Colby Browns Passet lyder som fotografens ultimate bucket list - nordlyset på Island, den australske utmarken, jaguarer i Brasil og gorillaer i Uganda. Men på den aller første turen som først ga reisefotografen en kløe etter å fange verden, var Brown en 17-åring som klaget hver sjanse han fikk.
Brown, som nå er en 12-årig fotoveteran, har taklet alle slags prosjekter, fra ledende toårsstudenter ekspedisjoner for National Geographic for å skyte annonsekampanjer med store merker som Google, Samsung og Microsoft. En Sony Artisan, Brown reiser mellom fem til syv måneder av året. Etter å ha startet som singel nomad rett ut av college, inkluderer turene hans nå noen ganger hans kone og syv år gamle sønn.
Browns arbeid er mindre nisjefokusert enn de fleste fotografer. Samtidig som bla gjennom Instagramen hans avslører steder på tvers av flere kontinenter, hans arbeid spenner over landskap, dyreliv og mennesker. I dag dekker hans profesjonelle arbeid markedsføring, reise og fotoutdanning.
Etter å ha ledet flere destinasjonsfotograferingsverksteder, grunnla han
Den givende linsen, en organisasjon som samarbeider med ideelle organisasjoner rundt om i verden med behov for bilder. Gjennom The Giving Lens Trips får fotografer lære på steder utenfor allfarvei, mens ikke-statlige organisasjoner får bilder for å hjelpe deres sak.Under en workshop arrangert av Adobe på Jomfruøyene satte Brown seg nylig ned med Digital Trends til dele innsikt i hans fotografiske reise, hans verdensomspennende eventyr og hans uvanlige stil og redigering. Følgende intervju er redigert for klarhet og lengde.
DT: Hvordan kom du i gang?
Brun: Jeg kom inn i fotografering utelukkende på grunn av kjærligheten til å reise. Jeg ble bokstavelig talt litt av reisefeilen og innså at reise og ideen om å være utenfor komfortsonen min var noe sånt som var veldig spennende for meg. Jeg tok en tur på Habitat for Humanity (det var faktisk ikke med dem, men en sånn tur) da jeg var 17. Det var veldig utfordrende og vi bygde skoler og la betong. Jeg tror jeg var ganske elendig under turen - jeg klaget mye. Men i ettertid, selv noen uker senere, innså jeg hvor mye det forandret meg.
Jeg kjøpte enveisbilletter og jobbet med prosjekter og ett prosjekt ville føre til det neste.
Da jeg gikk gjennom college, tok jeg et semester her og der for å reise, og da jeg ble uteksaminert, visste jeg bare at jeg ville tilbake på veien. Jeg begynte å fotografere utelukkende fordi jeg trodde det skulle være et kjøretøy som ville tillate meg å begynne å reise igjen.
Jeg var singel og jeg var nomadisk på den tiden, så jeg hadde ingen forbindelser. Jeg hadde ingen ankere, noe som holdt meg hjemme, så jeg begynte å reise overalt. Jeg kjøpte enveisbilletter og jobbet med prosjekter og ett prosjekt ville føre til det neste. Jeg startet i Sørøst-Asia og bodde der i en årrekke og skrev litt for Sierra Club og en håndfull andre steder, og bygde nettopp porteføljen min. Det var to år etter at det startet hvor jeg ble ansatt av Nat Geo som hjalp til med ekspedisjonsprogrammene deres.
DT: Hvordan har prosessen din endret seg etter hvert som du får mer erfaring?
Jeg tror at jo mer jeg har fotografert, jo mer har jeg vært i stand til å finne ut hva jeg liker å fotografere, hvordan jeg fotograferer og hvordan jeg liker å behandle. [Jeg har utviklet evnen] til å konseptualisere og se for meg en scene hvordan jeg vil skyte den når jeg er ute der i felten og har en anelse om hvordan jeg kanskje vil behandle det slik at det blir et komplett stykke. Jeg finner de interessante historiene i form av det jeg fanger.
Ofte prøver jeg å fremkalle følelser med bildene mine. Jeg føler at det er sånn du må fange folks oppmerksomhet i disse dager. Jeg opplever at jo lenger jeg fotograferer, blir jeg bedre til å finjustere de forskjellige elementene jeg liker å se etter i en scene, de forskjellige stilene til hvordan jeg liker å ta bilder som lukkerhastigheter for vann, og forskjellige motiv som jeg synes er mer interessante, mer spennende eller som tar best mulig bilde med det gitte scene.
Teknologi har hjulpet ganske mye i den prosessen også, både på etterbehandlingssiden og feltarbeidet. Ting som sensorer blir bedre - disse elementene har absolutt bidratt til å gjøre prosessen min enklere, mer effektiv og mer effektiv i felten. Før, både erfaringsmessig og teknologisk, hadde jeg kanskje ikke evnen til å lage så mye innhold som jeg kunne fra et gitt prosjekt eller en gitt reise. Etter 12 år har jeg finjustert prosessen ganske bra. Jeg leter absolutt alltid etter måter å forbedre meg på, men du lærer underveis og finner ut hva du vil og hvordan du vil skyte.
