Interview: Dan Whitford, DJ de Cut Copy, parle d'Oceans Apart

«Je veux toujours avoir l'impression qu'il y a un arc dans un mix de DJ», déclare Dan Whitford du groupe électronique pionnier de Melbourne, en Australie, Cut Copy.

Et Whitford investit là où se trouve son mix, comme en témoigne la diversité des artistes locaux représentés sur Couper la copie présente: Océans à part, disponible dès maintenant dans une variété de formats via la propre marque Cutters Records du groupe. Océans à part est un mix DJ vivant et continu de 80 minutes, composé de 19 morceaux représentant la scène musicale dance underground locale de Melbourne et la culture des clubs en plein essor. Océans à part est implacablement vibrant en termes de tempo et de sensation, virant partout dans la carte de la danse, de l'électro disco aux grooves métalliques profonds, parfois même en insérant des rappels des années 80 dans des passages de maison tribale extrêmement percutants - et, oui, vous entendrez un ou deux digideroo là-dedans aussi.

Digital Trends a parcouru les fuseaux horaires (à notre manière électronique, bien sûr) pour rattraper Whitford, qui était confortablement installé dans son Australie natale, pour discuter des origines de

Océans, pourquoi lo-fi et haute résolution peuvent coexister dans la musique dance et ce que l'avenir réserve à la scène électronique. Libérez votre esprit et le reste suivra.

Tendances numériques: j'apprécie la nature transparente de Océans à part. Pouvez-vous décrire le processus de mise en place de ce projet? Quelle quantité de musique avez-vous dû parcourir pour atteindre le montage de 80 minutes ?

Dan Whitford : En gros, je voulais faire un bon mix, mais aussi documenter autant que possible la scène actuelle de Melbourne. Je connaissais probablement la grande majorité des gens qui produisaient ce genre de musique, donc c'était juste un question de leur demander s'ils avaient du matériel inédit, ou s'ils pouvaient écrire quelque chose spécifiquement pour être inclus. Évidemment, lorsque tout le monde revenait avec des trucs incroyables, il était difficile de choisir les sélections finales car j'avais bien plus de candidatures que je ne pouvais en intégrer dans un seul mix. C’était un choix difficile, mais je pense qu’en fin de compte, c’est ce qui a rendu le mix vraiment engageant.

Je sais que cela m'a gardé engagé. Comment avez-vous décidé des transitions en termes de changements de tempo et de changements d’ambiance? Avez-vous dû faire beaucoup de correspondances de niveaux ?

Chaque fois que je travaille sur un mix en studio, il y a pas mal de travail à faire pour séquencer et s’assurer que toutes les chansons s’emboîtent. Certaines chansons nécessitaient un montage subtil. Par exemple, Fantastic Man's Tentation robotique est - comme son nom l'indique - un morceau créé à partir de boîtes à rythmes et de sons de synthétiseur, alors que celui de NO ZU Vision brute est réalisé par un groupe live. Donc, pour que tout cela s'enchaîne, j'ai dû créer une boucle d'introduction étendue pour Vision brute pour introduire lentement les percussions organiques dans le mix avant que leur morceau ne tombe.

Y a-t-il un voyage audio spécifique que vous souhaitez que les auditeurs entreprennent Océans à part? Quel est le point à retenir ?

Je pense que cela dépend de chaque auditeur individuel. Je veux toujours avoir l’impression qu’il y a un arc dans un mix de DJ, que ce soit en live ou quelque chose créé pour un disque comme celui-ci. J'aime le fait que le mix accélère lentement en énergie tout au long de la première moitié jusqu'à atteindre un véritable point culminant autour de morceaux comme celui de Coober Pedy University Band. Kookaburra et le Delta du Nil Éther. Mais ensuite, cela va encore plus loin vers la fin dans un territoire plus étrange et plus réfléchi. Je pense toujours que quelques balles courbes sont bonnes dans un mélange !

Ouais, ces boules courbes rendent ça intéressant. Pensez-vous que la scène underground de Melbourne a été influencée par votre propre succès international?

Je pense que la scène dance music de Melbourne s'est lentement développée au cours des cinq dernières années, avec des artistes et des DJ d'ici se sentant de plus en plus nombreux. plus confiants dans leur capacité à créer une musique unique et à être sûrs qu’elle trouvera un public ici et ailleurs. internationalement. Dans le passé, l’Australie avait parfois l’impression d’être à la traîne du reste du monde en termes de tendances musicales, mais maintenant je Je pense que cette idée a été abandonnée et que nos différences ont commencé à être célébrées, plutôt que de se sentir comme des obstacle.

