"En tant qu'artiste, votre travail consiste uniquement à rendre la musique aussi cool et folle que vous le souhaitez."
L’art de capturer et de manipuler la boucle infinie est une chose délicate. Faites-le correctement et vous pourrez emmener un auditeur dans un voyage qui n’est jamais tout à fait le même d’une minute à l’autre, malgré l’élément constant de répétition. Si vous vous trompez, c’est un aller simple pour Yawnsville.
Heureusement que nous avons le trio Battles, originaire de Brooklyn, pour nous montrer comment cela doit être fait. Sur leur nouvel album La Di Da Di, sorti vendredi prochain via Warp Records sur différents formats, Battles plie et façonne ses boucles à volonté, allant de l'intensité multi-mouvements du morceau d'ouverture Le Yabba au drame percussif de La non-violence au ping 'n' shuffle bouillonnant de Mégatouche.
Comme indiqué, même si ces boucles créent un semblant de structure, la direction suivante d'une chanson dépend de la créativité des musiciens impliqués, surtout lorsqu'ils sont sur scène. "Dans ces nouvelles chansons, nous n'avons pas nécessairement beaucoup reconnu le format de la chanson pop", observe le guitariste de Battles, Ian Williams. « Et c’est suffisamment ouvert pour que nous puissions interpréter les chansons comme nous le souhaitons sur scène. Je découvrirai peut-être un nouveau plug-in en cours de route, puis je ferai en sorte que cela se produise pour créer une nouvelle section dans la chanson où je créerai de nouveaux sons de guitare fous. Cela fonctionne toujours dans le contexte de la chanson, et cela ne cesse pas d’être la chanson. »
Digital Trends a appelé Williams lors d'une tournée en Caroline du Nord pour discuter de la marque unique de la magie des boucles, la lutte entre l'art et le commerce et la façon dont les chansons de Battles continuent d'évoluer dans un live paramètre.
Tendances numériques: je dirais la façon dont vous travaillez avec vos boucles La Di Da Di montre que c'est pratiquement une science.
Ian Williams: Eh bien, nous avons toujours fait des boucles en tant que groupe. Et quand vous parlez de le faire en direct, il y a l’immédiateté d’être une photographie instantanée. C’est déjà un peu éloigné du fait que vous y « jouiez », et cela devient quelque chose d’un peu plus ONU-humain. Cela crée beaucoup de possibilités – manipulation et emmener la musique dans un endroit différent de celui que vous pourriez si vous la jouiez réellement.
C’est une bénédiction et une malédiction. Cela a ses limites et ses inconvénients. L’une est cette chose monolithique qui ne cesse de se répéter tout au long de la chanson. Mais c’est la chose avec laquelle nous avons toujours eu du mal au sein de ce groupe: comment garder cela intéressant et comment le faire évoluer. Pouvons-nous réellement changer la tonalité de la chanson? Pouvons-nous donner une pause à vos oreilles pour que vous n’ayez plus à entendre la même chose? C’est l’une des choses avec lesquelles nous travaillons et qui nous exploite trop étroitement, mais parfois cela nous permet d’aller plus loin que ce que nous pourrions faire en jouant.
Je vois cela comme un concept libérateur pour vous. Comment le matériel que vous avez utilisé pour réaliser vos loops a-t-il évolué au fil des années ?
Au tout début, j’utilisais l’Akai Head Rush, ces pédales plus anciennes des années 90. Et puis assez rapidement, nous avons tous eu des Gibson Echoplex, les numériques. Avec ceux-ci, vous pouvez synchroniser les pédales ensemble.
Dave [Konopka, guitariste/bassiste] utilise toujours le sien; il en a quelques-uns. Je me suis éloigné de cela et j'ai évolué vers Ableton. Ableton, pour moi, c'était comme quand vous avez une pédale et que vous pensez: « Oh, je peux le faire ». ce, donc si j’avais deux pédales, je pourrais en faire deux fois plus. La révélation pour moi avec Ableton a été que je pouvais faire 300 fois plus, en termes de création de boucles et de plusieurs choses en même temps. Et puis je deviens fou avec ça. À ce stade, je suis Digital Dude et Dave est Analog SoundWorld Pedal Dude.
