Cascate che cadono: incontra il fotografo di viaggi Colby Brown

Colby Brown il passaporto si legge come l'ultima lista dei desideri del fotografo: l'aurora boreale in Islanda, l'entroterra australiano, i giaguari in Brasile e i gorilla in Uganda. Ma durante il primo viaggio che ha dato al fotografo di viaggio il desiderio di catturare il mondo, Brown era un diciassettenne che si lamentava di ogni possibilità che ne aveva.

Ora un veterano della fotografia da 12 anni, Brown ha affrontato tutti i tipi di progetti, dal condurre due anni di studio spedizioni per National Geographic per scattare campagne pubblicitarie con marchi importanti come Google, Samsung e Microsoft. Un artigiano Sony, Brown viaggia dai cinque ai sette mesi all'anno. Dopo aver iniziato come nomade single appena uscito dal college, i suoi viaggi ora includono anche la moglie e il figlio di sette anni.

Il lavoro di Brown è meno focalizzato sulla nicchia rispetto alla maggior parte dei fotografi. Mentre scorrendo il suo Instagram rivela luoghi in più continenti, il suo lavoro abbraccia paesaggi, fauna selvatica e persone. Oggi il suo lavoro professionale copre marketing, viaggi e formazione fotografica.

Dopo aver condotto numerosi workshop fotografici su diverse destinazioni, ha fondato La lente del dono, un'organizzazione che collabora con organizzazioni no-profit in tutto il mondo che necessitano di immagini. Attraverso The Giving Lens Trips, i fotografi imparano in luoghi fuori dai sentieri battuti, mentre le organizzazioni non governative ottengono fotografie per aiutare a promuovere la loro causa.

Durante un workshop ospitato da Adobe nelle Isole Vergini, Brown ha recentemente incontrato Digital Trends condividi informazioni sul suo viaggio fotografico, sulle sue avventure in tutto il mondo e sulla sua insolita interpretazione dello stile e la modifica. La seguente intervista è stata modificata per chiarezza e lunghezza.

DT: Come hai iniziato?

Marrone: Mi sono avvicinato alla fotografia esclusivamente grazie alla passione per i viaggi. Sono stato letteralmente morso dalla passione per i viaggi e ho capito che viaggiare e l'idea di essere fuori dalla mia zona di comfort era qualcosa del genere che era davvero eccitante per me. Ho fatto un viaggio tipo Habitat for Humanity (non era proprio con loro, ma un viaggio del genere) quando avevo 17 anni. È stato molto impegnativo e stavamo costruendo scuole e gettando cemento. Penso di essere stato piuttosto infelice durante il viaggio: mi sono lamentato molto. Ma ripensandoci, anche poche settimane dopo, mi sono reso conto di quanto mi avesse cambiato.

Quando ho frequentato il college, mi sono preso un semestre qua e là per viaggiare e quando mi sono laureato sapevo solo che volevo tornare in viaggio. Mi sono avvicinato alla fotografia semplicemente perché pensavo che sarebbe stato un veicolo che mi avrebbe permesso di ricominciare a viaggiare.

Ero single e all’epoca ero nomade, quindi non avevo alcun legame. Non avevo ancore, niente che mi trattenesse a casa e così ho iniziato a viaggiare ovunque. Ho comprato biglietti di sola andata e ho lavorato su progetti e un progetto avrebbe portato a quello successivo. Ho iniziato nel sud-est asiatico e ho vissuto lì per diversi anni scrivendo per Sierra Club e una manciata di altri posti e ho appena costruito il mio portfolio. Sono passati due anni da quando sono stato assunto da Nat Geo per aiutare con i loro programmi di spedizione.

DT: Come è cambiato il tuo processo man mano che acquisisci più esperienza?

Penso che più ho scattato fotografie, più sono stato in grado di scoprire cosa mi piace scattare, come scatto e come mi piace elaborare. [Ho sviluppato la capacità] di concettualizzare e immaginare una scena come voglio girarla quando sono fuori lì sul campo e ho un’idea di come potrei volerlo elaborare in modo che sia un pezzo completo. Sto trovando storie interessanti in termini di ciò che sto catturando.

Spesso cerco di evocare emozioni con le mie immagini. Sento che è così che devi catturare l'attenzione della gente al giorno d'oggi. Trovo che più a lungo giro, più divento bravo a mettere a punto i diversi elementi che mi piace cercare in una scena, i diversi stili di come mi piace scattare come le velocità dell'otturatore per l'acqua e diversi soggetti che trovo più interessanti, più emozionanti o che catturano la migliore immagine possibile con il dato scena.

La tecnologia ha aiutato parecchio anche in questo processo, sia nella fase di post-elaborazione che nel lavoro sul campo. Cose come il miglioramento dei sensori: questi elementi hanno sicuramente contribuito a rendere il mio processo più semplice, più efficace e più efficiente sul campo. Prima, sia dal punto di vista dell'esperienza che della tecnologia, forse non avevo la capacità di creare quanti più contenuti potevo da un determinato progetto o da un determinato viaggio. Dopo 12 anni, ho messo a punto il processo abbastanza bene. Sicuramente sono sempre alla ricerca di modi per migliorare, ma impari lungo il percorso e capisci cosa vuoi e come vuoi girare.

