„Vinyl kam zurück, weil es eine Qualität hat, die wirklich zufriedenstellend ist. Die Leute hören sich mehr Platten an, weil im endlosen MP3-Katalog etwas fehlt.“
Ich denke zufällig Gebrochene soziale Szene hat einen der ironischsten Namen im modernen Rock. Wenn überhaupt, ist das stets supercoole kanadische Kollektiv eine harmonische Familie, die alle wieder zusammenbringt ein paar Jahre, um gemeinsam schöne Musik zu machen – und je mehr von ihnen sich an dem Prozess beteiligen, desto fröhlicher.
Nehmen wir zum Beispiel das erste neue Album der Band seit sieben Jahren: das mit dem ach so treffenden Namen Umarmung des Donners , jetzt bei Arts & Crafts in verschiedenen Formaten erhältlich. Nicht weniger als 18 Spieler – darunter die Hauptdarsteller Kevin Drew und Brendan Canning sowie die Alternative-Rock-Ikone Leslie Feist, die zuletzt vor mehr als einem Jahrzehnt auf einer BSS-Platte auftrat – trugen dazu bei Umarmungs reichhaltiger Klangteppich. Diese Tatsache ist dem BSS-Multiinstrumentalisten Charles Spearin nicht entgangen.
„Als Band sind wir es gewohnt, anderen Musikern Platz zu lassen“, sagte Spearin gegenüber Digital Trends. „Wenn wir einen Song schreiben, versuchen wir, ihn nicht mit unseren eigenen Ideen zu überfrachten. Wir behalten es im Hinterkopf und sagen: „Okay, [Posaunist und Gelegenheitsgitarrist] Evan Cranley ist es.“ Wir kommen hierher und nehmen es auf, also müssen wir dort etwas Platz lassen, damit er seine eigenen Ideen einbringen kann Es.'"
Allerdings muss das BSS-Kreativteam darauf achten, sozusagen zu viele Teile für zu viele Köche zu erfinden. „Oft haben wir am Ende zu viele Ideen, auch wenn wir uns zurückhalten“, gab Spearin zu. „Wir packen immer mehr Ideen in die Songs ein, und dann müssen wir gezielt bestimmte Dinge entfernen, um mehr Platz zu schaffen. In gewisser Weise ist es wie Gartenarbeit. Man muss anfangen, es ein wenig zurückzuziehen.“
Digital Trends nannte Spearin in seiner Muttersprache Kanada Nicht lange bevor BSS auf Tour ging, um zu besprechen, wie viele Instrumentaloptionen man in der Umgebung haben kann Studio führt zu Inspirationen, wie Feist die Ehre erhielt, das Album zu benennen, und warum es immer zu Formatwechseln kommt Nostalgie.
Digitale Trends: Mir gefällt, wie Sie den Ausdruck „Raum lassen“ verwendet haben, um sich auf den Sound von BSS-Mixen zu beziehen, bei denen Sie viele für dieses Album mitentwickelt haben. Ein gutes Beispiel ist die Gesangsmischung bei einem Song wie „ Opferliebhaber, wo es mir das Gefühl gibt, mit euch allen im Studio zu sein, während es aufgenommen wurde.
Charles Spearin: Ich muss mir diesen Songtitel merken, weil wir Arbeitstitel für die Songs hatten, während wir an ihnen arbeiteten, und am Ende mussten wir uns dann die richtigen Titel ausdenken (lacht). Also Opferliebhaber ist das, in dem Amy [Millan] und Kevin [Drew] zusammen singen, oder?
Ja, das ist es.
Nun, es ist eine kleine Herausforderung, alle Ideen in solchen Songs umzusetzen. Das größte Problem, das wir haben, besteht darin, zu viele Ideen zu haben – was meiner Meinung nach ein schönes Problem ist.
Ja ich stimme zu. Ich muss Sie etwas zu den Credits des Titeltracks fragen. Du spielst nicht nur E-Gitarre Umarmung des Donners, Sie werden auch als Spieler von „Air Spray Percussion“ aufgeführt. Äh, was ist das genau?