Je suis sûr que c’est encourageant de voir d’autres artistes de Melbourne connaître un succès international, mais je ne m’attribue aucun mérite pour la scène de la danse qui est si forte en ce moment. C’est arrivé grâce à beaucoup de travail acharné et à la volonté des artistes d’être aventureux et, fondamentalement, de s’en foutre.

Au début du mixage – environ 6 minutes après le début, en fait – nous entendons la phrase « La musique est ma passion » répétée plusieurs fois. Est-ce une déclaration avec laquelle vous êtes d’accord? Cela me semble bien être le cas.

La musique c'est ma vie est un morceau d'Andras et Oscar. Je pense qu’il a été écrit avec un peu de ironie, mais c’est certainement l’un de mes favoris sur la compilation.

Pourquoi pensez-vous que vous êtes si passionné par la musique? Qu’est-ce qui vous pousse à le réaliser et à le partager avec les gens ?

Je ne sais pas vraiment pourquoi je suis poussé à créer. La musique est quelque chose que j’ai toujours aimé, donc essayer de la faire me semblait une étape logique. Maintenant que Cut Copy est devenu un groupe bien connu et à succès, il offre des opportunités de travailler sur des idées ponctuelles comme Océans à part, et j'espère que plus de choses à l'avenir.

Je sais que la basse fidélité est importante pour vous en tant qu'auditeur et créateur, mais êtes-vous un fan de lecture haute résolution: écouter des fichiers musicaux en 96 kHz/24 bits ou plus ?

En fait, je ne suis pas strict quant au besoin d’écouter de la musique haute fidélité. De toute évidence, les qualités sonores de la musique dance sont extrêmement importantes dans un club, notamment en termes de façon dont elles activent les subs lorsque vous êtes sur une piste de danse. C'est indéniable. Mais cela dit, une grande partie de ce que j'apprécie vraiment est du super-lo-fi, comme les enregistrements à quatre pistes ou la musique contenant des échantillons à faible débit.

Pour une écoute à domicile, parfois le flou ou le manque de netteté des enregistrements de basse fidélité fait que votre imagination comble les lacunes, et parfois entendre un un enregistrement YouTube de mauvaise qualité d'une piste peut en fait avoir une énergie étrange qui manque lorsque vous entendez enfin cette même chanson dans la lumière froide et crue d'un Enregistrement 96/24. Je suppose que ce que j'essaie de dire, c'est qu'il y a Non règles. Il existe des raisons pour lesquelles la basse fidélité et la haute résolution peuvent fonctionner. C’est à l’artiste de décider comment le faire.

Bon point. Je vois deux EP vinyles de Océans à part les faits saillants ont été publiés. Il faut quand même avoir une affinité pour le format LP.

Oui, j'adore le vinyle et je collectionne les disques depuis très longtemps! Soyons réalistes: c’est le format d’enregistrement classique et c’est le meilleur format pour les œuvres d’art. Et c’est aussi un format très flatteur pour le son. C’est incroyable d’écouter une version vinyle 12 pouces d’une chanson à côté d’une version numérique, et je dirais que 9 fois sur 10, il faudrait dire que le vinyle est une meilleure écoute.

De quel type de système disposez-vous pour écouter de la musique ?

En dehors de ma configuration de studio, j'ai une [platine vinyle] Technics SL1200 reliée à un Yamaha CA-810 [amplificateur intégré] pour une écoute à domicile, avec des haut-parleurs personnalisés que j'ai achetés dans un magasin d'exploitation. En fait, je ne sais pas qui les a fabriqués, mais ils ont l'air super !

Je parie! J'ai lu une interview de 2013 dans laquelle vous disiez qu'écouter un album complet était « comme courir un marathon » —

Haha, oui, je voulais dire « courir un marathon » de manière positive !

Oh ouais, c'est comme ça que je l'ai pris. J'aime écouter les albums du début à la fin comme l'artiste le voulait. On dirait que vous aussi.

Oui. Je pense simplement qu’il y a beaucoup plus d’opportunités de raconter une histoire et de faire vivre une expérience aux gens lorsque vous disposez de 40 minutes ou plus pour le faire. Pour moi, une partie de l’art de la création de disques réside dans la façon dont un morceau sonne à côté d’un autre, donc si vous n’écoutez qu’un seul morceau à la fois, vous n’entendrez jamais les choses comme l’artiste l’avait prévu. Les habitudes d’écoute des gens ont définitivement changé, mais je pense toujours qu’il y a une place pour le format album.

Moi aussi, absolument. Avez-vous des albums préférés que vous aimez écouter du début à la fin? Selon vous, quels albums ont encore un impact sur vous ?

