El guitarrista de Battles, Ian Williams, habla sobre La Di Da Di, tocando en vivo

"Como artista, tu trabajo es sólo hacer que la música sea tan genial y loca como quieres que sea".

El arte de capturar y manipular el bucle infinito es complicado. Si lo hace bien, podrá llevar al oyente a un viaje que nunca será el mismo de un minuto a otro, a pesar del constante elemento de repetición. Si lo hace mal, obtendrá un billete de ida a Yawnsville.

Lo bueno es que tenemos al trío Battles, criado en Brooklyn, para mostrarnos cómo se debe hacer. En su nuevo álbum Ladi Dadi, que se lanzará el próximo viernes a través de Warp Records en varios formatos, Battles dobla y da forma a sus loops a voluntad, desde la intensidad de múltiples movimientos de la pista inicial La Yabba al drama percusivo de No violencia al burbujeante ping 'n' shuffle de megatoque.

Como se señaló, si bien estos bucles crean cierta apariencia de estructura, el siguiente paso de una canción depende de la creatividad de los intérpretes involucrados, especialmente cuando están en el escenario. “En estas nuevas canciones, no necesariamente reconocimos mucho el formato de la canción pop”, observa el guitarrista de Battles, Ian Williams. “Y es lo suficientemente abierto como para que podamos interpretar las canciones como queramos en el escenario. Podría descubrir un nuevo complemento en el camino, y luego haré que esto suceda para crear una nueva sección en la canción donde haré algunos sonidos de guitarra nuevos y locos. Todavía funciona dentro del contexto de la canción y no deja de ser la canción”.

Digital Trends llamó a Williams a una parada de su gira en Carolina del Norte para hablar sobre la marca única de la banda. Magia en bucle, lucha entre arte versus comercio y cómo las canciones de Battles continúan evolucionando en un concierto. configuración.

Tendencias digitales: Yo diría que la forma en que trabajas con tus bucles encendidos Ladi Dadi muestra que prácticamente lo tienes reducido a una ciencia.

Ian Williams: Bueno, siempre hemos hecho loops como banda. Y cuando hablas de hacerlo en vivo, existe la inmediatez de que sea una fotografía instantánea. Ya está un poco alejado de que realmente lo “juegues”, y se convierte en algo un poco más Naciones Unidas-humano. Crea muchas posibilidades: manipulación y llevar la música a un lugar diferente al que podrías si realmente la estuvieras reproduciendo.

Es una bendición y una maldición. Tiene sus limitaciones y sus desventajas. Una es esta cosa monolítica que se repite a lo largo de la canción. Pero eso es con lo que siempre hemos luchado dentro de este grupo: cómo mantenerlo interesante y cómo cambiarlo. ¿Podemos realmente cambiar el tono de la canción? ¿Podemos darle un respiro a tus oídos para que no tengas que volver a escuchar lo mismo? Es una de las cosas con las que trabajamos que nos ata demasiado, pero a veces nos permite ir a más lugares de los que podríamos jugar.

Lo veo como un concepto liberador para ti. ¿Cómo ha evolucionado el equipo que has utilizado para hacer tus loops a lo largo de los años?

Al principio, estaba usando los Akai Head Rush, esos pedales más antiguos de los 90. Y luego, bastante rápido, todos obtuvimos Gibson Echoplex, los digitales. Con ellos, puedes sincronizar los pedales juntos.

Dave [Konopka, guitarrista/bajista] todavía usa el suyo; tiene un par de ellos. Me alejé de eso y evolucioné a Ableton. Ableton, para mí, fue como cuando tienes un pedal y piensas: "Oh, puedo hacerlo". este, así que si tuviera dos pedales, podría hacer el doble”. La revelación para mí con Ableton fue que podía hacer 300 veces más, en términos de hacer bucles y tener varias cosas funcionando a la vez. Y luego me vuelvo loco con eso. En este punto, soy Digital Dude y Dave es Analog SoundWorld Pedal Dude.

Es un bonito contraste, considerando dónde empezó la banda.

La gente pasa una eternidad tratando de identificar qué es el sonido digital y qué es el sonido analógico. Tenemos la discusión de que tal vez Dave debería adquirir Ableton, porque tecnológicamente puedes hacer más cosas con él. Pero en realidad esa es una mala idea: mantenernos en ambos mundos hace que el espectro de nuestro sonido sea más grande y, a veces, obtenemos lo mejor de ambos mundos. Hay un aspecto más robusto en lo analógico, pero existe una precisión loca que se puede obtener de lo digital.

Como eres un músico autodidacta y Dave tiene experiencia en diseño, a menudo están luchando contra la estructura y el “veamos adónde va”.

Sí, sí. Dave es un poco minimalista, musicalmente hablando, y yo soy un poco maximalista: "¡Hagámoslo más intenso!"

Sé que a veces es bueno para mí retroceder, porque para el oyente, probablemente sea una mejor experiencia, más centrada y menos excéntrica.

Finalmente llegamos al término medio de lo que es una canción. Para nosotros no hay director de orquesta. Es un comité donde los tres tenemos que ponernos de acuerdo en que algo está bien. Pero a veces es difícil lograr que todos estemos de acuerdo.

A mi, Verano a fuego lento Parece ser la combinación perfecta de las ideas de todos, y tienes esa gran explosión cerca del final.

Si, si, si. En esa canción, utilicé Ableton Push para llegar a esa configuración repetida de semicorchea, en la introducción. The Push hizo posible esa canción.

