Colby Brown's Le passeport se lit comme la liste ultime du photographe: les aurores boréales en Islande, l’outback australien, les jaguars au Brésil et les gorilles en Ouganda. Mais lors du tout premier voyage qui a donné envie au photographe de voyage de capturer le monde, Brown était un jeune de 17 ans qui se plaignait chaque fois qu'il en avait l'occasion.
Aujourd'hui vétéran de la photo depuis 12 ans, Brown s'est attaqué à toutes sortes de projets, allant de la direction de deux années d'études expéditions pour National Geographic au tournage de campagnes publicitaires avec de grandes marques comme Google, Samsung et Microsoft. Un artisan Sony, Brown voyage entre cinq et sept mois par an. Après avoir commencé comme nomade célibataire dès la sortie de l'université, ses voyages incluent désormais parfois sa femme et son fils de sept ans.
Le travail de Brown est moins axé sur une niche que celui de la plupart des photographes. Alors que faire défiler son Instagram révèle des lieux sur plusieurs continents, son travail couvre les paysages, la faune et les gens. Aujourd'hui, son travail professionnel couvre le marketing, les voyages et l'éducation photographique.
Après avoir animé plusieurs ateliers de photographie à destination, il a fondé L’objectif du don, une organisation qui s'associe à des organisations à but non lucratif du monde entier qui ont besoin d'images. Grâce aux voyages The Giving Lens, les photographes apprennent dans des endroits hors des sentiers battus, tandis que les organisations non gouvernementales obtiennent des photographies pour les aider à faire avancer leur cause.
Lors d'un atelier organisé par Adobe dans les îles Vierges, Brown s'est récemment entretenu avec Digital Trends pour partager un aperçu de son parcours photographique, de ses aventures à travers le monde et de son approche inhabituelle du style et édition. L'interview suivante a été modifiée pour plus de clarté et de longueur.
DT: Comment avez-vous commencé ?
Brun: Je me suis lancé dans la photographie uniquement par amour du voyage. J'ai littéralement été mordu par le virus du voyage et j'ai réalisé que voyager et l'idée d'être en dehors de ma zone de confort était quelque chose comme ça, c'était vraiment excitant pour moi. J’ai fait un voyage du genre Habitat pour l’humanité (ce n’était pas vraiment avec eux, mais un voyage comme ça) quand j’avais 17 ans. C'était très difficile et nous construisions des écoles et posions du béton. Je pense que j'étais plutôt malheureux pendant le voyage – je me plaignais beaucoup. Mais rétrospectivement, même quelques semaines plus tard, j’ai réalisé à quel point cela m’avait changé.
J'ai acheté des billets aller simple et travaillé sur des projets et un projet mènerait au suivant.
Quand j'ai fait mes études, j'ai pris un semestre ici et là pour voyager et au moment où j'ai obtenu mon diplôme, je savais que je voulais reprendre la route. Je me suis lancé dans la photographie uniquement parce que je pensais que ce serait un véhicule qui me permettrait de recommencer à voyager.
J’étais célibataire et nomade à l’époque donc je n’avais aucun lien. Je n’avais aucune ancre, rien qui me retenait à la maison et j’ai donc commencé à voyager partout. J'ai acheté des billets aller simple et travaillé sur des projets et un projet mènerait au suivant. J'ai commencé en Asie du Sud-Est et j'y ai vécu pendant plusieurs années, écrivant pour le Sierra Club et une poignée d'autres endroits et je viens de construire mon portfolio. C'est deux ans plus tard que j'ai été embauché par Nat Geo pour les aider dans leurs programmes d'expédition.
DT: Comment votre processus a-t-il changé à mesure que vous acquérez plus d'expérience ?
Je pense que plus j’ai pris de photos, plus j’ai pu découvrir ce que j’aime photographier, comment je photographie et comment j’aime traiter. [J'ai développé la capacité] de conceptualiser et d'imaginer une scène comme je veux la tourner lorsque je suis absent là sur le terrain et j'ai une idée de la façon dont je pourrais vouloir le traiter pour que ce soit une pièce complète. Je trouve les histoires intéressantes en termes de ce que je capture.