DT: Hvilket råd vil du gi til nye fotografer som nettopp har startet opp?
Hvis du nettopp har startet, vil jeg gi deg to råd. Den første jeg vil gi er ikke vær redd for å mislykkes. Jeg tror at for mange mennesker ikke prøver og ikke går i folden, ikke prøver nye ting fordi de er bekymret for enten å ikke være flinke til det eller ikke kunne lykkes. I en hvilken som helst bransje, generelt, folkene som er mest suksessrike enten du snakker om følelsesmessig eller økonomisk sett er suksessen deres generelt bygget på en rekke mislykkede ideer, og de har lært av dem feil. Men de var villige til å prøve å presse seg ut der.
Lær av de dårlige bildene du tar.
Det neste rådet jeg vil gi er å prøve å lære av de dårlige bildene du tar. Det er et vanskelig konsept for noen mennesker å forstå fordi vi alltid ønsker å vise frem den vakre siden av ting. Hvis du ser på Instagramene våre, er de kuraterte blikk på livene våre, men i virkeligheten, da jeg først begynte, lærte jeg mye mer av de 99 bildene jeg tok som var dritt enn det ene bildet som ble bra fordi jeg var heldig, fordi jeg på det tidspunktet ikke visste hva jeg var driver med.
Jeg ville gå tilbake og studere de jeg ikke likte, og jeg ville prøve å finne ut hvorfor. Var noe åpenbart som å være ute av fokus eller ha en dårlig komposisjon? Var det fagplassering? Var det fargetonalitet? Fikk jeg eksponeringen riktig eller feil? Innenfor det spekteret, hvem liker jeg ikke det? Ved å gjøre det og virkelig dykke inn i feilene jeg trodde jeg gjorde, hjalp det meg å finjustere min visjon eller den røde tråden om hva jeg liker å skyte, hvordan jeg liker å skyte og hvordan jeg liker prosess. Jeg var i stand til å lære av disse feilene i stedet for bare å fokusere på vinnerne eller trofeene som jeg var heldig med fordi jeg fortsatt fant ut av det på det tidspunktet. Ikke kast bilder eller slett bilder som du ikke synes er bra. Prøv heller å tenke på måter å maksimere potensialet ut av dem. Lær av feilene dine og prøv å ikke gjøre dem neste gang.
DT: De fleste fotografer liker en spesifikk stil, det er alle. Men du nærmer deg det forskjellig, bilde for bilde.
Absolutt. Samtidig, hvis du liker de fleste fotografer, de fleste som gjør dette profesjonelt, spesialiserer de seg. Så-og-så kommer til å være en landskapsfotograf som fikserer seg på fjell og noen andre som bare tar studioportretter og kanskje innenfor det fotograferer de bare kvinner. Jeg personlig synes at konsistens innenfor det kreative spekteret føles litt begrensende. Jeg har alltid ønsket å fotografere en rekke ting, og innenfor det rommet vil jeg ha hver av dem forskjellige emner å stå alene, å stå fra hverandre og fortelle sitt eget stykke slik at disse bildene føles unik.
Jeg tror at hvis du ser tilbake på omfanget av porteføljen min, føler jeg at det kan være en slags rød tråd som henger sammen gjennom dem, men det er ikke på langt nær så tydelig i ansiktet ditt. Enkelte fotografer, alle bildene deres har samme stilisering. For meg er det som at fotografen preger stilen sin inn i den naturlige verden eller hva de enn opplever.
Jeg prøver å avstå litt fra det, for i det minste å balansere følelsen eller ideen om virkelighet og det jeg husker at jeg følte meg som å være der... Jeg vil ikke lage falske bilder, men jeg vil la folk får i det minste en sjanse, en mulighet, et glimt av hvordan det føltes å stirre på en Silverback-gorilla eller å se en foss på Island eller å være vitne til en vakker solnedgang i US Virgin Øyer. Hvis jeg kan innkapsle det, vil jeg heller gi avkall på ideen om at jeg trenger å prege min eneste stil bare fordi det kan være givende fra et forretningsstandpunkt eller fra algoritmene på sosiale medier.
DT: Kan du fortelle oss om etterredigeringsprosessen din?
Det er litt forskjellig for hvert bilde. Jeg liker å se på hvert bilde og tenke, ok, hva er den historien jeg prøvde å fortelle? Hva er det som fanget meg til å begynne med? Hvorfor tok jeg dette bildet? Jeg føler at det dikterer hvordan jeg behandler og hva jeg liker å bruke.
Det er sannsynligvis et par ting som ligner eller som jeg ser etter når jeg begynner å behandle bildene mine, som å tulle rundt med skygger og justere litt dynamisk område. Men for det meste prøver jeg å holde et øye med pulsen eller den oppfatningen av hva jeg prøvde å fange ute i felten og hva jeg følte der ute da jeg fanget det, og hvordan jeg best kan innkapsle at[jeg] bruker etterbehandling og disse verktøyene for å hjelpe med å fremheve de første følelsene, det opprinnelige formålet for å snakke.