Ich schätze, ich muss die Credits selbst lesen! Das Luftspray-Ding (macht Sprühgeräusche) – es klang tatsächlich wie ein Drum-Machine-Snare-Drum-Sound aus den 80ern, also mussten wir es aufnehmen.
Erwischt. Ist es für Sie ein Instinkt, welches Instrument Sie für ein bestimmtes Lied spielen? Verspüren Sie eine Stimmung wie: „Okay, ich werde für dieses Mal die Nyckelharpa nehmen“?
Es Ist Instinkt, aber es ist auch ein Gefühl der Erkundung. Die Nyckelharpa [verwendet auf Mundschutz der Apokalypse] ist ein schwedisches Instrument, von dem ich noch nie zuvor gehört hatte. Es ähnelt einer Drehleier, hat aber keine Kurbel. Du verneigst es wie ein Geige und es hat Knöpfe, die man spielen kann, also ist es fast wie eine Geige mit Bünden.
Es hat auch all diese „sympathischen“ Saiten. Es hat 16 Saiten und man spielt nur vier davon, alle anderen schwingen darunter mit. Wenn Sie es richtig anschlagen, können Sie einen Hackbrettklang erzeugen.
Das war also nicht so sehr: „Hey, lass uns hier eine Nyckelharpa anbringen“, sondern vielmehr: „Hey, wie klingt das Ding?“ Und dann stellt man ein Mikrofon auf, macht sich darauf ein, findet die schönsten Momente und behält sie.
Außerdem singen auf jedem Titel mehrere verschiedene Menschen gemeinsam Harmonien. Haben Sie das Gefühl, dass Sie beim Durcharbeiten der Mischungen auf eine gewisse Stimmbalance achten müssen?
Ja, das tun wir. Wir achten darauf, dass jeder angemessen vertreten ist. Manchmal sind wir in der Studio wo die Leute immer mehr Ideen für Harmonien haben und wir auf die Bremse treten und sagen müssen: „Okay, warte; Wir müssen ihr mehr Platz lassen.“ Wir legen wirklich großen Wert darauf, dass jeder auf dem Album vertreten ist und sich niemand zu sehr ausgeschlossen fühlt.
Ich glaube, ich habe tatsächlich den Überblick darüber verloren, wie viele Instrumente Sie auf diesem Album spielen.
„Das größte Problem, das wir haben, ist, zu viele Ideen zu haben – und das ist meiner Meinung nach ein schönes Problem.“
Einfach im Studio zu sein und viele Instrumente in der Nähe zu haben, ist eine Art Idee – um die Inspiration auf sich wirken zu lassen. Manchmal arbeitet man an einem Lied und jemand spielt in einem anderen Raum an einem Instrument herum, und dann kommt er herein. Also kommt Brendan [Canning] herein und sagt: „Hey, ich habe diesen Gitarrenpart“, weil er zufällig eine Akustikgitarre dabei hatte. So funktioniert es.
Wir werden das Grundgerüst des Songs in meinem Garagen-Proberaum [in der Nähe von Toronto] aufnehmen und dann ins Studio gehen und die Bed-Tracks aufnehmen. Und wir sind uns völlig darüber im Klaren, dass sich die Dinge völlig ändern werden – Dinge werden hinzugefügt und Dinge werden weggenommen. Aber es ist einfach großartig, diese aufgeschlossene Einstellung zu haben, bei der jeder eine Idee haben, ein neues Instrument verwenden und es sozusagen in den Eintopf streuen kann.
Woher wissen Sie, wann ein Track fertig ist? Ist das der schwierigste Teil des Entscheidungsprozesses – zu wissen, wann man es geschafft hat?
Das ist auf jeden Fall der schwierigste Teil, denn man kann ewig an Dingen arbeiten! Im Grunde ist ein Track fertig, wenn uns die Zeit ausgeht (beide lachen). Manchmal setzen wir uns selbst willkürliche Fristen, um dies zu fördern, aber dann brechen wir sie. Im Grunde muss man sich einfach selbst vertrauen und sagen: „Okay, das ist es.“ Das ist fertig."