DT: Che consiglio daresti ai nuovi fotografi che hanno appena iniziato?

Se sei appena agli inizi ti darei due consigli. La prima cosa che darei è non aver paura di fallire. Penso che troppe persone non ci provano e non si uniscono, non provano cose nuove perché sono preoccupate di non essere brave o di non riuscire ad avere successo. In qualsiasi settore, in generale, le persone che hanno più successo, sia che si parli di emotivamente o dal punto di vista finanziario, generalmente il loro successo si basa su una serie di idee fallite e da quelle hanno imparato errori. Ma erano disposti a provare a spingersi là fuori.

Il prossimo consiglio che darei è quello di cercare di imparare dalle brutte immagini che scatti. Per alcune persone è un concetto difficile da comprendere perché vogliamo sempre mostrare il lato bello delle cose. Se guardi i nostri Instagram, sono sguardi curati sulle nostre vite, ma in realtà, quando ho iniziato, ho imparato moltissimo di più da le 99 immagini che ho scattato erano una schifezza rispetto all'unica immagine che si è rivelata fantastica perché ho avuto fortuna, perché, in quel momento, non sapevo cosa fossi facendo.

Ritornavo indietro e studiavo quelli che non mi piacevano e cercavo di capire perché. C'era qualcosa di ovvio come essere fuori fuoco o avere una cattiva composizione? Era il posizionamento del soggetto? Era la tonalità del colore? Ho ottenuto l'esposizione giusta o sbagliata? All'interno di quello spettro, chi non mi piace? In questo modo e immergendomi davvero negli errori che pensavo di fare, mi ha aiutato a mettere a punto la mia visione o il filo conduttore di ciò che mi piace fotografare, di come mi piace scattare e di come mi piace farlo processi. Ho potuto imparare da quegli errori piuttosto che concentrarmi solo sui vincitori o sui trofei in cui ho avuto fortuna perché in quel momento stavo ancora cercando di capirlo. Non buttare via immagini o eliminare immagini che non ritieni siano fantastiche. Prova invece a pensare a come massimizzarne il potenziale. Impara dai tuoi errori e cerca di non commetterli la prossima volta.

DT: La maggior parte dei fotografi ha uno stile specifico, tutto qui. Ma l'approccio è diverso, immagine dopo immagine.

Assolutamente. Allo stesso tempo, se preferisci, la maggior parte dei fotografi, la maggior parte delle persone che lo fanno professionalmente, sono specializzate. Quindi così e così sarà un fotografo di paesaggi che si fissa sulle montagne e qualcun altro che fa solo ritratti in studio e forse all'interno di quello stanno solo fotografando donne. Personalmente trovo che la coerenza all’interno dello spettro creativo sia un po’ limitante. Ho sempre desiderato fotografare un'ampia varietà di cose e, all'interno di quello spazio, voglio ognuna di queste soggetti diversi per distinguersi, distinguersi e raccontare la propria parte in modo che quelle immagini si sentano unico.

Penso che se guardi indietro alla portata del mio portafoglio, sento che potrebbe esserci una sorta di filo comune che è in qualche modo collegato attraverso di loro, ma non è così ovvio. Certi fotografi, ciascuna delle loro immagini ha la stessa stilizzazione. Per me è come se il fotografo imprimesse il proprio stile nel mondo naturale o qualunque cosa stia vivendo.

Cerco in qualche modo di astenermi da ciò, per almeno bilanciare la sensazione o l'idea della realtà e ciò che ricordo di aver provato come essere lì... Non voglio creare immagini false, ma voglio lasciare che le persone almeno hanno una possibilità, un'opportunità, un assaggio di come ci si sente a fissare un gorilla Silverback o vedere una cascata in Islanda o assistere a uno splendido tramonto nella Vergine degli Stati Uniti Isole. Se riesco a incapsularlo, allora preferirei rinunciare all’idea di dover imprimere il mio unico stile solo perché potrebbe essere gratificante dal punto di vista del business o degli algoritmi sui social media.

DT: Puoi parlarci del tuo processo di post-editing?

È un po' diverso per ogni immagine. Mi piace guardare ogni immagine e pensare, okay, qual è la storia che stavo cercando di raccontare? Cos’è che mi ha affascinato all’inizio? Perché ho scattato questa fotografia? Sento che questo determina il modo in cui elaboro e cosa mi piace usare.

Probabilmente ci sono alcune cose simili o che cerco quando inizio a elaborare le mie immagini, come dilettarmi con le ombre e regolare un po' la gamma dinamica. Ma per la maggior parte, cerco di tenere d'occhio il polso o l'idea di ciò che stavo cercando di catturare sul campo e di ciò che ho sentito là fuori quando ho lo stava catturando e il modo migliore per incapsularlo[io] uso la post-elaborazione e quegli strumenti per aiutare ad accentuare quelle sensazioni iniziali, lo scopo iniziale in modo da parlare.

