Combatte il chitarrista Ian Williams in La Di Da Di, suonando dal vivo

"Come artista, il tuo compito è solo quello di rendere la musica bella e folle come vuoi che sia."

L'arte di catturare e manipolare il ciclo infinito è una cosa complicata. Fallo bene e potrai accompagnare l'ascoltatore in un viaggio che non sarà mai lo stesso da un minuto all'altro, nonostante il costante elemento di ripetizione. Se sbagli, sarà un biglietto di sola andata per Yawnsville.

Meno male che abbiamo il trio Battles cresciuto a Brooklyn per mostrarci come dovrebbe essere fatto. Nel loro nuovo album La Di Da Di, in uscita venerdì prossimo tramite Warp Records in vari formati, i Battles piegano e modellano i loro loop a piacimento, spaziando dall'intensità multi-movimento della traccia di apertura Lo Yabba al dramma percussivo di Nonviolenza al gorgogliante ping 'n' shuffle di Megatocco.

Come notato, mentre questi loop creano una parvenza di struttura, il punto in cui una canzone va dopo dipende dalla creatività dei musicisti coinvolti, specialmente quando sono sul palco. “In queste nuove canzoni, non abbiamo necessariamente riconosciuto così tanto il formato della canzone pop”, osserva il chitarrista dei Battles Ian Williams. “Ed è abbastanza aperto da poter interpretare le canzoni come vogliamo sul palco. Potrei scoprire un nuovo plug-in lungo il percorso, e poi farò in modo che questa cosa accada per creare una nuova sezione nella canzone in cui creerò dei nuovi suoni di chitarra pazzeschi. Funziona ancora nel contesto della canzone e non cessa di essere la canzone”.

Digital Trends ha chiamato Williams durante una tappa del tour nella Carolina del Nord per discutere del marchio unico della band magia in loop, lotta tra arte e commercio e come le canzoni di Battles continuano ad evolversi in un live collocamento.

Tendenze digitali: direi il modo in cui lavori con i tuoi loop attivi La Di Da Di dimostra che praticamente sei una scienza.

Ian Williams: Beh, abbiamo sempre fatto loop come band. E quando parli di farlo dal vivo, c’è l’immediatezza del fatto che si tratta di una fotografia istantanea. È già un po’ lontano dal fatto che tu lo “suoni”, e diventa qualcosa che è un po’ di più un-umano. Crea molte possibilità: manipolazione e portare la musica in un posto diverso da quello che potresti se la stessi effettivamente suonando.

È una benedizione e una maledizione. Ha i suoi limiti e i suoi svantaggi. Una è questa cosa monolitica che continua a ripetersi per tutta la canzone. Ma questa è la cosa con cui abbiamo sempre lottato all’interno di questo gruppo: come mantenerlo interessante e come cambiarlo. Possiamo davvero cambiare la tonalità della canzone? Possiamo dare una pausa alle tue orecchie in modo che tu non debba sentire di nuovo la stessa cosa? È una delle cose con cui lavoriamo che ci imbriglia troppo, ma a volte ci permette di andare più lontano di quanto potremmo fare giocando.

Lo vedo come un concetto liberatorio per te. Come si è evoluta nel corso degli anni l’attrezzatura che hai utilizzato per realizzare i tuoi loop?

All'inizio usavo gli Akai Head Rush, quei vecchi pedali degli anni '90. E poi, abbastanza rapidamente, abbiamo tutti i Gibson Echoplex, quelli digitali. Con quelli, potresti sincronizzare i pedali insieme.

Dave [Konopka, chitarrista/bassista] usa ancora il suo; ne ha un paio. Mi sono allontanato da quello e mi sono evoluto in Ableton. Ableton, per me, è stato come quando hai un pedale e pensi: “Oh, posso farlo Questo, quindi se avessi due pedali, potrei fare il doppio.” La rivelazione per me con Ableton è stata che potevo fare 300 volte di più, in termini di creazione di loop e di attività multiple contemporaneamente. E poi ne vado fuori di testa. A questo punto, io sono Digital Dude e Dave è Analog SoundWorld Pedal Dude.

È un bel contrasto, considerando da dove la band ha iniziato.

Le persone passano sempre a cercare di capire cosa sia il suono digitale e cosa sia il suono analogico. Discutiamo sul fatto che forse Dave dovrebbe prendere Ableton, perché tecnologicamente puoi farci più cose. Ma in realtà è una cattiva idea: mantenerci in entrambi i mondi mantiene lo spettro del nostro suono più ampio e a volte otteniamo il meglio da entrambi i mondi. C’è un aspetto più robusto nel materiale analogico, ma c’è questa precisione pazzesca che puoi ottenere dal digitale.

Dato che sei un autodidatta e Dave proviene da un background di design, voi ragazzi spesso combattete la struttura contro "Vediamo solo dove va".

Yeah Yeah. Dave è un po’ minimalista, musicalmente parlando, e io sono un po’ massimalista: “Rendiamolo più intenso!”

So che a volte è un bene per me essere tirato indietro, perché per l'ascoltatore è probabilmente un'esperienza migliore, più mirata e meno stravagante.

Alla fine arriviamo alla via di mezzo di cosa sia una canzone. Per noi non esiste un bandleader. È un comitato in cui noi tre dobbiamo essere d’accordo sul fatto che qualcosa va bene. Ma a volte è difficile metterci tutti d’accordo.

Per me, Sobbollire d'estate sembra essere l'intreccio perfetto delle idee di tutti - e verso la fine hai quella grande conclusione.

Si si si. In quella canzone, ho usato Ableton Push per ottenere l'impostazione ripetuta di sedicesimi, nell'intro. The Push ha reso possibile quella canzone.