Souvent, j’essaie d’évoquer des émotions avec mes images. Je pense que c’est un peu comme ça qu’il faut capter l’attention des gens de nos jours. Je trouve que plus je tourne longtemps, plus je parviens à affiner les différents éléments que j'aime rechercher dans une scène, les différents styles de façon dont j'aime filmer. photographiez comme les vitesses d'obturation pour l'eau et différents sujets que je trouve plus intéressants, plus excitants ou qui capturent la meilleure image possible avec le donné scène.
La technologie a également beaucoup aidé dans ce processus, tant au niveau du post-traitement que du travail sur le terrain. Des choses comme l’amélioration des capteurs – ces éléments ont certainement contribué à rendre mon processus plus facile, plus efficace et plus efficient sur le terrain. Avant, tant du point de vue de l'expérience que de la technologie, je n'avais peut-être pas la capacité de créer autant de contenu que possible à partir d'un projet ou d'un voyage donné. Après 12 ans, j’ai assez bien peaufiné le processus. Je suis certainement toujours à la recherche de moyens de m’améliorer, mais on apprend en cours de route et on découvre ce que l’on veut et comment on veut tirer.
DT: Quels conseils donneriez-vous à un nouveau photographe débutant ?
Si vous débutez, je vous donnerais deux conseils. La première chose que je donnerais est de ne pas avoir peur d’échouer. Je pense que trop de gens n’essaient pas et ne se lancent pas dans le giron, n’essaient pas de nouvelles choses parce qu’ils ont peur de ne pas être bons dans ce domaine ou de ne pas réussir. Dans n’importe quel secteur, en général, les personnes qui réussissent le mieux, que ce soit sur le plan émotionnel ou financièrement, leur succès repose généralement sur une série d’idées qui ont échoué et ils en ont tiré des leçons. erreurs. Mais ils étaient prêts à essayer de se dépasser.
Apprenez des mauvaises images que vous prenez.
Le prochain conseil que je donnerais serait d’essayer de tirer les leçons des mauvaises images que vous prenez. C’est un concept difficile à saisir pour certains car on veut toujours mettre en valeur le beau côté des choses. Si vous regardez nos Instagram, ce sont des regards sélectionnés sur nos vies, mais en réalité, quand j'ai débuté, j'ai appris beaucoup plus de choses grâce à les 99 images que j'ai prises étaient de la merde que la seule image qui s'est avérée géniale parce que j'ai eu de la chance, parce qu'à l'époque, je ne savais pas qui j'étais faire.
Je revenais et étudiais ceux que je n’aimais pas et j’essayais de comprendre pourquoi. Est-ce que quelque chose d'évident, comme un flou ou une mauvaise composition? Était-ce le placement du sujet? Était-ce la tonalité des couleurs? Ai-je eu une bonne ou une mauvaise exposition? Dans ce spectre, qui est-ce que je n’aime pas? En faisant cela et en plongeant vraiment dans les erreurs que je pensais commettre, cela m'a aidé à peaufiner ma vision ou le fil conducteur de ce que j'aime photographier, de la manière dont j'aime photographier et de la façon dont j'aime photographier processus. J’ai pu apprendre de ces erreurs plutôt que de me concentrer uniquement sur les gagnants ou les trophées pour lesquels j’ai eu de la chance parce que j’étais encore en train de le comprendre à l’époque. Ne jetez pas et ne supprimez pas les images que vous ne jugez pas géniales. Essayez plutôt de réfléchir à des moyens d’en maximiser le potentiel. Apprenez de vos erreurs et essayez de ne pas les commettre la prochaine fois.
DT: La plupart des photographes ont un style spécifique, c’est tout eux. Mais vous abordez cela différemment, image par image.
