Intervju: Moby om fotografering, oppvekst, uskyldige, ødelagt

«Du bare fortsett å skyte, og håper på lykkelige ulykker. Den første redigeringsprosessen er faktisk i kameraet.»

Elektronisk musikk-ikon Moby har alltid lagt frem en individualists spinn med musikken sin, og han bærer den filosofien over til hans anerkjente fotografi. Selv etter utallige høyprofilerte utstillinger og gallerishow, holder han seg fortsatt til rådene hans onkel Joseph Kugielsky, fotograf for New York Times, delte etter å ha skjenket ham med en av hans gamle Nikon F-kameraer da han bare var 10 år gammel.

"Han sa: 'Hvis du kan, ta bilder av ting andre mennesker ikke kan se'," husker Moby. «Hvis du er en bomstasjonsarbeider, ta bilder fra innsiden av bomstasjonen; ingen andre kan se det. Hvis du er en musiker, ta bilder fra scenen, for ingen andre kan se at. Gitt den allestedsnærværende fotografi, spesielt i den digitale tidsalderen, føler jeg at nesten alt har blitt skutt 100 millioner ganger.»

Den digitale allestedsnærværet har påvirket Mobys kreative impulser. «Med tanke på at halvparten av menneskene på planeten tar bilder, er det spørsmålet om hva jeg kan gjøre som en fotograf som kan ha betydning for meg og andre mennesker og likevel på en eller annen måte være unik,» han observerer. – Etter hvert som tiden går, har jeg blitt mindre interessert i reportasjer og dokumentering med det som allerede er der. De

Uskyldige forestilling var det jeg som skapte en verden og deretter dokumenterte den, nesten på en måte som manipulerte det semiotiske forholdet folk vil ha til et bilde.» Uskyldige, Mobys vellykkede galleriutstilling i 2014, var basert på ideen om at "apokalypsen allerede har skjedd. Showet er et blikk på apokalypsen og en post-apokalyptisk «kult av uskyldige» som har oppstått i kjølvannet av apokalypsen.»

Digital Trends ringte Moby (ekte navn: Richard Melville Hall) i Los Angeles for å finne ut mer om hvordan han først ble til fotografering, hva favorittutstyret hans er, og hva han går til når han tar bilder mens han opptrer på scenen. En ting er sikkert: Moby liker å skyte.

Digitale trender: Når visste du først at fotografering var viktig for deg og var noe du ønsket å forfølge?

Moby: Da jeg vokste opp, ble jeg først introdusert for seriøs kunstfotografering gjennom moren min. Vi var veldig fattige, og vi hadde bare én kunstbok mens jeg vokste opp – en bok med Edward Steichen-bilder fra slutten av 1800-tallet til begynnelsen av 1900-tallet. Jeg brukte barndommen min gjentatte ganger på å se på denne Edward Steichen-boken (på piktorialisme) og bli overrasket over det.

Det som fascinerte meg med fotografering, selv i en tidlig alder, var å forstå hvordan dette mediet kunne ha så mange forskjellige verktøy. Fotografering er så allestedsnærværende. Det kan brukes til å selge smør, det kan brukes til å demonstrere krigsgrusomheter, og det kan brukes til å skape svært subtil, nyansert skjønnhet. Jeg syntes det var så interessant, totemisk og kraftig.

Onkelen min (Joseph Kugielsky) hadde vært fotograf for New York Times, så jeg vokste opp med ham i mørkerommet hans. Han ville ta meg med til fotoshow på ICP (Internasjonalt senter for fotografi), i New York og andre steder.

Fotografering er bokstavelig talt i blodet ditt, kan du vel si.

Ja. Da jeg var 10 år gammel ga han meg mitt første kamera, et Nikon F som han hadde brukt i årevis. I ettertid var det virkelig et ambisiøst, ambisiøst kamera for en 10-åring som egentlig aldri hadde tatt bilder. Og hvert år til bursdagen min eller til jul, fikk jeg enda et fotoutstyr.

Hva ville du fått – ting som nye linser?

Jeg har alltid hatt det samme objektivet, men jeg fikk en punktmåler. Da jeg var 13 eller 14, lånte onkelen min meg noe gammelt mørkeromsutstyr han ikke brukte – en Omega D2-forstørrer. Jeg satte den opp i kjelleren til morens hus og begynte å lære å blande kjemikalier og behandle film, fremkalle og skrive ut.

