Pertarungan Gitaris Ian Williams di La Di Da Di, Bermain Langsung

“Sebagai seorang artis, tugas Anda hanyalah membuat musiknya sekeren dan segila yang Anda inginkan.”

Seni menangkap dan memanipulasi putaran tak terbatas adalah hal yang rumit. Lakukan dengan benar, dan Anda dapat membawa pendengar pada perjalanan yang tidak pernah sama dari satu menit ke menit berikutnya, meskipun ada unsur pengulangan yang konstan. Lakukan kesalahan, dan itu adalah tiket sekali jalan ke Yawnsville.

Untung kita memiliki trio Battles yang dibesarkan di Brooklyn untuk menunjukkan kepada kita bagaimana hal itu harus dilakukan. Di album baru mereka La Di Da Di, keluar Jumat depan melalui Warp Records dalam berbagai format, Battles membengkokkan dan membentuk putarannya sesuka hati, mulai dari intensitas multi-gerakan di trek pembuka Yabba untuk drama perkusif Tanpa Kekerasan ke ping 'n' shuffle yang menggelegar Megasentuh.

Sebagaimana disebutkan, meskipun loop ini menciptakan kemiripan struktur, arah lagu selanjutnya bergantung pada kreativitas para pemain yang terlibat — terutama saat mereka berada di atas panggung. “Dalam lagu-lagu baru ini, kami tidak terlalu mengakui format lagu pop,” kata gitaris Battles, Ian Williams. “Dan ini cukup terbuka sehingga kami bisa menafsirkan lagu sesuka kami di atas panggung. Saya mungkin menemukan plug-in baru di jalan, dan kemudian saya akan mewujudkannya untuk membuat bagian baru dalam lagu di mana saya akan membuat suara gitar baru yang gila. Itu masih berfungsi dalam konteks lagunya, dan itu tidak berhenti menjadi lagunya.”

Digital Trends menelepon Williams untuk singgah di tur di North Carolina untuk membahas merek unik band tersebut lingkaran sihir, pergulatan antara seni versus perdagangan, dan bagaimana lagu-lagu Battles terus berkembang secara live pengaturan.

Tren Digital: Menurut saya cara Anda bekerja dengan loop Anda La Di Da Di menunjukkan bahwa Anda secara praktis memahaminya hingga ke sains.

Ian Williams: Ya, kami selalu membuat loop sebagai sebuah band. Dan ketika Anda berbicara tentang melakukannya secara langsung, yang ada adalah foto instan. Itu sudah sedikit hilang dari Anda yang sebenarnya “memainkannya”, dan itu menjadi sesuatu yang lebih tidak-manusia. Ini menciptakan banyak kemungkinan — manipulasi, dan membawa musik ke tempat yang berbeda dari yang Anda bisa jika Anda benar-benar memainkannya.

Itu adalah sebuah berkah sekaligus kutukan. Ia memiliki keterbatasan dan kelemahannya. Salah satunya adalah hal monolitik yang terus berulang sepanjang lagu. Namun itulah hal yang selalu kami perjuangkan dalam grup ini — bagaimana membuatnya tetap menarik, dan bagaimana mengubahnya. Bisakah kita mengubah kunci lagunya? Bolehkah kami mengistirahatkan telinga Anda agar Anda tidak perlu mendengar hal yang sama lagi? Ini adalah salah satu hal yang membuat kami terlalu terikat dengan pekerjaan kami, namun terkadang hal ini membuat kami bisa melangkah lebih jauh dibandingkan saat kami bermain.

Saya melihatnya sebagai konsep yang membebaskan bagi Anda. Bagaimana perkembangan peralatan yang Anda gunakan untuk membuat loop selama bertahun-tahun?

Pada awalnya, saya menggunakan Akai Head Rush — pedal lama tahun 90an. Dan dengan cepat, kita semua mendapatkan Gibson Echoplex, yang digital. Dengan itu, Anda dapat menyinkronkan pedal secara bersamaan.

Dave [Konopka, gitaris/bassist] masih menggunakan miliknya; dia punya beberapa di antaranya. Saya telah beralih dari itu dan berevolusi menjadi Ableton. Ableton, bagi saya, seperti ketika Anda mempunyai satu pedal dan Anda berpikir, “Oh, saya bisa melakukannya ini, jadi jika saya punya dua pedal, saya bisa melakukan dua kali lebih banyak.” Hal yang saya dapatkan dengan Ableton adalah bahwa saya dapat melakukan 300 kali lebih banyak, dalam hal membuat putaran dan melakukan banyak hal sekaligus. Dan kemudian aku menjadi gila dengan itu. Saat ini, saya Digital Dude, dan Dave adalah Analog SoundWorld Pedal Dude.

