Colby Browns Der Reisepass liest sich wie die ultimative Wunschliste des Fotografen – das Nordlicht in Island, das australische Outback, Jaguare in Brasilien und Gorillas in Uganda. Aber auf der allerersten Reise, die den Reisefotografen in den Drang versetzte, die Welt einzufangen, war Brown ein 17-Jähriger, der sich bei jeder Gelegenheit beschwerte.
Mittlerweile ist Brown seit 12 Jahren Fotoveteran und hat von der Leitung zweier Studienjahre an alle möglichen Projekte in Angriff genommen Expeditionen für National Geographic bis hin zu Werbekampagnen mit großen Marken wie Google, Samsung und anderen Microsoft. Ein Sony-Handwerker, Brown reist fünf bis sieben Monate im Jahr. Nachdem er direkt nach dem College als alleinstehender Nomade begonnen hatte, sind auf seinen Reisen nun manchmal auch seine Frau und sein siebenjähriger Sohn dabei.
Browns Arbeit ist weniger nischenorientiert als die der meisten Fotografen. Während scrollt durch sein Instagram enthüllt Orte auf mehreren Kontinenten, sein Werk umfasst Landschaften, Wildtiere und Menschen. Heute umfasst seine berufliche Tätigkeit die Bereiche Marketing, Reisen und Fotopädagogik.
Nachdem er mehrere Workshops zur Reisezielfotografie geleitet hatte, gründete er Die gebende Linse, eine Organisation, die mit gemeinnützigen Organisationen auf der ganzen Welt zusammenarbeitet, die Bilder benötigen. Durch die Giving Lens Trips lernen Fotografen Orte abseits der ausgetretenen Pfade kennen, während Nichtregierungsorganisationen Fotos erhalten, die sie bei der Förderung ihres Anliegens unterstützen.
Während eines von Adobe veranstalteten Workshops auf den Jungferninseln setzte sich Brown kürzlich mit Digital Trends zusammen Geben Sie Einblick in seine fotografische Reise, seine weltweiten Abenteuer und seine ungewöhnliche Sicht auf Stil und Bearbeitung. Das folgende Interview wurde aus Gründen der Klarheit und Länge bearbeitet.
DT: Wie haben Sie angefangen?
Braun: Zur Fotografie kam ich ausschließlich durch die Liebe zum Reisen. Ich wurde regelrecht vom Reisefieber gepackt und erkannte, dass Reisen und die Idee, außerhalb meiner Komfortzone zu sein, so etwas wirklich Spannendes für mich sind. Als ich 17 war, habe ich eine Art Habitat-for-Humanity-Reise gemacht (eigentlich nicht mit ihnen, aber so eine Reise). Es war eine große Herausforderung, wir bauten Schulen und legten Beton. Ich glaube, mir ging es während der Reise ziemlich schlecht – ich habe mich viel beschwert. Aber im Nachhinein, auch ein paar Wochen später, wurde mir klar, wie sehr es mich verändert hat.
Ich kaufte One-Way-Tickets und arbeitete an Projekten, und ein Projekt führte zum nächsten.
Als ich mit dem College fertig war, nahm ich mir hier und da ein Semester frei, um zu reisen, und als ich meinen Abschluss machte, wusste ich einfach, dass ich wieder unterwegs sein wollte. Ich habe mich ausschließlich mit der Fotografie beschäftigt, weil ich dachte, dass es ein Vehikel sein würde, das es mir ermöglichen würde, wieder mit dem Reisen anzufangen.
Ich war Single und damals ein Nomade, daher hatte ich keine Kontakte. Ich hatte keine Anker, nichts, was mich zu Hause hielt, und so fing ich einfach an, überall hin zu reisen. Ich kaufte One-Way-Tickets und arbeitete an Projekten, und ein Projekt führte zum nächsten. Ich habe in Südostasien angefangen und dort einige Jahre gelebt, für den Sierra Club und eine Handvoll anderer Orte geschrieben und gerade mein Portfolio aufgebaut. Es dauerte zwei Jahre, bis ich von Nat Geo angeheuert wurde, um bei ihren Expeditionsprogrammen zu helfen.
DT: Wie hat sich Ihr Prozess verändert, je mehr Erfahrung Sie sammeln?
Ich denke, je mehr ich fotografiert habe, desto mehr konnte ich herausfinden, was ich gerne fotografiere, wie ich fotografiere und wie ich gerne verarbeite. [Ich habe die Fähigkeit entwickelt], eine Szene so zu konzipieren und mir vorzustellen, wie ich sie drehen möchte, wenn ich unterwegs bin Dort auf dem Feld habe ich eine Ahnung, wie ich es möglicherweise verarbeiten möchte, damit es ein vollständiges Stück ist. Ich finde die interessanten Geschichten in Bezug auf das, was ich aufzeichne.