¿Cómo debería la gente escuchar este álbum? ¿El MP3 nos priva de la experiencia de conseguir todas las texturas de los loops y de las composiciones?

Umm, hombre, es tan extraño estos días. Mi forma de evitar responder a tu pregunta sería que cuanto más tiempo he tocado música, más confundido estoy acerca de cómo se difunde y consumido, y cuanto más me concentro en hacer música y dejar que las personas que me rodean decidan si estará en una lista de reproducción de Spotify y cosas como eso.

Cuanto más valoramos la presentación “correcta” del mismo, más puede estropearlo. Creo que, como artista, tienes la responsabilidad de hacer lo mejor que puedas. Pero ahora la distribución de la música es muy extraña: la gente escucha música en sus teléfonos móviles, y ni siquiera con auriculares. (risas) Pero sé que si dices: "No, no es para ese formato", te aislarás de tanta gente.

No sé si es algo bueno o malo, pero mucho de eso te lleva a ir al concierto en vivo. Hubo un Artículo del New York Times Hace unas semanas en la sección Medios sobre la nueva economía digital y cómo es realmente buena para los artistas. En él, se habló mucho sobre cómo las ventas de entradas para conciertos en los últimos 20 años han tenido una tendencia al alza mientras que las ventas de discos han tenido una tendencia a la baja. Lo grabado ahora es solo una forma de decir: "Oye, ven a ver el programa". Quizás así sea ahora.

Eso es literalmente lo contrario de los años 60 y 70, donde el álbum era lo mejor. El álbum se considera ahora como una muestra de lo que obtendrás cuando vengas al show. Pero la experiencia en vivo es una de las pocas áreas en las que hoy en día podemos reunir a la gente en la misma página sobre lo mismo.

Somos izquierdistas y experimentales en la tradición del bricolaje. Intento no ser demasiado valioso al respecto. Había un monje budista en los Estados Unidos en los años 60 y 70 llamado Chögyam Trungpa, que estaba de moda con los hippies y con Allen Ginsberg. Todo su asunto era que cuando enseñaba budismo, no era sólo un texto sagrado que sólo debería enseñarse en el templo, sino que debería ser accesible a todos, como una revista a la venta en el pasillo del supermercado. Estaba bien que este producto estuviera disponible en todas partes.

A veces pienso en eso con la música. Si lo pones en un comercial de televisión, no me importará, porque hará que más gente escuche tu trabajo. No se trata de estar en un museo. Como artista, tu trabajo es sólo hacer que la música sea tan genial y loca como quieres que sea. Después de ese punto, ¿cómo se difunde al mundo? Bueno, ¿cómo ganas dinero con tu música? ¿Es usted un hombre de negocios inteligente o no? Sé que es una conversación totalmente diferente a la de "¿Estás haciendo música 'cool'?" Prefiero concentrarme en hacer música genial e interesante.

Hablemos de esa experiencia en vivo. Con todos los elementos con los que te enfrentas en el escenario, ¿cómo cambiará esa dinámica ahora que tienes un nuevo disco que tocar?

Como baterista, John siempre ha tocado bombo, caja, charles y crash, y eso es lo que hace. Él es el elemento acústico trazable de la banda. Lo ves tocar el tambor y entiendes ese sonido.

Y luego Dave se inclina sobre sus pedales, haciendo un barrido de filtro o recapturando un bucle de un pedal a otro. Y luego, con mis cosas, enciendo un sintetizador y tocando una guitarra al mismo tiempo. Normalmente toco la guitarra y el teclado al mismo tiempo: el teclado con la mano derecha y la guitarra con la izquierda. O estoy activando sintetizadores y samples con mi guitarra. Estoy haciendo mezclas 50/50 donde el sintetizador y mi guitarra se mezclan.

Es mucho más difícil rastrear lo que estamos haciendo en la narrativa. Ves otras actuaciones y dices: "Oh, sí, el guitarrista está tocando y escucho una guitarra". Ahora con nosotros es mucho más confuso, pero es divertido jugar con eso. Hay mucho que manipular.

¿Crees que las nuevas canciones evolucionan en el escenario cuanto más las tocas?

Para nosotros, todo se reduce a nuestro calendario de giras y a si tenemos dos semanas libres para poder estar todos en la misma ciudad. inmediatamente y podríamos ensayar, porque probablemente hay la mitad del disco que no sabemos tocar bien ahora. Todavía tenemos que practicar esas canciones y todavía quiero descubrir cómo tocarlas en vivo. Tengo muchas ganas de aprender a tocarlos. Ahora mismo estamos haciendo La Yabba, y ese se está volviendo más estricto. También estamos haciendo FF Bada, y eso es bastante jugable.

En la medida en que somos una banda electrónica, lo que pasa con el músico electrónico es: "Acabas de verme presionar un botón". Ese es el alcance de la relación artista-multitud allí. La multitud dice: “Está bien, presionaste un botón; ¿así que lo que?" Lo que no entiendes es: “¡No viste en todo el día que tuve que ser muy inteligente acerca de cómo programé esto para que sucediera! Son todas las cosas detrás de presionar el botón que no pudiste ver. Descubrí muy inteligentemente cómo hacer todo esto y lo subí al escenario conmigo para hacerlo realidad”.

No es como, "Dios mío, acabo de ver a Eddie Van Halen tocar este increíble solo de guitarra de 15 minutos". Ahora es como, "Sí, él es el chico quién presiona el botón, pero ¡vaya, fue brillante la forma en que tuvo que hacerlo! Es extraña la forma en que eso se ve o no.