Come dovrebbe la gente ascoltare questo album? L'MP3 ci toglie l'esperienza di ottenere tutte le trame dei loop e delle composizioni?

Umm, amico, è così strano di questi tempi. Il mio modo di evitare di rispondere alla tua domanda sarebbe che più a lungo ascolto musica, più sono confuso su come viene diffusa e consumato, e più mi concentro sul fare musica e lasciare che le persone intorno a me decidano se sarà su una playlist di Spotify e cose come Quello.

Quanto più prestiamo attenzione alla sua presentazione “corretta”, tanto più ciò può rovinarlo. Credo che come artista tu abbia la responsabilità di fare la cosa migliore che puoi fare. Ma la distribuzione della musica oggi è così strana: la gente ascolta la musica sui cellulari, e nemmeno con il cellulare cuffie. (ridacchia) Ma so che se dici: "No, non è per quel formato", ti allontaneresti da così tante persone.

Non so se sia una cosa positiva o negativa, ma molto ti spinge ad andare al concerto dal vivo. C'era un Articolo del New York Times qualche settimana fa nella sezione Media sulla nuova economia digitale e su come sia effettivamente positiva per gli artisti. In esso si parlava molto di come le vendite di biglietti per i concerti negli ultimi 20 anni siano aumentate mentre le vendite di dischi siano diminuite. La cosa registrata ora è solo un modo per dire: "Ehi, vieni a vedere lo spettacolo". Forse è così che va adesso.

Questo è letteralmente l’opposto degli anni ’60 e ’70, dove l’album era il massimo. L’album ora è visto come un assaggio di ciò che otterrai quando verrai allo spettacolo. Ma l'esperienza dal vivo è una delle poche aree in cui oggigiorno possiamo riunire le persone sulla stessa lunghezza d'onda riguardo alla stessa cosa.

Siamo di sinistra e sperimentali nella tradizione del fai da te. Cerco di non essere troppo prezioso al riguardo. C'era un monaco buddista negli Stati Uniti negli anni '60 e '70 di nome Chögyam Trungpa, che era alla moda con gli hippy e Allen Ginsberg. Il suo punto era che quando insegnava il Buddismo, non si trattava solo di un testo sacro che doveva essere solo insegnato del tempio, ma che sia accessibile a tutti, come una rivista in vendita nella corsia del supermercato. Era giusto che questa merce fosse disponibile ovunque.

A volte ci penso con la musica. Se lo metti in uno spot televisivo, mi va bene, perché fa sì che più persone ascoltino il tuo lavoro. Non si tratta di essere in un museo. Come artista, il tuo compito è solo quello di rendere la musica bella e folle come vuoi che sia. Dopodiché, come viene diffuso nel mondo, beh, come guadagni con la tua musica? Sei un uomo d'affari intelligente o no? So che è una conversazione completamente diversa rispetto a "Stai facendo musica 'bella'?" Preferisco concentrarmi sul fare musica bella e interessante.

Parliamo di quell'esperienza dal vivo. Con tutti gli elementi che affronti sul palco, come cambierà quella dinamica ora che hai un nuovo disco da suonare?

Come batterista, John ha sempre suonato grancassa, rullante, charleston e crash, ed è quello che fa. E’ l’elemento tracciabile acusticamente della band. Lo vedi colpire il rullante e capisci quel suono.

E poi Dave si china sui pedali, eseguendo una scansione del filtro o ricatturando un loop da un pedale all'altro. E poi con le mie cose, attivo un sintetizzatore e suono una chitarra allo stesso tempo. Di solito suono la chitarra e la tastiera contemporaneamente: la chiave con la mano destra e la chitarra con la mano sinistra. Oppure sto attivando sintetizzatori e campioni con la mia chitarra. Sto realizzando miscele 50/50 in cui il sintetizzatore e la mia chitarra si fondono insieme.

È molto più difficile tracciare ciò che stiamo facendo nella narrazione. Vedi altre esibizioni e dici: "Oh sì, il chitarrista sta suonando e sento una chitarra". Ora con noi è molto più confuso, ma è divertente giocarci. C'è molto da manipolare.

Trovi che le nuove canzoni si evolvano sul palco man mano che le suoni?

Per noi, dipende dal programma del nostro tour e dalla possibilità di avere due settimane libere in cui potremmo essere tutti nella stessa città subito e potremmo provare davvero, perché probabilmente c'è metà del disco che non sappiamo suonare bene Ora. Dobbiamo ancora esercitarci con quelle canzoni, e voglio ancora capire come suonarle dal vivo. Non vedo l'ora di imparare a suonarli. In questo momento, lo stiamo facendo Lo Yabba, e quello sta diventando sempre più stretto. Stiamo anche facendo FF Bada, ed è abbastanza giocabile.

Nella misura in cui siamo una band elettronica, la cosa riguardo al musicista elettronico è: “Mi hai appena visto premere un pulsante”. Questa è la portata del rapporto tra artista e folla lì. La folla dice: “OK, hai premuto un pulsante; e allora?" Quello che non capisci è: “Non hai visto tutto il giorno in cui ho dovuto essere molto intelligente su come ho programmato questa cosa per realizzarla! Sono tutte le cose dietro la pressione del pulsante che non sei riuscito a vedere. Ho capito molto abilmente come fare tutte queste cose e l’ho portato sul palco con me per realizzarle.

Non è come, "Oh mio Dio, ho appena visto Eddie Van Halen suonare questo fantastico assolo di chitarra di 15 minuti". Ora è come: “Sì, è lui il ragazzo chi preme il pulsante – ma ragazzi, è stato geniale, il modo in cui ha dovuto farlo!” È strano il modo in cui si presenta o non si incontra.