Interview: Joe Perry, guitariste principal d'Aerosmith, sur la technologie d'enregistrement

La légende de la guitare d'Aerosmith, Joe Perry, a eu de nombreuses muses dans sa vie – l'alcool, la cocaïne, le charismatique leader d'Aerosmith Steven Tyler – mais une seule chose est restée vraie et ne l'a jamais laissé tomber: la musique. « Quand c’est bien fait, c’est comme avoir un film dans les oreilles », explique-t-il. «Tout ce qui concerne le son me fascine.»

Dans son autobiographie à succès, Rocks: ma vie dans et hors d'Aerosmith (Simon et Schuster), Perry ne fait aucun effort lorsqu'il parle de ses luttes contre la dépendance, empruntant le long chemin vers la sobriété sur un un parcours difficile, criblé de rechutes et de nombreux conflits personnels et professionnels avec son partenaire de toujours Tyler. Mais il parle également longuement de sa quête de l'excellence sonore depuis toujours et de la meilleure façon de la capturer en studio, ainsi que de pouvoir la transmettre sur scène. Récemment, Perry, 64 ans, a appelé Digital Trends pour plonger dans les racines de son obsession pour le son, les meilleurs moments des deux derniers albums d'Aerosmith et ce qu'il a fait lorsqu'il a rencontré Neil Young. L’homme est de nouveau en selle – pas comme s’il l’avait vraiment quitté.

Tendances numériques: Joe, je te connais depuis des années, mais maintenant je pense que je dois t'appeler New York Times l'auteur à succès Joe Perry, depuis que votre livre a fait ses débuts au numéro 8 le 26 octobre sur leur liste de non-fiction à couverture rigide, n'est-ce pas ?

Joe Perry : Je crois que oui. (ils rient) La première fois que ma femme m’a appelé comme ça, je n’ai même pas tourné la tête. Mais c’est là maintenant – ils l’ont mis sur la couverture. Ouah.

Ayant grandi en tant qu'étudiant aux prises avec un TDAH non diagnostiqué, je parie que vous n'auriez jamais pensé que cela arriverait, hein ?

Pas du tout. Je parie que ça doit être difficile quand tu écris un réel livre, comme un roman historique, puisqu’il vient d’un endroit différent. Mais avec une autobiographie, les gens achètent en fait l’histoire de votre vie, dans l’espoir de découvrir quelque chose sur vous qu’ils ne connaissent pas. Cette partie est un peu effrayante et un peu intimidante.

Je n’y pense pas tant en tant qu’auteur mais plutôt en tant qu’aventurier vivant cette vie que je n’aurais jamais cru possible et découvrant que les gens sont intéressés à lire à ce sujet. J'espère avoir tout décrit d'une manière qui a du sens. Les commentaires que je reçois sont que je suppose que cela a fonctionné. (rires)

Je pense que c'est le cas aussi. Cela transparaît vraiment dans votre voix. J'aime aussi le fait que l'un des premiers chapitres du livre s'intitule Des sons [Chapitre 2 de la première partie, Gestation], car c’est clairement un concept important pour vous en tant que personne, pas seulement en tant que musicien. Ma citation préférée dans le livre se trouve à la page 132, où vous dites: « L’exploration du son me fascine sans cesse. » Pourquoi donc? Pourquoi pensez-vous que le son a été si important pour vous dans votre vie ?

Je pense que c’est parce que cela peut avoir un lien direct avec le subconscient et avec la manière dont vous pouvez affecter les gens – c’est-à-dire les affecter avec des bruits, des fréquences et des mélodies. Je suis sûr que les peintres ressentent la même chose à propos de la couleur et de la lumière – de tous les éléments de ce que vos yeux voient, et pas nécessairement seulement dans une peinture, mais aussi des formes. Peindre – ils vivent et respirent en faisant ça. Pour moi, le son a un impact similaire.