C’est un joli contraste, compte tenu des débuts du groupe.
Les gens passent une éternité à essayer de mettre le doigt sur ce qu’est le son numérique et ce qu’est le son analogique. Nous avons discuté du fait que Dave devrait peut-être se procurer Ableton, car technologiquement, vous pouvez faire plus de choses avec. Mais c’est en fait une mauvaise idée: nous garder dans les deux mondes permet d’élargir le spectre de notre son et nous obtenons parfois le meilleur des deux mondes. Il y a plus d’aspect costaud dans l’analogique, mais il y a cette précision folle que l’on peut obtenir du numérique.
Parce que vous êtes un joueur autodidacte et que Dave vient d’une formation en design, vous vous battez souvent contre la structure plutôt que de dire « Voyons où ça va ».
Yeah Yeah. Dave est un peu minimaliste, musicalement parlant, et moi, je suis un peu maximaliste: « Rendons ça plus intense!
"Les gens passent une éternité à essayer de mettre le doigt sur ce qu'est le son numérique et ce qu'est le son analogique."
Nous arrivons finalement au juste milieu de ce qu’est une chanson. Pour nous, il n’y a pas de chef d’orchestre. C’est un comité où nous devons tous les trois convenir que quelque chose va bien. Mais il est parfois difficile de nous mettre tous d’accord.
Tome, Mijotage d'été semble être le maillage parfait des idées de chacun – et vous avez ce grand vent vers la fin.
Ouais ouais ouais. Sur cette chanson, j'ai utilisé Ableton Push pour accéder à ce réglage répété des doubles croches, dans l'intro. The Push a rendu cette chanson possible.
Comment les gens devraient-ils écouter cet album? Le MP3 nous prive-t-il de l'expérience d'obtenir toutes les textures des boucles et des compositions ?
Euh, mec, c'est tellement bizarre ces jours-ci. Ce qui m'empêche de répondre à votre question, c'est que plus je joue de la musique depuis longtemps, plus je suis confus quant à la façon dont elle est diffusée et consommé, et plus je me concentre sur la création de musique et sur le fait de laisser les gens autour de moi décider si elle sera sur une liste de lecture Spotify et des choses comme que.
Plus nous sommes soucieux de sa présentation « correcte », plus cela peut le gommer. Je crois qu'en tant qu'artiste, vous avez la responsabilité de faire la meilleure chose que vous puissiez faire. Mais la distribution de la musique est si étrange aujourd’hui: les gens écoutent de la musique sur leur téléphone portable, et même pas avec leur téléphone portable. écouteurs. (rires) Mais je sais que si vous dites: « Non, ce n'est pas pour ce format », vous vous couperez de tant de gens.
Je ne sais pas si c’est une bonne ou une mauvaise chose, mais cela vous incite en grande partie à aller au concert live. Il y avait un Article du New York Times il y a quelques semaines dans la section Médias sur la nouvelle économie numérique et ses avantages pour les artistes. Dans ce document, on parlait beaucoup de la façon dont les ventes de billets de concert au cours des 20 dernières années ont connu une tendance à la hausse alors que les ventes de disques ont connu une tendance à la baisse. Le truc enregistré n’est plus qu’une façon de dire: « Hé, viens voir le spectacle. » C’est peut-être comme ça que ça se passe maintenant.
C’est tout le contraire des années 60 et 70, où l’album était la référence. L’album est désormais considéré comme un avant-goût de ce que vous obtiendrez en venant au concert. Mais l’expérience live est l’un des rares domaines dans lesquels nous pouvons rassembler les gens de nos jours sur la même longueur d’onde et autour de la même chose.
Nous sommes gauchers et expérimentaux dans la tradition du bricolage. J'essaie de ne pas être trop précieux à ce sujet. Il y avait aux États-Unis dans les années 60 et 70 un moine bouddhiste nommé Chögyam Trungpa, qui était branché auprès des hippies et d’Allen Ginsberg. Son truc, c’était que lorsqu’il enseignait le bouddhisme, ce n’était pas seulement un texte sacré qui ne devait être enseigné qu’en anglais. le temple, mais qu'il soit accessible à tous, comme un magazine en vente dans les rayons des supermarchés. C’était bien d’être disponible partout.