Oft versuche ich, mit meinen Bildern Emotionen hervorzurufen. Ich habe das Gefühl, dass man heutzutage auf diese Weise die Aufmerksamkeit der Menschen auf sich ziehen muss. Ich finde, je länger ich fotografiere, desto besser gelingt es mir, die verschiedenen Elemente, nach denen ich in einer Szene suche, und die verschiedenen Stile, die ich mag, genau abzustimmen Ich fotografiere gerne mit den Verschlusszeiten für Wasser und verschiedenen Motiven, die ich interessanter oder spannender finde oder die mit dem Gegebenen das bestmögliche Bild einfangen Szene.
Die Technologie hat auch in diesem Prozess sehr geholfen, sowohl bei der Nachbearbeitung als auch bei der Arbeit vor Ort. Dinge wie die Verbesserung der Sensoren – diese Elemente haben sicherlich dazu beigetragen, meinen Prozess vor Ort einfacher, effektiver und effizienter zu machen. Früher war ich sowohl erfahrungsmäßig als auch technisch möglicherweise nicht in der Lage, so viele Inhalte wie möglich aus einem bestimmten Projekt oder einer bestimmten Reise zu erstellen. Nach 12 Jahren habe ich den Prozess ziemlich gut verfeinert. Ich bin auf jeden Fall immer auf der Suche nach Möglichkeiten, mich zu verbessern, aber man lernt nebenbei und findet heraus, was man will und wie man fotografieren möchte.
DT: Welchen Rat würden Sie neuen Fotografen geben, die gerade erst anfangen?
Wenn Sie gerade erst anfangen, würde ich Ihnen zwei Ratschläge geben. Das erste, was ich sagen möchte, ist, keine Angst vor dem Scheitern zu haben. Ich denke, dass zu viele Menschen es nicht versuchen und nicht mitmachen, keine neuen Dinge ausprobieren, weil sie befürchten, entweder nicht gut darin zu sein oder keinen Erfolg zu haben. In jeder Branche sind im Allgemeinen die Menschen am erfolgreichsten, egal ob emotional oder emotional Finanziell gesehen basiert ihr Erfolg im Allgemeinen auf einer Reihe gescheiterter Ideen, aus denen sie gelernt haben Fehler. Aber sie waren bereit, zu versuchen, sich dort durchzusetzen.
Lernen Sie aus den schlechten Bildern, die Sie machen.
Der nächste Ratschlag, den ich geben würde, wäre, zu versuchen, aus den schlechten Bildern, die Sie machen, zu lernen. Für manche Menschen ist es schwer zu verstehen, weil wir immer die schöne Seite der Dinge zeigen wollen. Wenn Sie sich unsere Instagram-Bilder ansehen, sind das kuratierte Einblicke in unser Leben, aber in Wirklichkeit habe ich, als ich anfing, noch viel mehr daraus gelernt Die 99 Bilder, die ich gemacht habe, waren Mist, im Gegensatz zu dem einen Bild, das großartig geworden ist, weil ich Glück hatte, weil ich zu der Zeit nicht wusste, was ich war tun.
Ich ging zurück und studierte diejenigen, die mir nicht gefielen, und versuchte herauszufinden, warum. War etwas Offensichtliches wie Unschärfe oder eine schlechte Bildkomposition? War es die Themenplatzierung? War es der Farbton? Habe ich die Belichtung richtig oder falsch gemacht? Wen mag ich in diesem Spektrum nicht? Dadurch, dass ich mich wirklich mit den Fehlern auseinandersetzte, von denen ich dachte, dass ich sie mache, half mir das bei der Feinabstimmung meine Vision oder der rote Faden dessen, was ich gerne fotografiere, wie ich gerne fotografiere und wie ich es mag Verfahren. Ich konnte aus diesen Fehlern lernen, anstatt mich nur auf die Gewinner oder Trophäen zu konzentrieren, mit denen ich Glück hatte, weil ich zu diesem Zeitpunkt noch dabei war, es herauszufinden. Werfen Sie keine Bilder weg und löschen Sie keine Bilder, die Sie nicht toll finden. Versuchen Sie stattdessen, Wege zu finden, wie Sie das Potenzial aus ihnen maximieren können. Lernen Sie aus Ihren Fehlern und versuchen Sie, sie beim nächsten Mal nicht noch einmal zu machen.
DT: Die meisten Fotografen haben einen ganz bestimmten Stil. Aber man geht das Bild für Bild anders an.
