Rich Robinson dan The Magpie Salute Terus Mengibarkan Bendera Musik Asli

“Penting untuk menunjukkan dan membangkitkan perasaan yang sebenarnya dan autentik dengan musik Anda.”

Hanya karena Anda tidak lagi tergabung dalam grup yang membuat banyak lagu yang Anda tulis dan bawakan menjadi terkenal, bukan alasan untuk melakukannya bukan terus melakukannya sendiri. Rich Robinson, gitaris pendiri band jam legendaris The Black Crowes, mengakui hal tersebut ini tidak lama setelah dia memulai karir solonya dengan sungguh-sungguh — dan kemudian dia memutuskan untuk mengambil satu langkah lebih jauh.

“Saya memikirkan saat kami melakukan tur dengan The Dead setelah Jerry [Garcia] meninggal. Mereka menyebutnya Furthur, dengan Bob Weir dan semua orang keluar dan memainkan semua lagu Grateful Dead itu,” kenang Robinson kepada Digital Trends. “Lalu saya memikirkan Dead & Company dan bagaimana mereka melakukannya. Lalu saya berpikir tentang kami bermain dengan Jimmy Page, memberikan apa yang kami bisa untuk Led Zeppelin dan orang yang menulis semua lagu itu.”

Langkah logis berikutnya dalam pikiran Robinson adalah membentuk satu band penuh, dan lahirlah pakaian baru yang dengan cerdik ia juluki The Magpie Salute. Robinson meminta beberapa mantan saudara Crowesnya untuk menjaga materi yang dia jalani dan hirup tahun hidup dan berkembang — yaitu, gitaris Marc Ford, kibordis Eddie Harsch, dan bassis Sven Pipien.

“Orang pertama yang saya hubungi adalah Marc dan berikutnya adalah Ed, dan mereka berdua ada di sana,” Robinson membenarkan. “Semakin sering saya bermain dan melakukan ini, saya menyadari betapa merupakan anugerah memiliki hubungan dan interaksi musik dengan orang-orang tersebut – orang-orang yang Anda kagumi – dan apa yang mereka bawa ke dalam musik Anda.”

The Magpies mulai berlatih di area Woodstock, N.Y., di Applehead Recording, akhirnya bermain di depan live penonton serupa dengan yang dilakukan Levon Helm, mendiang penyanyi dan drummer The Band, selama bertahun-tahun dengan Midnight-nya Bertele-tele. Hal ini menyebabkan rekaman self-titled hampir seluruhnya live Salam Murai , keluar hari ini dalam berbagai format melalui Eagle Rock. (Sedihnya, Harsch meninggal pada bulan November, meskipun dia sempat bermain dengan kolektif Magpie secara live, dan dia muncul di album terakhir.)

Tepat di luar gerbang, dengan satu-satunya jalur studio, Kelalaian, The Magpie Salute mengalir seperti ahli selai terbaik. Album ini menciptakan getaran yang mirip dengan yang melekat pada The Allman Brothers Band's Di Fillmore Timur, studio-jam yang diambil dari Derek & the Dominos' Sesi Layla, dan instrumen improvisasi yang diperluas pada karya George Harrison Semua Hal Harus Lulus, yang lebih dikenal secara kolektif sebagai selai apel.

“Sungguh mendalam, mengharukan, dan positif ketika kita semua berkumpul seperti itu,” kagum Robinson. Saat itulah saya mulai berpikir, 'Bagaimana kita bisa membuat hal ini terus terjadi? Bagaimana kita dapat melakukan hal ini lebih jauh lagi?’”

Jawabannya: Kembali ke jalan dan bawakan The Magpie Salute langsung ke orang yang membawanya ke sana. Digital Trends berbicara dengan Robinson sebelum tur berlangsung untuk membahas definisi musik “nyata”, mengapa vinyl mendapat respek, dan nilai berkelanjutan dari pengalaman live.

Tren Digital: Apakah menurut Anda apa yang Anda buat dengan The Magpie Salute terus berlanjut tentang gaya musik tertentu yang Anda mainkan saat tumbuh dewasa dan kini ingin Anda bagikan kepada generasi baru pendengar?

Robinson yang Kaya: Lihat, musik yang bagus adalah musik yang bagus. Saya biasa melihat rekaman Woody Guthrie berjalan-jalan sambil membawa tulisan “Mesin Ini Membunuh Fasis” di bukunya. gitar, dan nampaknya ada bagian dari dunia ini yang kini sadar akan apa yang dianggap “nyata” musik.

Pada akhirnya, menurut saya apa yang kami lakukan adalah musik nyata yang dapat disentuh dan dihubungkan dengan orang-orang, dan ini menjadi lebih penting saat ini dibandingkan sebelumnya. Penting untuk menunjukkan dan membangkitkan perasaan yang sebenarnya dan autentik dalam musik. Dan saat ini, musik pop berada pada kondisi terburuknya. Ini lebih buruk dari sebelumnya. Banyak orang mengira teknologi adalah hal yang Anda perlukan untuk memajukan musik, tapi itu omong kosong. Suara rekaman pop sekarang seperti video game.