Beaucoup de ces enregistrements sont en réalité les mêmes. Se détendre de The KLF (1990) est une pièce étonnante qui raconte l'histoire d'un road trip fictif à travers l'Amérique. C’est un disque qui n’a de sens que lorsqu’on l’écoute du début à la fin. J'aime aussi les Avalanches Depuis que je t'ai quitté (2000). Ce disque a eu une énorme influence sur moi en tant que jeune musicien électronique australien.

Que pouvez-vous me dire sur votre collaboration avec Dave Fridmann sur l'album 2013 de Cut Copy, Libère ton esprit? C’est un producteur très sensible aux enregistrements haute résolution et en son surround. Qu’a-t-il apporté pour vous à la table sonore ?

Dave est un producteur et ingénieur du mixage assez unique, et c'était formidable de travailler avec lui sur cet album. Il a visiblement un penchant pour la musique psychédélique, et c’était un peu le thème de nos derniers disques, donc cela semblait lui convenir. En fait, il mixe très silencieusement, ce qui pourrait en surprendre certains. En écoutant à faible volume, on voit assez vite si tout est bien audible dans le mix. Je pense qu'il a fait un excellent travail en capturant autant de petits détails et en leur permettant de trouver leur place.

Marcher dans le ciel est probablement mon préféré Libère ton esprit piste. C'est tellement incroyable impact.

Dave utilise également de nombreux types de distorsion différents dans ses mixages, et dans le cas de Marcher dans le ciel, il a travaillé sur la magie du mélange créatif, la transformant d'une berceuse très discrète en un hymne explosif et étrange. Les tambours entrent comme une sorte d’événement biblique, résonnant dans les haut-parleurs. Ce n’était pas ce que nous avions prévu pour ce morceau, mais j’ai fini par l’adorer.

Récemment, j'ai parlé avec Vince Clarke d'Erasure et Gary Numan, et tous deux ont ressenti la musique électronique/dance actuelle. la scène – qu’ils admirent tous deux beaucoup – doit beaucoup aux sons et aux artistes pionniers de la fin des années 70 et du début des années 70. années 80. Êtes vous d'accord avec cette évaluation? Avez-vous vous-même une affinité pour cette époque de la musique ?

Je suis tout à fait d'accord. Je pense que dans les années 70 et 80, l’idée des synthétiseurs était encore quelque chose d’assez futuriste, et cela faisait partie de l’esthétique. Je pense que maintenant, les synthétiseurs ont un son plus établi, avec leurs propres associations. Vous pouvez avoir des sons de synthé qui ont un côté familier ou nostalgique. J'ai certainement un penchant pour cette époque de la musique, qu'elle soit électronique, disco, punk, expérimentale ou quelque chose de complètement différent.

Les gens sont toujours à la recherche de sons uniques et inconnus, donc cette idée n’a pas disparu, mais je pense simplement que la synthèse en tant que forme musicale mûrit lentement. Et cela est en grande partie dû à des artistes comme Yaz, Brian Eno, Telex, Tangerine Dream et bien d’autres.

Selon vous, où va la scène électronique/dance ?

Espérons qu’il continue d’évoluer et de surprendre. L'une des choses que j'aime chez certains membres de la nouvelle génération de producteurs de danse - y compris bon nombre de ceux inclus dans Océans à part - c'est qu'ils ont formé leurs goûts musicaux à une époque où Internet vous permet d'accéder bien plus facilement, même à la musique la plus obscure. La musique qu’ils finissent par faire est beaucoup plus aventureuse. Il y a encore 10 ans, je ne pense pas que les artistes avaient la même connaissance de tant de genres musicaux étranges.

Même le week-end, j'étais dans un club et je demandais au DJ quel morceau il jouait. Il s’est avéré qu’il s’agissait d’un proto-disque sud-africain à tirage limité qui n’a probablement jamais atteint plus de 500 exemplaires. C'est ce que j'aime dans les façons modernes de découvrir la musique: vous pouvez trouver rien! Et en tant que musicien, cela ne peut pas être une mauvaise chose.

À mes oreilles, découvrir de nouveaux sons est toujours une bonne chose. Par rapport à cela, qu’est-ce qui se profile à l’horizon pour Cut Copy? Quel genre de sons pouvons-nous nous attendre à entendre de votre part ensuite ?

C'est difficile à dire. Après avoir été sur la route pendant environ 12 mois, j’ai maintenant hâte de recommencer à penser à faire de la musique. J’ai écouté beaucoup de nouveautés, y compris des disques que j’avais achetés en voyage mais que je n’avais pas eu l’occasion de m’asseoir et d’assimiler. En plus, c’est le début de l’été ici en Australie, que je trouve toujours assez inspirant.

J’ai également passé quelques semaines à reconfigurer mon studio à la maison. Selon Aphex Twin, c'est la partie la plus importante du processus de création d'un disque. Si c’est vrai, alors un nouveau record ne peut pas être loin. (des rires)