Letztendlich hatten wir zwischen 40 und 50 Songs, die wir für das Album hätten fertigstellen können. Diejenigen, die die größte Begeisterung in der Gruppe hervorriefen, waren diejenigen, an denen wir weitergearbeitet haben.
Gibt es einen Titel von den 12 Songs, der es in die Endfassung geschafft hat? Umarmung des Donners Das hat Sie so überrascht, dass Sie dachten: „Wow, das ist tatsächlich schneller entstanden, als wir erwartet hatten“?
Protestlied war so. Kevin und Emily [Haines] kamen zusammen und schrieben die Grundlagen für den Song, und dann kamen wir in meinen Proberaum und schrieben ihn um. Wir hatten es in der gleichen Tonart und im gleichen Tempo wie ein anderes Lied, das wir fast fertig hatten, also haben wir am Ende die beiden Lieder miteinander vermischt.
Kaputte soziale Szene – Vanity Pail Kids (offizielles Video)
Und da es uns als Rocksong gefiel, haben wir uns entschieden nicht irgendwelche lächerlichen Overdubs zu machen. Es besteht im Wesentlichen aus Gitarre, Bass, Schlagzeug und Gesang. Es fühlte sich großartig an, es zu fünft zu spielen, also haben wir uns darauf beschränkt, es so einfach wie es ist zu halten. Der Song ist so wie er ist wirklich gelungen. Es braucht nichts anderes.
Protestlied verfügt über ein breites Stereoklangfeld, mit dem Gitarre Die Spuren waren auf beiden Seiten weit nach außen geschwenkt.
Ja, es gibt ein schönes Zusammenspiel zwischen meiner Gitarre und Kevins Gitarre mit diesen harten Pans. Ihre Aufmerksamkeit kann zwischen ihnen hin und her springen, und dann ist da noch der Gesang. Hätten wir noch mehr Instrumente drauf, wäre dieser Ping-Pong-Effekt verloren gegangen.
Vereinbart. Für mich ist die Reihenfolge immer noch ein Schlüsselfaktor, wenn ich mir Alben in der Reihenfolge anhöre, in der sie mir präsentiert werden. Und ich habe das Gefühl, dass diese 12 Lieder dem Hörer in einer ganz bestimmten Reihenfolge präsentiert werden.
„Ich denke immer noch darüber nach, ein Album in einem bestimmten Bogen zu erstellen, mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende.“
Ja! Das ist eine weitere unserer großen Diskussionen – die Auswahl der Songs und die Festlegung der Reihenfolge. Es gab sechs weitere Lieder, die wir fertig hatten. Es waren vielleicht großartige Songs, aber sie passten nicht in den Gesamtbogen des Albums.
Wenn wir in dieser Band Musik machen, denken wir immer: „Alben.“ Und ich denke immer noch instinktiv daran, ein Album in einem bestimmten Bogen zu erstellen, mit einem Anfang, einer Mitte und einem Ende. Offensichtlich hören sich die Leute Alben nicht mehr von Anfang bis Ende an wie früher, aber es ist etwas in uns eingebaut, dass wir es auf diese Weise formen müssen.
Vielleicht die neue Generation, die da reinkommt Vinyl lernt, wie man Alben der Reihe nach anhört, weil sie auch physisch anders mit dem Medium interagieren müssen. Ist Vinyl für dich immer noch wichtig?
Oh ja, ich liebe es, Schallplatten auf Vinyl zu hören. Man zieht es an und geht dann davon weg, und das bestimmt irgendwie die Stimmung. Und ich denke immer noch, dass jede Seite auch eine bestimmte Stimmung haben sollte.