Absolut. Gleichzeitig spezialisieren sich die meisten Fotografen, die meisten Leute, die das professionell machen. So und so wird es einen Landschaftsfotografen geben, der sich auf Berge konzentriert, und jemand anderen, der nur Studioporträts macht und vielleicht dabei auch nur Frauen fotografiert. Ich persönlich finde, dass die Konsistenz innerhalb des kreativen Spektrums etwas einschränkend wirkt. Ich wollte schon immer eine große Vielfalt an Dingen fotografieren, und innerhalb dieses Raums möchte ich jedes davon haben verschiedene Themen, um für sich zu stehen, sich von anderen abzuheben und ihr eigenes Stück zu erzählen, damit diese Bilder sich anfühlen einzigartig.
Ich denke, wenn Sie auf den Umfang meines Portfolios zurückblicken, habe ich das Gefühl, dass es eine Art roten Faden gibt, der irgendwie miteinander verbunden ist, aber das ist bei weitem nicht so offensichtlich. Bei manchen Fotografen hat jedes ihrer Bilder die gleiche Stilisierung. Für mich ist das so, als würde der Fotograf seinen Stil der Natur oder dem, was er gerade erlebt, einprägen.
Ich versuche, davon etwas Abstand zu nehmen, um zumindest das Gefühl oder die Vorstellung von der Realität und das, woran ich mich erinnere, auszugleichen, als wäre ich dort gewesen... Ich möchte keine falschen Bilder erstellen, aber ich möchte es zulassen Die Menschen bekommen zumindest eine Chance, eine Gelegenheit, einen flüchtigen Eindruck davon zu bekommen, wie es sich anfühlte, einen Silberrückengorilla anzustarren, einen Wasserfall in Island zu sehen oder einen wunderschönen Sonnenuntergang in den USA zu erleben Inseln. Wenn ich das auf den Punkt bringen kann, dann verzichte ich lieber auf den Gedanken, dass ich meinen einzigen Stil prägen muss, nur weil er aus geschäftlicher Sicht oder aus Sicht der Algorithmen in den sozialen Medien lohnend sein könnte.
DT: Können Sie uns etwas über Ihren Post-Editing-Prozess erzählen?
Es ist bei jedem Bild etwas anders. Ich schaue mir gerne jedes Bild an und denke: Okay, was ist das für eine Geschichte, die ich erzählen wollte? Was hat mich von Anfang an fasziniert? Warum habe ich dieses Foto gemacht? Ich habe das Gefühl, dass dies bestimmt, wie ich verarbeite und was ich gerne verwende.
Es gibt wahrscheinlich ein paar Dinge, die ähnlich sind oder auf die ich achte, wenn ich anfange, meine Bilder zu verarbeiten, wie etwa das Herumprobieren mit Schatten und das Anpassen des Dynamikumfangs. Aber größtenteils versuche ich, den Puls oder die Vorstellung dessen, was ich draußen auf dem Feld einfangen wollte, und das, was ich dort draußen empfand, genau im Auge zu behalten war es, es einzufangen, und wie man das am besten zusammenfasst. Ich verwende die Nachbearbeitung und diese Tools, um diese anfänglichen Gefühle hervorzuheben, den ursprünglichen Zweck sprechen.
Wenn Sie sich mein Portfolio ansehen, wenn Sie mein Instagram durchlesen, werden Sie wahrscheinlich einige Gemeinsamkeiten entdecken Was die Farbschemata und Dinge betrifft, die ich gerne fotografiere, aber auch die Verarbeitung für jedes davon anders. Einige werden ziemlich dunkel sein, andere werden heller und heller. Die Einzigartigkeit dieser Szenen war meiner Meinung nach die Grundlage für die Stücke, die meiner Meinung nach die fesselndsten Elemente für dieses Foto darstellten.
DT: Sie verwenden Adobe Lightroom zum Bearbeiten. Was sind die wichtigsten Tools, insbesondere für neue Benutzer?
Es gibt ein paar davon. Ich denke, dass das HSL-Panel im Allgemeinen, das Farbton-, Sättigungs- und Luminanzpanel, wahrscheinlich eines ist, das die meisten Menschen nicht vollständig verstehen, weshalb sie es nicht nutzen.
Wenn Sie an die meisten Fotografen denken, die gerade auf dem Vormarsch sind oder gerade erst anfangen, sind die beiden Dinge, die am häufigsten übertrieben werden, Schärfe und Sättigung. Im Allgemeinen nehmen sie bei der Sättigung den Sättigungs- oder Vibrationsregler und bewegen ihn nach rechts, bis sie denken, dass es knallt oder schön aussieht. Das Problem dabei ist, dass Sie im Allgemeinen die Sättigung entlang der Falte oder zumindest den Großteil der Farbtöne im gesamten Bild erhöhen, und das möchten Sie nicht unbedingt.