Se guardi il mio portfolio, se leggi il mio Instagram, probabilmente troverai alcuni punti in comune in termini di combinazioni di colori e cose che mi piace fotografare, ma l'elaborazione per ciascuno di essi lo è diverso. Alcuni saranno piuttosto scuri, altri saranno più chiari e luminosi. L'unicità di quelle scene che sentivo richiedesse quei pezzi che sentivo creassero gli elementi più coinvolgenti per quella fotografia.

DT: Tu usi AdobeLightroom per la modifica. Quali sono gli strumenti di riferimento, soprattutto per i nuovi utenti?

Ce ne sono un paio. Penso che il pannello HSL in generale, il pannello di tonalità, saturazione e luminanza, sia probabilmente uno di quelli che la maggior parte delle persone non comprende appieno, motivo per cui non lo utilizzano.

Se pensi alla maggior parte dei fotografi emergenti o appena agli inizi, le due cose più comunemente esagerate sono la nitidezza e la saturazione. Generalmente con la saturazione, prendono il cursore della saturazione o della vividezza e lo spostano verso destra finché non pensano che risalti o abbia un bell'aspetto. Il problema è che generalmente aumenti la saturazione lungo tutta la piega o almeno la maggior parte dei toni in tutta l'immagine, e non necessariamente lo vuoi.

Personalmente utilizzo lo slider HSL perché posso dire che, ehi, i verdi dovrebbero risaltare un po' di più perché sono una parte importante della scena o di questa persona o di questo paesaggio. O forse il blues, forse voglio attenuarlo un po'. Personalmente ritengo che la tonalità del colore, nonché l'esposizione generale, la luminosità dell'immagine o alcuni elementi della tua immagine, possano dettare l'atmosfera o il modo in cui l'immagine viene ritratta. Se pensi ad un ritratto super scuro e pieno di contrasto è una sensazione molto diversa rispetto a quando non hai contrasto. Se stai fotografando una cascata e pensi che sia troppo buia o troppo luminosa, queste emanano sensazioni diverse.

La tonalità di colore dei toni blu ti farà sentire freddo, i toni arancioni ti faranno sentire più caldo, quindi il cursore HSL mi dà un controllo più limitato. Posso dire che di queste tonalità di colore voglio regolare la tonalità o la tonalità, voglio aumentare la saturazione che è più importante pugno, o voglio aumentare la luminosità o la luminanza di quelle tonalità specifiche per enfatizzarle o de-enfatizzarle all'interno di quel dato scena. Penso che una volta che inizi a sperimentare con queste cose, si apre una porta completamente nuova per guardare le tue immagini e portare le cose al livello successivo, per iniziare a fai scelte più soggettive sul tuo stile di elaborazione e su come accentuare il soggetto o il motivo per cui hai scattato quella fotografia per cominciare.

DT: Quali sono le cose più folli che ti sono successe mentre eri in viaggio?

I nostri social media creano il look curato. Non sai le volte in cui sono stato là fuori e ho preso la Giardia quattro volte o la malaria due volte. Sono scivolato da cascate e ho mancato di poco sporgenze che mi avrebbero ferito drasticamente. Cose del genere accadevano più frequentemente di adesso che ho un figlio.

Ora, le esperienze più impattanti o folli che personalmente mi toccano di più sono generalmente legate alla fauna selvatica. C'è qualcosa di unico in quella connessione che ottengo con un animale sia che mi trovi in ​​Namibia a fotografare ghepardi, in Uganda a fotografare gorilla silverback o in Brasile a fotografare giaguari. Avere quei momenti in cui l'animale si avvicina troppo per comodità o c'è quel tipo di momento intimo in cui riesco a catturare qualcosa, ti dà un po' di controllo istintivo. Forse avrei dovuto farlo in modo un po’ più intelligente o forse non avrei dovuto essere così vicino. Mi dà un senso di prospettiva, di luogo e del mio ruolo in questo mondo gigantesco in cui viviamo. Queste sono spesso in genere le più trasformative e per me sono alcune delle mie immagini migliori a cui guardo indietro per ricordare le sfide di ciò che è stato necessario per arrivare in quei luoghi. Anche solo i momenti trascorsi in loro presenza sono piuttosto umilianti.

DT: Hai qualcos'altro che vorresti aggiungere?

Una delle cose di cui mi pento fin dai primi giorni, quando ho iniziato, è stato non aver approfittato del collegamento con la comunità. Non ne avevamo molto. Penso che al giorno d'oggi sia un ottimo momento per essere un fotografo non solo per gli strumenti e la tecnologia disponibili, ma anche per la comunità. La fotografia era questa forma d'arte isolata che generalmente facevi ma, generalmente, nessuno dei tuoi altri amici o colleghi lo faceva. Ora hai queste enormi comunità, incontri su Instagram e passeggiate fotografiche. Approfittane, impara dai tuoi colleghi. Cerca di non considerare tutti come concorrenti e goditi davvero il fatto che siamo fortunati a poterlo fare ora. Condividere con altre persone con cose come i social media è semplicemente fantastico.