Ich denke, Vinyl kommt zurück, weil es eine Qualität hat, die wirklich zufriedenstellend ist, verstehen Sie? Die Leute hören sich mehr Platten an, weil in dem endlosen Katalog etwas fehlt MP3s. Und ich neige dazu, im oberen Bereich der MP3s viele seltsame Aliasing-Effekte zu hören. Manchmal lenkt es mich ab.
Debbie Hickey/Getty Images
Ich erinnere mich, dass mich früher das Knistern und Knacken von Schallplatten genervt hat, und dann hat mich das Zischen von Kassettenrekordern genervt. Jedes Medium hat seine Tücken und akustischen Schwächen, wie zum Beispiel das Überspringen von CDs. Ein Teil davon wird mit der Zeit liebenswert. Jetzt ich Liebe Das Knistern der Schallplatte und das Zischen des Tonbandes scheinen für mich einen Mix aufzuwärmen!
Ist das nicht etwas? Wenn Sie als Kind mit einer Platte aufgewachsen sind, auf der es einen Sprung gab, hören Sie es immer noch so, egal, wie Sie es jetzt hören.
(lacht) Ja! Ich erinnere mich noch an mein Exemplar von [internal-link post_id="NN"]The Beatles’[/internal-link] Das weiße Album (1968), wo weiter Ich bin so müdeAn einer Stelle gab es eine Lücke. Ich kann mir das Lied nicht anhören, ohne diesen Sprung in meinem Kopf zu hören. Ich denke also, dass Menschen, die mit MP3s als ersten Hörerfahrungen aufwachsen, im Nachhinein eine Vorliebe für dieses seltsame Aliasing entwickeln werden, das wir beide hassen! (beide lachen)
Ich weiß, dass es viele neue Bands gibt Kassetten draußen an ihren Merch-Tischen, aber da ziehe ich die Grenze zum Zuhören. Der einzige Grund, warum wir Kassetten hatten, war, dass sie tragbar waren. Sobald wir auf das nächste tragbare Medium wie CDs oder digitale Dateien umgestiegen sind, war das eine andere Geschichte.
Sie könnten auch Ihre eigenen Aufnahmen machen. Du könntest dein eigenes machen Mixtapes. Und das war wichtig. Das war ein großer Teil meines Highschool-Lebens – Mixtapes für Freunde zu erstellen und Mixtapes von Freunden zu bekommen. So haben wir unsere Musik geteilt. Das Bandrauschen und die Tragbarkeit wecken eine gewisse Nostalgie.
Und wenn Sie Wiedergabelisten erstellen Heutzutage scheint es fast zu einfach zu sein, oder? Es war eine gewisse Kunst, die Übergänge zwischen den Titeln eines Mixtapes zu gestalten. Sie haben viele Versuche unternommen, um die Aus- und Einblendungen genau richtig zu machen.
Ja! Du würdest Stunden damit verbringen, Mixtapes für Freunde zu erstellen. Vielleicht stellen die Leute deshalb wieder Tonbänder her und verkaufen sie jetzt. Die Einschränkungen haben einen gewissen Reiz.
Könnte sein, ja! Abschließend muss ich sagen, wann ich den Songtitel zum ersten Mal gesehen habe Umarmung des DonnersIch hatte das Gefühl, dass es keinen perfekteren Titel für die Platte geben könnte. Wussten Sie sofort, dass es das gesamte Gefühl des Albums auf den Punkt bringt?
Nun, es war lustig. Leslie [Feist] kam auf diesen Satz, als sie Songtexte schrieb. Gleich nachdem sie das getan hatte, sah sie uns an und sagte: „Albumtitel, genau da!“ Und wir dachten alle: „Ja, vielleicht!“ (lacht)
Im Laufe der Wochen und Monate wurde nichts anderes vorgeschlagen. Es gab keinen Plan B, also hieß es: „Okay, ich schätze, das wird der Titelsong.“ Es schien Für diese Gruppe von Leuten ist es angemessen, ein Album zu präsentieren, das irgendwie donnernd ist und gleichzeitig warm. Damals passte es, und wir wusste es passt. Also sind wir dabei geblieben.
