koncertowych, „przyziemność” tras koncertowych w sposób, jakiego nigdy wcześniej nie widziałem. Właśnie na tym polegało wyzwanie – udokumentować trasę koncertową w sposób charakterystyczny i szczery.

Lubię to. Kiedy wyruszasz w trasę – a ja sam byłem tam z zespołami – doba ma 20 lub więcej godzin, które nie są tak efektowne, jak niektórzy uważają. A skoro już o tym mowa, podoba mi się jedno zdjęcie, które zrobiłeś, przedstawiające ludzi czekających na lotnisku.

Mhm. To jeden z powodów, dla których zaprzyjaźniłem się z Jasonem Reitmanem po tym, jak to zrobił W powietrzu (2009), ponieważ uważam, że wykonał świetną robotę, pokazując nie tylko brak blasku wokół podróży lotniczych, ale także tę niepokojącą dziwność. Pod koniec dnia jakiekolwiek podróżowanie i jakiekolwiek tournée… to po prostu dziwne.

Podróżowanie jest pod pewnymi względami dziwną rzeczą, jeśli się od niej odsuniesz. Czy to staje się kiedykolwiek mniej dziwne, im częściej to robisz?

Znajome Móc Z czasem poczujesz się mniej dziwnie, ale czasami miło jest cofnąć się o krok i niemal na nowo zapoznać się z dziwnością tego, co znane. Niewiele jest w życiu człowieka rzeczy, które po zbadaniu nie wydają się dziwne. Wszystko jest.

Nawet sam akt bycia żywym jest dziwny we wszechświecie mającym 15 miliardów lat na planecie mającej 5 miliardów lat. Będąc tymi dziwnymi, wielokomórkowymi stworzeniami – samo w sobie, jest to dziwny. Z definicji jest wiele rzeczy w naszym życiu, które są znane, ale to w żaden sposób nie umniejsza ich dziwności.

Niewinni był ogromnym sukcesem. Czy masz teraz jakieś inne duże projekty fotograficzne parasolowe, nad którymi pracujesz?

Nie. Jest wiele informacji do przetworzenia i udzielenia odpowiedzi, a ja jestem w trakcie zastanawiania się, jaki będzie następny projekt fotograficzny i pokaz fotograficzny.

Jedną z niesamowitych rzeczy w fotografii – i stwierdzam całkowicie oczywiste – jest to, że może być wszystko. Mówię konkretnie o fotografii statycznej; dwuwymiarowa nieruchoma fotografia. Wielu moich znajomych, którzy są fotografami, zajmuje się filmami eksperymentalnymi i robi filmy. Lubię to robić, ale ostatecznie nadal widzę ogromną moc w statycznym, dwuwymiarowym obrazie. Może być abstrakcyjny, może być hiperrealny, może być reportażem, może być całkowicie fantastyczne, wymyślone i wymyślone. Jest coś wyzwalającego i zniechęcającego w myśleniu o kolejnym dziwnym projekcie fotograficznym, który zrobię, ponieważ może to być wszystko.