Lorsque vous avez évoqué cette idée, cela m’a fait penser à la plongée et au fait d’être sous l’eau, ainsi qu’à la façon dont le son se propage sous l’eau. Cela me fascinait autrefois, et c'est toujours le cas: comment les baleines utilisent le son pour communiquer sous l'eau d'une manière à laquelle on ne penserait pas normalement; être capable d'entendre des choses qui sont à des kilomètres, et pourtant, on a l'impression qu'elles sont juste à côté de vous. Ce qui m'est immédiatement venu à l'esprit, c'est de plonger au large de Maui, d'entendre une baleine et de savoir qu'elle vient tout juste de sortir de Maui. vue, parce qu’ils sont très intelligents et qu’ils utilisent les sons pour localiser où ils se trouvent et qui se trouve à proximité d’eux. Ils restent hors de votre champ de vision, ne vous gênent pas et savent ce qui est dangereux. Tout cela me fascine.

Il faudrait aussi ajouter le mot qualité après son, parce qu'il y a certaines caractéristiques que vous, en tant qu'artiste, souhaitez transmettre, n'est-ce pas ?

Ouais. Et cela dépend de ce que vous cherchez à en faire. Il y a certaines choses que vous pouvez faire avec le son pour créer des sentiments et des émotions chez les gens. Vous pouvez le voir dans leurs yeux – vous pouvez les faire danser debout, vous pouvez les mettre dans une frénésie sexuelle, vous pouvez les calmer, vous pouvez faire en sorte que personne, ou tout le monde, n’entende une mouche tomber. Vous pouvez faire tout cela avec le son.

Mais l'essentiel est de réduire une chanson à ses éléments et de les utiliser pour créer un sentiment, que ce soit une chose sentimentale ou une chanson rock et que vous voulez vous lever et faire bouger tout le monde. Ou, dans le cas d’un spectacle d’Aerosmith, nous voulons juste divertir les gens pendant deux heures, vous savez ?

Oh ouais, je sais. Il y a quelques années, vous et moi avons discuté de l'audio haute résolution et du mixage surround réalisé pour votre disque solo éponyme, Joe Perry (2005). Je suis maintenant curieux de connaître votre avis sur les téléchargements haute résolution 96/24. Êtes-vous encouragé par le fait que les gens puissent ainsi entendre davantage de détails dans votre travail enregistré ?

Ouais. J'adore obtenir le son de ce point de vue – entendre comment cela a commencé à partir de cet endroit primordial, puis aller jusqu'au studio et à une salle de mixage 5.1 avec des moniteurs à 50 000 $. Vous savez, je n’ai jamais vraiment parlé à un chef d’orchestre ni abordé la façon dont la musique classique est enregistrée; ça doit être une toute autre chose. Ils doivent penser à formuler les choses d’une manière différente.

Mais bien souvent, il y a une forte volonté de l’industrie de créer quelque chose de nouveau pour que les gens puissent entendre ce qu’ils veulent qu’ils entendent. Quand les CD sont sortis, ils étaient durs et il n’y avait pas beaucoup de concerts avec lesquels travailler pour créer tous les sons. Et puis cela s’est développé au-delà du point où cela comptait, car tout s’est concentré sur les écouteurs et les MP3, pour la plupart. Mais comme la manière dont les gens obtiennent de la musique s’est répandue et que les gens peuvent l’écouter en la reproduisant de tant de manières différentes, cela a en quelque sorte égalisé les règles du jeu. Et c’est agréable de voir combien de personnes aiment à nouveau le vinyle. C’est un pas dans la bonne direction, même si c’est un pas en arrière d’environ 50 ans, vous savez ?

Mais comme je l'ai dit, le son du CD est dur. Vous pouvez entendre certaines choses que vous ne pourriez pas entendre sur un disque, mais pas toujours dans le bon sens. Je ne parviens presque jamais à monter un CD aussi fort que j'aime entendre du rock and roll. Au début, j’écoutais des cassettes. J'ai aimé le son des cassettes pour une raison quelconque. Mais maintenant, avec tous les logiciels, vous pouvez manipuler un fichier musical pour qu’il sonne comme s’il était sur cassette.

Les deux enregistrements les plus récents du studio Aerosmith — Honkin' sur Bobo (2004) et Musique d'une autre dimension! (2012) – les deux me semblent excellents numériquement en 96/24. J’ai souvent l’impression d’être dans la pièce avec vous lorsque vous jouiez et enregistriez.