Hvis du ser gjennom porteføljen min, hvis du leser gjennom Instagramen min, vil det sannsynligvis være noen fellestrekk i når det gjelder fargevalg og ting jeg liker å fotografere, men behandlingen for hver av dem er det annerledes. Noen kommer til å være ganske mørke, noen kommer til å bli lysere og lysere. Det unike med de scenene jeg følte kalte for de delene som jeg følte skapte de mest engasjerende elementene for det fotografiet.
DT: Du bruker Adobe Lightroom for redigering. Hva er go-to-verktøyene, spesielt for nye brukere?
Det er et par av dem. Jeg tror at HSL-panelet generelt, fargetone-, metnings- og luminanspanelet, sannsynligvis er et som folk flest ikke helt forstår, og det er derfor de ikke bruker det.
Hvis du tenker på de fleste fotografer som dukker opp eller nettopp har startet, er de to mest overdrevne tingene skarphet og metning. Vanligvis med metning tar de glidebryteren for metning eller vibrasjon og flytter den til høyre til de synes den spretter eller ser vakker ut. Problemet med det er at du generelt øker metningen på tvers av bretten eller i det minste flertallet av tonene i hele bildet, og du vil ikke nødvendigvis ha det.
Jeg personlig bruker HSL-glidebryteren fordi jeg kan si hei, greenene bør dukke opp litt mer fordi de er en viktig del av scenen eller denne personen eller dette landskapet. Eller kanskje bluesen, kanskje jeg vil dempe dem litt. Jeg personlig føler at fargetonalitet så vel som en generell eksponering, lysstyrken i bildet eller visse elementer i bildet ditt, kan diktere atmosfæren eller hvordan bildet fremstilles. Hvis du tenker på et portrett, er supermørkt og full av kontrast en helt annen følelse enn om du ikke har noen kontrast. Hvis du fotograferer en foss og du synes den er for mørk eller for lys, gir de forskjellige følelser.
Fargetonaliteten til blåtonene vil få deg til å føle deg kald, oransje toner vil få deg til å føle deg varmere, så HSL-glidebryteren gir meg mer begrenset kontroll. Jeg kan si at disse fargetonene vil jeg enten justere nyansen eller tonaliteten til den, jeg vil øke metningen som er mer av punch, eller jeg vil øke lysstyrken eller luminansen til de spesifikke fargetonene for enten å fremheve dem eller redusere dem innenfor det gitte scene. Jeg tror at når du begynner å eksperimentere med disse tingene, åpner det opp en helt ny dør for å se på bildene dine og ta ting til neste nivå, for å begynne å ta mer subjektive valg om behandlingsstilen din og hvordan du kan fremheve motivet eller poenget med hvorfor du tok bildet til å begynne med.
DT: Hva er noen av de sprøeste tingene som har skjedd deg mens du var på reise?
Våre sosiale medier skaper det kuraterte utseendet. Du vet ikke de gangene jeg har vært der ute hvor jeg har fått Giardia fire ganger eller jeg har hatt malaria to ganger. Jeg har sklidd av fossefall og så vidt savnet avsatser som ville ha skadet meg drastisk. Slike ting pleide å skje oftere enn de gjør nå som jeg har en sønn.
Nå er de mest virkningsfulle eller sprø opplevelsene personlig som berører meg mest, vanligvis pakket rundt dyrelivet. Det er noe unikt med den forbindelsen jeg får med et dyr enten jeg er i Nambia og fotograferer geparder, i Uganda og fotograferer sølvrygggorillaer, eller i Brasil og fotograferer jaguarer. Å ha de øyeblikkene hvor dyret kommer for nær for komfort eller det er den slags intime øyeblikk hvor jeg er i stand til å fange noe, det gir deg en liten magesjekk. Kanskje jeg burde ha gjort det litt smartere, eller kanskje jeg ikke burde vært så nærme. Det gir meg en følelse av perspektiv, plass og min rolle i denne gigantiske verdenen vi lever i. Disse er ofte de mest transformerende, og for meg er noen av mine beste bilder personlig som jeg ser tilbake på og husker utfordringene med hva som måtte til for å komme til disse stedene. Bare øyeblikkene som er i deres nærvær er ganske ydmykende.
DT: Har du noe annet du vil legge til?
En av tingene jeg angrer på fra de første dagene, da jeg først begynte, var å ikke dra nytte av å få kontakt med samfunnet. Vi hadde ikke mye av det. Jeg tror i dag og alder er det en flott tid å være fotograf, ikke bare på grunn av verktøyene og teknologien som er tilgjengelig, men på grunn av fellesskapet. Fotografering pleide å være denne isolerte kunstformen som du vanligvis gjorde, men generelt sett var det ingen av dine andre venner eller kolleger som gjorde det. Nå har du disse enorme fellesskapene og Instagram-treffene og fotovandringene. Dra nytte av det, lær av dine jevnaldrende. Prøv å ikke se på alle som konkurranse og nyt det faktum at vi er heldige som kan gjøre dette nå. Å dele med andre mennesker med ting som sosiale medier er bare fantastisk.