Menurut saya, teknologi tidak seharusnya menggantikan perasaan. Ini harus dimanfaatkan untuk menyempurnakan musik. Misalnya, Anda menggunakan dua amplifier untuk mendapatkan suara penundaan yang lebih tebal dengan gitar Anda, dan itu adalah hal yang nyata. Itu adalah suara yang nyata.

Terima kasih. Itu adalah musik sungguhan yang dibuat oleh orang sungguhan, kutil, dan semuanya. Adalah manusiawi untuk mempercepat sedikit, atau memperlambat sedikit. Mengukur segalanya bukan manusia. Dan menjalankan vokal Anda melalui AutoTune adalah tindakan yang tidak manusiawi. Semua orang bernyanyi agak datar, dan sedikit tajam.

Tidak ada yang mengganggu siapa pun ketika Robert Plant [dari Led Zeppelin] bernyanyi seperti itu — atau Steve Marriott [dari Small Faces and Humble Pie], atau Mick Jagger [dari The Rolling Stones], Rod Stewart, atau salah satu dari mereka Teman-teman. Semua orang bernyanyi dengan kunci yang relatif; itu tidak dilakukan di Pro Tools. Kedengarannya tidak wajar, karena tubuh kita tidak terbiasa melakukannya.

Di telinga Anda, rekaman atau artis apa yang paling “nyata”, dulu atau sekarang?

Masalahnya, Anda bisa berbicara tentang menjadi retro dan “hanya” menyukai musik dari tahun 60an dan 70an, tapi setidaknya itu murni. Tapi disana adalah band-band sekarang juga melakukan hal yang sama, seperti Wilco, dan beberapa band underground dari New York. Saya suka rekaman Grizzly Bear itu, dan Durand Jones & The Indications sangat bagus. Mereka adalah orang-orang yang membuat musik yang sangat bagus.

Apa cara terbaik untuk mendengarkan musik Magpie? Apakah Anda masih penggemar vinil? Apakah itu masih penting bagi Anda?

Ya, vinil lebih merupakan sebuah proses. Memang tidak nyaman, tetapi orang-orang tampaknya lebih menghormatinya. Orang yang mendengarkan vinyl sebenarnya meluangkan waktu untuk pergi ke toko dan membelinya, atau online dan memesannya. Tetap saja, Anda harus membukanya, berjalan ke meja putar, mengangkat jarumnya, dan meletakkannya di atasnya. Ada respons sentuhan terhadapnya, dan kemudian Anda mendengarkan untuk itu.

Ini bisa menjadi hal yang luar biasa - dan Anda harus mendengarkannya dengan waspada, karena ini tidak bertahan lama. Anda harus bangkit dan mengubahnya.

Benar, Anda harus berinteraksi dengannya. Ini bukanlah pengalaman pasif.

Anda memang harus berinteraksi dengannya, ya. Kami lebih menghormati sesuatu yang harus kami usahakan.

Aku setuju denganmu dalam hal itu. Menurut saya, ini juga membantu menjalin hubungan yang lebih dalam dengan musik itu sendiri.

Dan mudah-mudahan, kita akan terus menempuh jalan itu. Saya membaca artikel ini tentang orang-orang yang membeli musik di Apple Music, dan mereka mengira mereka adalah pemiliknya. Namun jika ada masalah, mereka bisa saja mematikan semua barang Anda. Mereka cukup menekan tombol dan berkata, “Tidak!” (tertawa)

Saya suka memiliki musik saya, bukan hanya menyewakannya. Saya tidak punya masalah “memilih” dengan uang saya, itulah yang saya suka ungkapkan.

Saya pikir semakin banyak orang akan mulai memahami hal itu. Harus ada pertukaran – atau pertukaran virtual, jika bersifat digital – karena seseorang, pada akhirnya bukan kamu, pemilik semua ini.

Dan apakah Anda memilih atau tidak, jika seseorang mengambil foto Anda dari ponsel atau komputer Anda dan menyimpannya di “dunia non-dunia” yang aneh ini, lalu siapa pemiliknya jika Anda tidak membayar tagihan iCloud Anda? Apakah mereka akan memutus akses Anda ke semua foto Anda? Lalu menjadi diskusi yang berbelit-belit tentang apa yang dimiliki seseorang, dan apa sebenarnya jadinya dunia digital ini? Menurutku itu hanya mengaburkan segalanya.

Begini masalahnya, kawan — jika Anda memiliki rekaman, Anda memiliki rekor. Dan Anda dapat mendengarkannya kapan saja Anda mau.