Ini kontras yang bagus, mengingat dari mana band ini dimulai.

Orang-orang menghabiskan waktu lama untuk mencoba memahami apa itu suara digital dan apa itu suara analog. Kami berdiskusi bahwa mungkin Dave harus mendapatkan Ableton, karena secara teknologi, Anda dapat melakukan lebih banyak hal dengannya. Tapi itu sebenarnya ide yang buruk - membiarkan kita berada di kedua dunia akan membuat spektrum suara kita lebih besar, dan terkadang kita mendapatkan yang terbaik dari kedua dunia tersebut. Ada lebih banyak aspek penting dari perangkat analog, tetapi ada presisi luar biasa yang bisa Anda dapatkan dari perangkat digital.

Karena Anda adalah pemain otodidak dan Dave berasal dari latar belakang desain, Anda sering kali bertengkar dengan struktur versus, “Mari kita lihat ke mana arahnya.”

Ya, ya. Dave adalah seorang yang sedikit minimalis, dalam hal musik, dan saya sedikit seorang maksimalis: “Ayo kita buat lebih intens!”

Saya tahu terkadang ada baiknya saya ditarik kembali, karena bagi pendengar, mungkin ini adalah pengalaman yang lebih baik, lebih fokus dan tidak terlalu aneh.

Kami akhirnya sampai pada titik tengah tentang apa itu lagu. Bagi kami, tidak ada pemimpin band. Ini adalah komite di mana kami bertiga harus sepakat bahwa ada sesuatu yang baik. Namun terkadang sulit untuk membuat kita semua setuju.

Untuk saya, Musim Panas Didihkan tampaknya merupakan perpaduan sempurna dari ide-ide setiap orang — dan Anda akan mendapatkan hasil yang bagus di akhir ide tersebut.

Ya ya ya. Pada lagu itu, saya menggunakan Ableton Push untuk mencapai pengaturan nada ke-16 yang berulang, di bagian intro. Push membuat lagu itu menjadi mungkin.

Bagaimana seharusnya orang-orang mendengarkan album ini? Apakah MP3 menipu kita dalam mendapatkan semua tekstur loop dan komposisinya?

Umm, kawan, aneh sekali akhir-akhir ini. Pilihan saya untuk menjawab pertanyaan Anda adalah semakin lama saya memutar musik, semakin bingung saya tentang bagaimana musik itu disebarluaskan dan dikonsumsi, dan semakin saya fokus membuat musik dan membiarkan orang-orang di sekitar saya memutuskan apakah musik itu akan ada di playlist Spotify dan hal-hal seperti itu itu.

Semakin kita menghargai penyajian yang “benar”, semakin banyak hal yang dapat mengacaukannya. Saya percaya bahwa sebagai seorang seniman, Anda memiliki tanggung jawab untuk membuat karya terbaik yang Anda bisa. Namun, distribusi musik saat ini sangatlah aneh - orang-orang mendengarkan musik melalui ponsel mereka, dan bahkan tidak dengan ponsel headphone. (terkekeh) Tapi saya tahu jika Anda berkata, "Tidak, ini bukan untuk format itu," Anda akan terputus dari begitu banyak orang.

Saya tidak tahu apakah itu hal yang baik atau buruk, tetapi banyak hal yang mengarahkan Anda untuk pergi ke konser langsung. Ada sebuah Artikel New York Times beberapa minggu yang lalu di bagian Media tentang ekonomi digital baru dan manfaatnya bagi para seniman. Di dalamnya, banyak perbincangan tentang bagaimana tren penjualan tiket konser selama 20 tahun terakhir meningkat sementara penjualan rekaman cenderung menurun. Hal yang direkam kini hanyalah cara untuk mengatakan, “Hei, ayo lihat pertunjukannya.” Mungkin itulah yang terjadi sekarang.

Hal ini merupakan kebalikan dari tahun 60an dan 70an, dimana album adalah segalanya. Album ini sekarang dilihat sebagai gambaran tentang apa yang akan Anda dapatkan saat datang ke pertunjukan. Namun pengalaman langsung adalah salah satu dari sedikit hal yang bisa kita lakukan saat ini untuk menyatukan orang-orang yang memiliki pemahaman yang sama tentang hal yang sama.