"Nous sommes gauchers et expérimentaux dans la tradition du bricolage."
J'y pense parfois avec la musique. Si vous le mettez dans une publicité télévisée, je suis d’accord, car cela permet à davantage de gens d’entendre votre travail. Il ne s’agit pas d’être dans un musée. En tant qu'artiste, votre travail consiste uniquement à rendre la musique aussi cool et folle que vous le souhaitez. Après ce point, comment cela est-il diffusé dans le monde, eh bien, comment gagner de l’argent avec votre musique? Êtes-vous ou non un homme d’affaires intelligent? Je sais que c’est une conversation totalement différente de celle de « Faites-vous de la musique « cool »? » Je préfère me concentrer sur la création de musique cool et intéressante.
Parlons de cette expérience en direct. Avec tous les éléments que vous traitez sur scène, comment cette dynamique va-t-elle changer maintenant que vous avez un nouveau disque à jouer ?
En tant que batteur, John a toujours joué de la grosse caisse, de la caisse claire, du charleston et du crash, et c'est ce qu'il fait. Il est l’élément acoustique traçable du groupe. Vous le voyez frapper la caisse claire et vous comprenez ce son.
Et puis Dave se penche sur ses pédales, effectue un balayage de filtre ou récupère une boucle d'une pédale à une autre. Et puis avec mes trucs, je déclenche un synthétiseur et je joue de la guitare en même temps. Je joue généralement de la guitare et du clavier en même temps – le clavier avec ma main droite et la guitare avec ma main gauche. Ou je déclenche des synthés et des échantillons avec ma guitare. Je fais des mix 50/50 où le synthé et ma guitare se mélangent.
Batailles - Le Yabba
Il est beaucoup plus difficile de retracer ce que nous faisons dans le récit. Vous voyez d'autres performances et vous dites: « Oh oui, le guitariste joue et j'entends une guitare. » Maintenant, chez nous, c’est beaucoup plus déroutant, mais c’est amusant de jouer avec ça. Il y a beaucoup de choses à manipuler.
Trouvez-vous que les nouvelles chansons évoluent sur scène à mesure que vous les jouez ?
Pour nous, cela dépend de notre programme de tournée et si nous avons deux semaines de congé où nous pourrions tous être dans la même ville. tout de suite et nous pourrions réellement répéter, car il y a probablement la moitié du disque que nous ne savons pas jouer correctement maintenant. Nous devons encore répéter ces chansons et je veux toujours savoir comment les jouer en live. J’ai hâte d’apprendre à les jouer. En ce moment, nous faisons Le Yabba, et celui-là devient de plus en plus serré. Nous faisons également FF Bada, et c'est assez jouable.
"Pour nous, il n'y a pas de chef d'orchestre."
Dans la mesure où nous sommes un groupe électronique, le problème avec le musicien électronique est: « Vous venez de me voir appuyer sur un bouton ». C’est là l’étendue de la relation artiste-foule. La foule dit: « OK, vous avez appuyé sur un bouton; et alors?" Ce que vous ne comprenez pas, c'est: « Vous n'avez pas vu toute la journée où j'ai dû être très intelligent sur la façon dont j'ai programmé cette chose pour que cela se produise! Ce sont toutes les choses qui se cachent derrière la pression d’un bouton et que vous n’avez pas pu voir. J’ai très intelligemment compris comment faire tout cela et je l’ai évoqué sur scène avec moi pour que cela se réalise.
Ce n’est pas du genre: « Oh mon Dieu, je viens de voir Eddie Van Halen jouer cet incroyable solo de guitare de 15 minutes. » Maintenant, c'est comme: "Ouais, c'est le gars qui appuie sur le bouton – mais bon sang, était-ce brillant, la façon dont il devait le faire! » C’est bizarre la façon dont cela se manifeste ou non.