Absolument. En même temps, si vous aimez la plupart des photographes, la plupart des gens qui font cela professionnellement, ils se spécialisent. Un tel sera un photographe paysagiste qui se concentrera sur les montagnes et quelqu'un d'autre qui ne fera que des portraits en studio et peut-être qu'il ne photographiera que des femmes. Personnellement, je trouve que la cohérence au sein du spectre créatif semble un peu limitante. J'ai toujours voulu photographier une grande variété de choses, et dans cet espace, je veux que chacune de ces choses différents sujets pour se tenir seuls, se démarquer et raconter leur propre pièce afin que ces images se sentent unique.
Je pense que si vous regardez l’étendue de mon portefeuille, j’ai l’impression qu’il pourrait y avoir une sorte de fil conducteur qui est quelque peu lié à travers eux, mais ce n’est pas aussi évident à vos yeux. Certains photographes, chacune de leurs images a la même stylisation. Pour moi, c’est comme si le photographe imprimait son style sur le monde naturel ou sur tout ce qu’il vit.
J’essaie de m’abstenir quelque peu de cela, d’au moins équilibrer le sentiment ou l’idée de la réalité et ce dont je me souviens avoir été là… Je ne veux pas créer de fausses images, mais je veux laisser les gens ont au moins une chance, une opportunité, un aperçu de ce que cela fait de regarder un gorille à dos argenté ou de voir une cascade en Islande ou d'assister à un magnifique coucher de soleil sur la Vierge américaine Îles. Si je peux résumer cela, alors je préfère renoncer à l’idée que je dois imprimer mon seul style simplement parce que cela pourrait être gratifiant d’un point de vue commercial ou du point de vue des algorithmes des médias sociaux.
DT: Pouvez-vous nous parler de votre processus de post-édition ?
C’est un peu différent pour chaque image. J'aime regarder chaque image et me demander: d'accord, quelle est cette histoire que j'essayais de raconter? Qu’est-ce qui m’a captivé au départ? Pourquoi ai-je pris cette photo? Je pense que cela dicte la façon dont je traite et ce que j'aime utiliser.
Il y a probablement quelques choses qui sont similaires ou que je recherche lorsque je commence à traiter mes images, comme jouer avec les ombres et ajuster un peu la plage dynamique. Mais pour l’essentiel, j’essaie de garder un œil attentif sur le pouls ou sur cette notion de ce que j’essayais de capturer sur le terrain et de ce que j’ai ressenti là-bas lorsque j’ai était de le capturer, et comment mieux résumer que j'utilise le post-traitement et ces outils pour aider à accentuer ces sentiments initiaux, le but initial donc de parler.
Si vous parcourez mon portfolio, si vous lisez mon Instagram, il y aura probablement des points communs dans termes des schémas de couleurs et des choses que j'aime photographier, mais le traitement pour chacun d'eux est différent. Certains seront assez sombres, d’autres plus clairs et plus lumineux. Le caractère unique de ces scènes que je ressentais exigeait les pièces qui, selon moi, créaient les éléments les plus attrayants pour cette photographie.
DT: Vous utilisez Adobe Lightroom pour l'édition. Quels sont les outils incontournables, en particulier pour les nouveaux utilisateurs ?
Il y en a quelques-uns. Je pense que le panneau HSL en général, le panneau de teinte, de saturation et de luminance, est probablement un panneau que la plupart des gens ne comprennent pas complètement, c'est pourquoi ils ne l'utilisent pas.
Si vous pensez à la plupart des photographes émergents ou débutants, les deux éléments les plus souvent exagérés sont la netteté et la saturation. Généralement, avec la saturation, ils prennent le curseur de saturation ou de vibrance et le déplacent vers la droite jusqu'à ce qu'ils pensent qu'il ressort ou soit beau. Le problème est que vous augmentez généralement la saturation sur tout le pli ou au moins sur la majorité des tons de l’image, et vous ne le souhaitez pas nécessairement.