Merci. En fin de compte, vous voulez juste entendre cette sensation capturée d’être dans la pièce. Oui, vous pouvez obtenir cela en utilisant un ordinateur, mais c'est beaucoup plus difficile. Cela devient beaucoup plus naturel lorsque vous travaillez sur bande. Et ces deux disques ont été enregistrés au moins deux fois. Même s'ils ont finalement été mixés sur Pro Tools, nous avons mixé sur une grosse bande de 1 pouce, et nous avons également utilisé [Endless Analog's] Système CLASP [qui combine efficacement les avantages sonores de la bande avec la flexibilité du Pro Outils]. Sur Dimension!, tout est passé du microphone au magnétophone, puis à l'ordinateur. Cela a aidé.

De votre point de vue, existe-t-il une chanson qui sonne le mieux sur Musique d'une autre dimension! enregistrer?

Je dois penser que c’est une des chansons rock – et il y en a trois que vous auriez pu entendre sur Jouets [dans le grenier] (1975) ou Rochers (1976), car ils sont basés sur le blues et enregistrés par tout le groupe réuni dans la salle en même temps. « Enfant légendaire » en est un. Il y a des overdubs, mais tout dépend des prises de base. Ils ont juste cette ambiance d’être joués en live. [Producteur] Jack Douglas – avec qui nous avons grandi en studio, dans un sens métaphorique, apprenant à faire des disques – il est allé à l'école d'ingénieur et sait le pourquoi, le où et comment tout cela fonctionne. Jack sait comment s'occuper du son pour que vous ayez l'impression d'être là avec le groupe.

Écouter Aerosmith en haute résolution me donne l’impression que vous êtes ensemble et que vous vous regardez, et j’entends également la séparation des instruments dans le mix.

Super. Cela fait partie des compétences et de la magie que Jack contribue à acquérir, sans jeu de mots. Et la preuve de ce qu'il fait apparaît lorsque vous y jouez.

Vous écrivez toujours du nouveau matériel. Comment pensez-vous le sortir à l’avenir – singles, albums, téléchargements uniquement… ?

Je suis en train de préparer de nouvelles choses et de discuter avec l’entreprise de la manière de les diffuser. Je suis plus préoccupé par la façon dont cela va se passer. Je veux dire, j'ai des idées sur certaines chansons et sur quoi en faire. Mais sortir des albums… (pause) Je ne suis tout simplement pas sûr.

La résurgence du vinyle doit certainement vous aider à penser le format de l’album.

Le vinyle aide les gens à considérer les chansons comme un groupe. Mais plus vous mettez de musique sur un album vinyle, plus vous commencez à perdre en qualité sonore. Avant, vous disposiez en gros de 38 à 40 minutes au total. Certains des meilleurs disques que j’ai jamais entendus ne duraient que 20 à 25 minutes par face, ce qui a permis de limiter le nombre de chansons mises dessus. C'était une chose vraiment positive, mais tout le monde s'est déchaîné avec le CD, avec trop de chansons. C'était trop.

De plus, je pense que les meilleurs albums étaient mieux édités. Prendre Rochers et Jouets dans le grenier – ils avaient juste la bonne durée avec la bonne quantité de musique. Chaque chanson signifiait quelque chose.

Eh bien, voilà. Ces deux-là en sont de bons exemples. Je pense aussi à certains des premiers disques que j’ai adorés, qui contenaient peut-être huit chansons.

Quels ont été vos albums préférés? John Mayall et les BluesBreakers (1966) devait en faire partie.

C’en est certainement un. Le premier disque de Jeff Beck, Vérité (1968) – le son de ce disque est incroyable. Je pense que personne n’a égalé ce son, à l’exception peut-être de certains disques de Jimi Hendrix, ceux pour lesquels il était en vie – vous savez, les trucs originaux. Une partie a depuis été remixée et remasterisée et « re » ceci, et « re » cela, mais j’écoute toujours ma copie originale du Axe: Audacieux comme l'amour disque (1968) avec toutes les fissures et toutes les rayures. Il y a toujours une chaleur et un son que je n’entends nulle part ailleurs.

Je sais que vous avez rencontré Neil Young. Avez-vous discuté de Pono avec lui ?

En fait, non, je lui ai parlé de son bus plus que de sa musique. (les deux rient) J'ai eu l'occasion de vérifier son matériel et j'ai parlé à son technicien en guitare. Mais sa tête est au bon endroit en matière de son, je vous le dis.