Det eneste jeg ikke savner med mørkerommet er kjemikaliene, for de var virkelig utrolig giftige. Når jeg brukte mye tid på å jobbe i mørkerom, ble jeg bare kvalm hele tiden. Spesielt fikseren og stoppbadene - jeg føler at spesielt de to kjemikaliene sannsynligvis har tatt år av livet mitt.

Hva bruker du nå, utstyrsmessig?

Vel, det kommer an på hva jeg fotograferer. Hvis jeg fotograferer noe mer formelt eller mer overveid, bruker jeg Canon EOS 5D Mark II. Men jeg har en Canon PowerShot som jeg bruker til ting som er mer spontane, som om jeg tar bilder på scenen eller om jeg tar undervannsfotografering. Jeg bruker Canon PowerShot fordi den tar RAW. Selv om det er et lite kamera, har jeg faktisk vært i stand til å ta bilder med det og skrive dem ut veldig, veldig store – noe som overrasker meg, fordi jeg antok med små kameraer at jeg ville ha iboende begrensninger i forhold til hva jeg kunne gjøre, trykkmessig.

Fordi jeg var veldig fattig, måtte jeg skyte veldig, veldig selektivt da jeg vokste opp. Film var dyrt, kjemikalier var dyre, fremkallingspapir var dyrt – alt var dyrt. Da jeg begynte å fotografere digitalt, begynte jeg å fotografere på samme måte som jeg gjorde med film – veldig selektivt og veldig sparsomt. Men over tid, spesielt med skyting på scenen, lot jeg meg bare skyte konstant.

Hvordan vet du når du vil ta et skudd når du opptrer? Hvordan kommer du inn i den sinnstilstanden?

Så langt som å velge hva å skyte – fordi lysene skifter så raskt, kan du egentlig ikke forutse, selv fra det ene sekundet til det neste, hva du kommer til å få. Så du bare fortsetter å skyte, og håper på lykkelige ulykker.

For meg er den første redigeringsprosessen faktisk i kameraet. Når jeg er på hotellrommet etter showet, før jeg legger bildene av publikum inn i Lightroom, vil jeg se gjennom kameraet og prøve å slette halvparten av dem. Mange ganger vil halvparten av dem være for mørke, eller for uskarpe, eller noe.

Har du noen spesielle favoritt-lykkeulykker?

Ummm... ærlig talt, det er de alle. (Ler.) Den siste serien jeg gjorde, Uskyldige, var mye mer formell på en måte – noe som betyr at det ble planlagt sakte, med mye omtanke. Men alle publikumsbildene er spontane, for det meste. De er definitivt et produkt for livet med å ta bilder. Hvis du gir et kamera til noen som har brukt flere tiår på å ta bilder, kommer de til å ramme inn ting på en litt mer gjennomtenkt måte. Betyr ikke at det er det bedre, fordi noen ganger kan utilsiktet spontan innramming være flott. Jeg brukte så mange tiår på å se gjennom en søker at det er vanskelig for meg å ikke ramme inn ting litt mer formelt.

Det er visse ting som ikke trenger å bli tatt på nytt, spesielt av noen som har prøvd å være en gjennomtenkt, profesjonell fotograf. Du kan bare la visse ting være i fred. Som Eiffeltårnet - det er OK å ikke ta flere bilder av Eiffeltårnet. Jeg mener, det er en vakker bygning, den er bemerkelsesverdig, den er ikonisk, men med mindre du kan bringe noe nytt til et fotografi av noe som har blitt skutt en million ganger, er det sannsynligvis best å bare gå videre og finne noe andre ikke har dokumentert.

Det er en unik stil for å skyte på scenen og på veien.