Personnellement, j'utilise le curseur HSL parce que je peux dire que les verts devraient ressortir un peu plus car ils constituent une partie importante de la scène, de cette personne ou de ce paysage. Ou peut-être le blues, peut-être que je veux les atténuer un peu. Personnellement, je pense que la tonalité des couleurs ainsi qu'une exposition générale, la luminosité de l'image ou certains éléments de votre image peuvent dicter l'atmosphère ou la manière dont l'image est représentée. Si vous pensez à un portrait, très sombre et plein de contraste, vous ressentez une sensation très différente de celle que vous ressentez sans contraste. Si vous photographiez une cascade et que vous pensez qu’elle est trop sombre ou trop lumineuse, celles-ci dégagent des sensations différentes.
La tonalité de couleur des tons bleus vous fera sentir froid, les tons plus oranges vous feront sentir plus chaud, donc le curseur HSL me donne un contrôle plus fini. Je peux dire que ces tons de couleur, je veux soit en ajuster la teinte, soit en tonalité, je veux augmenter la saturation, ce qui est plus important. punch, ou je souhaite augmenter la luminosité ou la luminance de ces teintes spécifiques pour les accentuer ou les atténuer dans les limites données scène. Je pense qu'une fois que vous commencez à expérimenter ces choses, cela ouvre une toute nouvelle porte pour regarder vos images et faire passer les choses au niveau supérieur, pour commencer à faites des choix plus subjectifs concernant votre style de traitement et la manière dont vous pouvez accentuer le sujet ou la raison pour laquelle vous avez pris cette photo au départ.
DT: Quelles sont les choses les plus folles qui vous sont arrivées pendant votre voyage ?
Nos réseaux sociaux créent le look soigné. Vous ne savez pas les fois où j’ai été là-bas où j’ai attrapé Giardia quatre fois ou j’ai eu le paludisme deux fois. J'ai glissé des cascades et raté à peine des rebords qui m'auraient gravement blessé. Des choses comme ça arrivaient plus fréquemment que maintenant que j’ai un fils.
Maintenant, les expériences les plus marquantes ou les plus folles qui me touchent le plus personnellement concernent généralement la faune. Il y a quelque chose d'unique dans ce lien que j'établis avec un animal, que je sois en Nambie pour photographier des guépards, en Ouganda pour photographier des gorilles à dos argenté ou au Brésil pour photographier des jaguars. Avoir ces moments où l’animal s’approche trop près pour être à l’aise ou ce genre de moment intime où je suis capable de capturer quelque chose, cela vous donne un petit contrôle instinctif. Peut-être que j'aurais dû faire ça un peu plus intelligemment ou peut-être que je ne devrais pas être si proche. Cela me donne une idée de la perspective, de la place et de mon rôle dans ce monde géant dans lequel nous vivons. Ce sont souvent généralement les plus transformatrices et pour moi, ce sont certaines de mes meilleures images personnelles sur lesquelles je repense et me souviens des défis qu'il a fallu pour arriver à ces endroits. Le simple fait d’être en leur présence est une véritable leçon d’humilité.
DT: Avez-vous autre chose à ajouter ?
L’une des choses que je regrettais dès mes débuts, c’était de ne pas profiter des liens avec la communauté. Nous n’en avions pas beaucoup. Je pense qu’à notre époque, c’est le moment idéal pour devenir photographe, non seulement en raison des outils et de la technologie disponibles, mais aussi en raison de la communauté. Autrefois, la photographie était cette forme d’art isolée que vous pratiquiez généralement, mais qu’en général aucun de vos autres amis ou collègues ne pratiquait. Maintenant, vous avez ces communautés massives, ces rencontres et ces promenades photo sur Instagram. Profitez-en, apprenez de vos pairs. Essayez de ne pas considérer tout le monde comme une compétition et profitez vraiment du fait que nous avons la chance de pouvoir le faire maintenant. Partager avec d’autres personnes avec des choses comme les réseaux sociaux est tout simplement génial.