Ich persönlich verwende den HSL-Schieberegler, weil ich sagen kann: Hey, die Grüns sollten etwas stärker zur Geltung kommen, weil sie ein wichtiger Teil der Szene oder dieser Person oder dieser Landschaft sind. Oder vielleicht der Blues, vielleicht möchte ich ihn ein wenig dämpfen. Ich persönlich bin der Meinung, dass der Farbton sowie die allgemeine Belichtung, die Helligkeit des Bildes oder bestimmter Elemente Ihres Bildes die Atmosphäre oder die Art und Weise, wie das Bild dargestellt wird, bestimmen können. Wenn man an ein Porträt denkt, ist es super dunkel und voller Kontraste, das ist ein ganz anderes Gefühl, als wenn man keinen Kontrast hat. Wenn Sie einen Wasserfall fotografieren und denken, er sei zu dunkel oder zu hell, lösen diese unterschiedliche Gefühle aus.
Durch die Farbtöne der Blautöne fühlen Sie sich kalt an, durch die orangefarbenen Töne wärmer, sodass ich mit dem HSL-Schieberegler eine begrenztere Kontrolle habe. Ich kann sagen, dass ich bei diesen Farbtönen entweder den Farbton oder die Tonalität anpassen möchte, ich möchte die Sättigung erhöhen, was mehr ist Punch, oder ich möchte die Helligkeit oder Leuchtdichte dieser spezifischen Farbtöne erhöhen, um sie innerhalb der gegebenen Bedingungen entweder hervorzuheben oder abzuschwächen Szene. Ich denke, wenn man erst einmal anfängt, mit diesen Dingen zu experimentieren, öffnet sich eine völlig neue Möglichkeit, die Bilder zu betrachten und die Dinge zunächst einmal auf die nächste Ebene zu bringen Treffen Sie subjektivere Entscheidungen über Ihren Verarbeitungsstil und darüber, wie Sie das Motiv oder den Grund, warum Sie das Foto aufgenommen haben, hervorheben können.
DT: Was sind die verrücktesten Dinge, die Ihnen während Ihrer Reise passiert sind?
Unsere sozialen Medien sorgen für den kuratierten Look. Sie wissen nicht, wie oft ich da draußen war und viermal Giardia oder zweimal Malaria hatte. Ich bin von Wasserfällen abgerutscht und habe Felsvorsprünge, die mich schwer verletzt hätten, nur knapp verfehlt. Früher passierten solche Dinge häufiger als jetzt, wo ich einen Sohn habe.
Die einflussreichsten oder verrücktesten Erlebnisse, die mich persönlich am meisten berühren, drehen sich im Allgemeinen um die Tierwelt. Es ist etwas Einzigartiges, diese Verbindung zu einem Tier aufzubauen, egal ob ich in Namibia Geparden fotografiere, in Uganda Silberrückengorillas fotografiere oder in Brasilien Jaguare fotografiere. Wenn ich diese Momente habe, in denen das Tier zu nahe kommt, als dass ich mich trösten könnte, oder wenn es diesen intimen Moment gibt, in dem ich etwas einfangen kann, ist das ein bisschen eine Art Bauchgefühl. Vielleicht hätte ich das etwas schlauer machen sollen, oder vielleicht sollte ich nicht so nah dran sein. Es gibt mir ein Gefühl für die Perspektive, den Platz und meine Rolle in dieser riesigen Welt, in der wir leben. Das sind im Allgemeinen die transformativsten und für mich persönlich einige meiner besten Bilder, auf die ich zurückblicke und die mich an die Herausforderungen erinnern, die es mit sich brachte, an diese Orte zu gelangen. Allein die Momente in ihrer Gegenwart sind ziemlich demütigend.
DT: Haben Sie noch etwas, das Sie hinzufügen möchten?
Eines der Dinge, die ich in den ersten Tagen, als ich anfing, bereue, war, dass ich den Kontakt zur Community nicht genutzt habe. Davon hatten wir nicht viel. Ich denke, heutzutage ist es eine großartige Zeit, Fotograf zu sein, nicht nur wegen der verfügbaren Werkzeuge und Technologien, sondern auch wegen der Community. Fotografie war früher eine isolierte Kunstform, die Sie im Allgemeinen praktiziert haben, aber im Allgemeinen keiner Ihrer anderen Freunde oder Kollegen. Jetzt gibt es diese riesigen Communities und Instagram-Treffen und Foto-Spaziergänge. Nutzen Sie das und lernen Sie von Ihren Kollegen. Versuchen Sie, nicht jeden als Konkurrenz zu betrachten und genießen Sie wirklich die Tatsache, dass wir das Glück haben, dies jetzt tun zu können. Mit anderen Menschen über Dinge wie soziale Medien zu teilen ist einfach großartig.