BENAR. Ketika kenyamanan mulai mengambil alih nilai seni itu sendiri, banyak hal yang berkaitan dengan ide tersebut hilang begitu saja. Memiliki akses langsung ke semua jenis seni – musik, film, lukisan, apa pun – sebenarnya telah menurunkan nilainya.

Hal ini terlihat dari kurangnya rasa hormat terhadap sejarah. Ada orang yang sekarang berpikir untuk melihat Mona lisa di ponsel Anda sama seperti berdiri di depannya secara langsung. Namun jika Anda terbang ke Eropa atau Paris, dan Anda pergi ke museum-museum tersebut dan menyaksikan langsung karya seni yang spesifik dan menakjubkan ini, ada sebuah perjalanan yang membawa Anda ke sana. Ini tidak seperti naik perahu menyeberangi lautan selama berbulan-bulan dan harus berjalan kaki untuk sampai ke sana (keduanya tertawa), tapi tetap saja, ada prosesnya. Oleh karena itu, Anda akan lebih menghormatinya, daripada berkata, “Oh, saya tidak perlu melihatnya secara langsung. Saya bisa melihatnya di ponsel saya.” Ada semacam keterputusan yang aneh di sana.

Ini adalah pengalaman yang sangat berbeda. Anda terhubung dengannya dengan cara yang jauh berbeda.

Dan jika Anda mengikuti alur pemikiran tersebut, karena ada begitu banyak akses mudah terhadap hal-hal ini, maka kembali ke alasan mengapa mendengarkan vinyl sebenarnya masuk akal, karena Anda menghormatinya.

Menurut Anda, apakah itu sebabnya pengalaman menyaksikan band tampil secara langsung menjadi lebih penting dari sebelumnya? Apakah itu cara terbaik bagi semua orang untuk terhubung sekarang?

Memang benar, dan ini luar biasa — ketika semuanya terhubung, tidak ada yang lebih baik. Semua orang ada di gedung ini bersama-sama. Saya selalu mengibaratkannya dengan roda. Ada hubnya, yaitu musiknya, lalu ada jari-jarinya, yang membuat semua orang di sana hanya menontonnya, dan kita semua berkumpul untuk alasan yang berbeda. Ada anggota band di atas panggung yang memainkannya dan penonton mengapresiasinya, tapi kita semua adalah bagian dari kemudi. Kita semua ada di sana untuk satu pusat yang membuat semuanya berjalan lancar.

Saya percaya ketika orang-orang muncul dan menonton band ini, mereka mengikuti musik ini dan memberi makan pada band tersebut, dan band memberi makan pada orang-orang. Dan ketika orang-orang bosan dan memeriksa keadaan mereka Facebook atau mencoba memfilmkannya, itu menjadi lebih menarik memukau, alih-alih mengalami.

Tapi ada elemen luar biasa di sana. Anda bisa duduk di antara penonton ini dan menjadi di sana, dan ini benar-benar tentang kehadiran. Atau saya pernah melihatnya kadang-kadang ketika seseorang berkata, “Oh, si anu potong rambut.” Apa yang dilihat orang-orang ini? Apakah mereka begitu tidak tertarik sehingga hanya ingin mendengarkan bagian refrain dari lagu yang mereka sukai? Mereka tidak bisa membuka pikiran mereka terhadap sesuatu yang lebih besar?

Mereka ketinggalan. Mereka lebih suka membawa pulang pengalaman ini dan membaginya dengan orang lain, serta melibatkan semua orang di lingkaran mereka lihat ini di ponsel kecil jelek dengan speaker buruk dan layar kecil, alih-alih berada di dalam momen.

Anda menulis atau ikut menulis banyak materi Black Crowes yang ikonik itu. Apakah Anda merasa sekarang dapat mengambil lagu dari kanon itu dan mengubahnya menjadi binatang hidup yang berbeda, setelah Anda 15 hingga 20 tahun berlalu saat pertama kali merekamnya?

Ya. Kita semua memiliki pengalaman bertahun-tahun dan apa yang telah kita lalui dalam hidup kita, dan bagaimana musik telah bersama kita sepanjang hidup kita — namun hal itu berubah. Anda masih muda, sombong, dan bahagia, lalu Anda melewati cobaan ini dan Anda punya anak dan memulai sebuah keluarga, dan beberapa orang bercerai, dan beberapa orang mengalami stres ekstra.

Dan tentu saja, kami membawa semua pengalaman itu, apalagi fakta bahwa kami telah bermain musik selama bertahun-tahun. 20 atau 25 tahun — atau lebih lama lagi — dan kami telah membawa elemen tersebut ke dalam apa yang kami lakukan, jadi menurut saya hal ini benar-benar sesuai dengan apa yang kami lakukan. itu. Apa yang konsisten dengan perspektif Anda terhadap musik, dan cara kerjanya di dalam dan di luar musik, adalah hal yang sangat menarik.