Kami bersifat sayap kiri dan eksperimental dalam tradisi DIY. Saya mencoba untuk tidak terlalu menghargainya. Ada seorang biksu Buddha di Amerika Serikat pada tahun 60an dan 70an bernama Chögyam Trungpa, yang menyukai kaum hippies dan Allen Ginsberg. Intinya adalah ketika dia mengajarkan agama Buddha, itu bukan hanya teks suci yang seharusnya hanya diajarkan di dalamnya kuil, namun harus dapat diakses oleh semua orang, seperti majalah yang dijual di lorong supermarket. Tidak apa-apa jika komoditas ini tersedia di mana-mana.

Saya terkadang memikirkan hal itu dengan musik. Jika Anda memasangnya di iklan TV, saya setuju dengan itu, karena itu membuat lebih banyak orang mendengar karya Anda. Ini bukan tentang berada di museum. Sebagai seorang artis, tugas Anda hanyalah membuat musiknya sekeren dan segila yang Anda inginkan. Setelah itu, bagaimana hal itu disebarluaskan ke seluruh dunia — bagaimana Anda menghasilkan uang dari musik Anda? Apakah Anda seorang pebisnis yang cerdas atau tidak? Saya tahu itu adalah percakapan yang sangat berbeda dibandingkan dengan, "Apakah Anda membuat musik yang 'keren'?" Saya lebih suka fokus membuat musik yang keren dan menarik.

Mari kita bicara tentang pengalaman langsung itu. Dengan semua elemen yang Anda tangani di atas panggung, bagaimana dinamika itu akan berubah sekarang setelah Anda memiliki rekaman baru untuk dimainkan?

Sebagai drummer, John selalu melakukan kick drum, snare, hi-hat, dan crash, dan itulah yang dia lakukan. Dia adalah elemen akustik band yang dapat ditelusuri. Anda melihatnya memukul snare drum, dan Anda memahami suara itu.

Dan kemudian Dave mencondongkan tubuh ke atas pedalnya, melakukan sapuan filter atau mengulang kembali putaran dari satu pedal ke pedal lainnya. Dan kemudian dengan barang-barang saya, saya memicu synthesizer dan bermain gitar pada saat yang bersamaan. Saya biasanya bermain gitar dan tuts [papan] secara bersamaan — tuts dengan tangan kanan dan gitar dengan tangan kiri. Atau saya memicu synth dan sampel dengan gitar saya. Saya melakukan campuran 50/50 yang memadukan synth dan gitar saya.

Jauh lebih sulit untuk melacak apa yang kami lakukan dalam narasinya. Anda melihat pertunjukan lain dan Anda berkata, “Oh ya, gitaris sedang bermain, dan saya mendengar gitar.” Sekarang bersama kami, ini jauh lebih membingungkan, tetapi menyenangkan untuk dimainkan. Ada banyak hal yang perlu dimanipulasi.

Apakah menurut Anda lagu-lagu baru semakin berkembang di atas panggung saat Anda semakin sering memainkannya?

Bagi kami, ini tergantung pada jadwal tur kami dan apakah kami mempunyai libur dua minggu agar kami semua bisa berada di kota yang sama sekaligus dan kami sebenarnya bisa berlatih, karena mungkin ada setengah dari rekaman yang kami tidak tahu cara memainkannya dengan benar Sekarang. Kami masih harus berlatih lagu-lagu itu, dan saya masih ingin memikirkan cara memainkannya secara live. Saya tidak sabar untuk mempelajari cara memainkannya. Saat ini, kami sedang melakukannya Yabba, dan yang itu semakin ketat. Kami juga melakukannya FF Bada, dan itu cukup bisa dimainkan.

Sejauh kita adalah sebuah band elektronik, hal tentang musisi elektronik adalah, “Anda baru saja melihat saya menekan sebuah tombol.” Sejauh itulah hubungan antara pemain dan penonton di sana. Penonton berkata, “Oke, Anda menekan sebuah tombol; terus?" Apa yang tidak Anda mengerti adalah, “Anda tidak melihat sepanjang hari di mana saya harus sangat pintar tentang bagaimana saya memprogram hal ini untuk mewujudkannya! Itu semua adalah hal di balik penekanan tombol yang tidak dapat Anda lihat. Saya dengan cerdik menemukan cara melakukan semua hal ini, dan membawanya ke atas panggung untuk mewujudkannya.”

Ini tidak seperti, “Ya Tuhan, saya baru saja melihat Eddie Van Halen memainkan solo gitar berdurasi 15 menit yang menakjubkan ini.” Sekarang seperti, “Ya, dialah orangnya yang menekan tombolnya - tapi wah, sungguh brilian cara dia melakukannya!” Sungguh aneh bagaimana hal itu muncul atau tidak.