Jeg ville ikke engang vite hva jeg skulle kalle det – det er en slags hybrid mellom (pauser) … selvbiografisk reportasje. Et av mine favorittarbeid er Richard Billingham, en bok som heter Ray er en latter (utgitt av Scalo i 2000). Faren hans het Ray, og det er dette fantastiske dokumentet av en familie oppvokst i et boligfelt i Nord-England. På overflaten av det kunne du ikke forestille deg noe mindre dramatisk eller overbevisende enn en alkoholiker som bor i et deprimerende boligfelt. Men i hendene på fotografen Richard Billingham blir den vakker og transcendent og hjerteskjærende, og i stand til å formidle disse sannhetene om den menneskelige tilstanden. Det er hans geni i det arbeidet, som tar det helt verdslige og fanger det og presenterer det på en måte som er unik og vakker.

Og det er nøkkelen. Kan det også gjøres med Eiffeltårnet?

Ja, det er sannsynligvis en fotograf der ute mens vi snakker som tar et bilde av Eiffeltårnet og fanger det på en måte som er helt ny og unik.

Er det et emne eller objekt du ser på som en utfordring, noe du ville gjort noe nytt med på en måte det ikke har blitt gjort?

Ærlig talt ble det gjort i boken Destroyed (2011), dokumentet om å dra på turné. Sannheten er at verden av musikere som drar på turné har blitt dokumentert en milliard ganger. Men jeg innså at nesten alle dokumenter jeg noen gang hadde sett av en musiker på turné begynte å se like ut for meg: enten glamorøse bilder av musiker på scenen, grove svart-hvitt-bilder av en musiker backstage, eller musikere på et privat fly – og alltid informert av en følelse av glamour.

Glamour og rettighet.

Jepp. Opplevelsen av å turnere – det er veldig lite som faktisk er glamorøst med det. Selv om du er i et tilsynelatende glamorøst miljø, er det fortsatt generelt pent ikke glamorøs. Jeg ønsket å dokumentere den foruroligende merkeligheten ved å turnere, "hverdagsligheten" ved å turnere på en måte jeg aldri hadde sett før. Det var utfordringen akkurat der – å dokumentere turné på en måte som føltes særegen og ærlig.

Jeg liker det. Når du går på veien – og jeg har vært der ute med band selv – er det 20 eller flere timer i døgnet som ikke er den glam som noen gjør det til. Apropos det, jeg elsker det ene bildet du tok av menneskene som ventet på flyplassen.

Mm-hmm. Det er en av grunnene til at jeg ble venn med Jason Reitman etter at han ble venn Opp i luften (2009), fordi jeg synes han gjorde en så god jobb med å vise ikke bare mangelen på glamour rundt flyreiser, men den foruroligende merkeligheten. Å gjøre en hvilken som helst form for reise og enhver form for turné, på slutten av dagen... det er bare rart.

Reise er en merkelig ting på noen måter, hvis du går tilbake fra det. Blir det noen gang mindre rart, jo mer du ender opp med å gjøre det?

Det kjente kan føles mindre rart over tid, men så er det noen ganger fint å ta et skritt tilbake og nesten bli kjent med det fremmede ved det kjente. Det er egentlig ikke mye i noens liv som, når de blir undersøkt, ikke viser seg å være rart. Alt er.

Selv bare det å være i live er merkelig, i et univers som er 15 milliarder år gammelt på en planet som er 5 milliarder år gammel. Å være disse rare, flercellede skapningene – i seg selv, det er rar. Per definisjon er det mange ting i livene våre som er kjente, men det reduserer ikke på noen måte deres merkelighet.

Uskyldige var en stor suksess. Har du andre store paraplyfotoprosjekter du jobber med nå?

Nei. Det er mye informasjon å behandle og svare på, og jeg er i ferd med å prøve å finne ut hva det neste fotoprosjektet og fotoshowet blir.

En av de fantastiske tingene med fotografering – og jeg sier helt det åpenbare – er at det kan være det hva som helst. Jeg snakker spesifikt om statisk fotografering; todimensjonal urørlig fotografering. Mange av vennene mine som er fotografer beveger seg inn i eksperimentelle filmer og lager filmer. Jeg liker å gjøre det, men til syvende og sist ser jeg fortsatt så mye kraft i et statisk, todimensjonalt bilde. Det kan være abstrakt, det kan være hyperekte, det kan være reportasje, det kan være det helt fantastisk, oppfunnet og oppdiktet. Det er noe både befriende og skremmende i å prøve å tenke på det neste rare fotoprosjektet jeg gjør, for det kan være hva som helst.