„Просто продължаваш да стреляш и се надяваш на щастливи инциденти. Първият процес на редактиране всъщност е във фотоапарата.“
Икона за електронна музика Моби винаги е представял индивидуалистично въртене с музиката си и той пренася тази философия в неговата прочута фотография. Дори след безброй високопоставени изложби и изложби в галерии, той все още се придържа към съветите на своя чичо Джоузеф Кугиелски, фотограф за Ню Йорк Таймс, сподели, след като го дари с един от старите си Фотоапарати Nikon F когато беше само на 10 години.
„Той каза: „Ако можете, снимайте неща, които другите хора не могат да видят“, спомня си Моби. „Ако сте работник в кабината за плащане, направете снимки от вътрешността на вашата кабина; никой друг не може да види това. Ако сте музикант, правете снимки от сцената, защото никой друг не може да види че. Като се има предвид повсеместното разпространение на фотографията, особено в дигиталната ера, смятам, че почти всичко е заснето 100 милиона пъти.“
Тази дигитална вездесъщност повлия на творческите импулси на Моби. „Като се има предвид, че половината хора на планетата правят снимки, въпросът е какво мога да направя фотограф, който може да има значение за мен и други хора и все пак да е уникален по някакъв начин“, той наблюдава. „С течение на времето започнах да се интересувам по-малко от репортажите и документирането с това, което вече е налице. The
Невинни шоу създавах свят и след това го документирах, почти като манипулиране на семиотичната връзка, която хората ще имат с изображение. Невинни, успешното галерийно шоу на Moby през 2014 г., се основаваше на идеята, че „апокалипсисът вече се е случил. Шоуто е поглед към апокалипсиса и един пост-апокалиптичен „култ към невинните“, възникнал в резултат на апокалипсиса.“1 на 18
Digital Trends се обади на Моби (истинско име: Ричард Мелвил Хол) в Лос Анджелис, за да разбере повече за това как за първи път е получил във фотографията, коя е любимата му екипировка и към какво се стреми, когато прави снимки, докато играе на сцената. Едно е сигурно: Моби обича да снима.
Дигитални тенденции: Кога за първи път разбрахте, че фотографията е важна за вас и е нещо, с което искате да се занимавате?
Моби: Докато растях, за първи път се запознах със сериозната художествена фотография чрез майка ми. Бяхме много бедни и имахме само една книга за изкуство, докато растях – книга със снимки на Едуард Щайхен от края на 19 век до началото на 20 век. Прекарах детството си многократно в разглеждане на тази книга на Едуард Щайхен (на живописност) и да бъдеш изумен от това.
Това, което ме очарова във фотографията, дори в ранна възраст, беше разбирането как тази медия може да има толкова много различни приложения. Фотографията е толкова вездесъща. Може да се използва за продажба на масло, може да се използва за демонстриране на военни зверства и може да се използва за създаване на много фина, нюансирана красота. Мислех, че това е толкова интересно, тотемно и силно.
Чичо ми (Джозеф Кугиелски) беше фотограф за Ню Йорк Таймс, така че израснах, мотаейки се с него в тъмната му стая. Той ме водеше на фотоизложби в ICP (Международен център по фотография), в Ню Йорк и на други места.
„Тъй като бях много беден, трябваше да снимам много, много избирателно, докато растях.“
Фотографията е буквално в кръвта ви, предполагам, че може да се каже.
да Когато бях на 10 години, той ми даде първия ми фотоапарат, Nikon F, който беше използвал години и години. Погледнато назад, това наистина беше амбициозна, амбициозна камера за 10-годишно дете, което никога не беше правило снимки. И тогава всяка година за рождения ми ден или за Коледа получавах друга част от фото оборудване.
Какво бихте получили – неща като нови лещи?
Винаги имах един и същ обектив, но имах точков метър. Когато бях на 13 или 14 години, чичо ми ми даде назаем малко старо оборудване за тъмна стая, което не използваше – увеличител Omega D2. Поставих го в мазето на къщата на майка ми и започнах да се уча как да смесвам химикали и да обработвам филми, да проявявам и да печатам.
Единственото нещо, което не ми липсва в тъмната стая, са химикалите, защото те наистина бяха невероятно токсични. Когато прекарвах много време в работа в тъмни стаи, просто се чувствах болен през цялото време. Особено фиксатора и спиращите бани - чувствам, че тези два химикала в частност вероятно са отнели години от живота ми.
Какво използвате сега, що се отнася до съоръженията?
Е, зависи какво снимам. Ако снимам нещо по-официално или по-обмислено, използвам Canon EOS 5D Mark II. Но имам Canon PowerShot, който използвам за неща, които са по-спонтанни, като например, ако правя снимки на сцената или ако правя подводна фотография. Ще използвам Canon PowerShot, защото снима RAW. Въпреки че е малък фотоапарат, всъщност успях да направя снимки с него и да ги отпечатам наистина, наистина големи – което ме изненадва, защото предположих, че с малки камери ще имам присъщи ограничения по отношение на това, което мога да правя, по отношение на печата.
Тъй като бях много беден, трябваше да снимам много, много избирателно, докато растях. Филмът беше скъп, химикалите бяха скъпи, хартията за проявяване беше скъпа – всичко беше скъпо. Когато започнах да снимам дигитално, започнах да снимам по същия начин, както с филм – много селективно и много пестеливо. Но с течение на времето, особено със снимките на сцената, просто си позволих да снимам постоянно.
Как разбирате кога искате да направите снимка, когато изпълнявате? Как влизате в тази нагласа?
Що се отнася до избора Какво да снимате – тъй като светлините се променят толкова бързо, не можете наистина да предвидите, дори от една секунда до следващата, какво ще получите. Така че просто продължавате да снимате и се надявате на щастливи инциденти.
За мен първият процес на редактиране всъщност е в камерата. Когато съм в хотелската си стая след шоуто, преди да поставя изображенията на публиката в Lightroom, ще погледна през камерата и ще се опитам да изтрия половината от тях. Много пъти половината от тях ще бъдат твърде тъмни, или твърде размазани, или нещо подобно.
Имате ли любими щастливи инциденти?
„Добре е да не направи още снимки на Айфеловата кула.
Има определени неща, които не трябва да се снимат отново, особено от някой, който се опитва да бъде внимателен, професионален фотограф. Можете просто да оставите някои неща на мира. Като Айфеловата кула – добре е не направи още снимки на Айфеловата кула. Искам да кажа, това е красива сграда, забележителна е, емблематична е, но освен ако не можете да внесете нещо ново в снимката на нещо, което е снимано милион пъти, вероятно е най-добре просто да продължите напред и да намерите нещо, което другите хора не са документиран.
Има уникален стил за снимане на сцена и на път.
Дори не знам как да го нарека - това е нещо като хибрид между (пауза)... автобиографичен репортаж. Едно от любимите ми произведения е Ричард Билингам, книга, наречена Рей е смях (издаден от Scalo през 2000 г.). Името на баща му беше Рей и това е този удивителен документ за семейство, израснало в жилищен комплекс в Северна Англия. На пръв поглед не можете да си представите нещо по-малко драматично или завладяващо от алкохолик, живеещ в депресиращ жилищен комплекс. Но в ръцете на фотографа Ричард Билингам той става красив, трансцендентен и сърцераздирателен и способен да предаде тези истини за човешкото състояние. Това е неговият гений в това произведение, като взема напълно светското, улавя го и го представя по начин, който е уникален и красив.
И това е ключът. Може ли да се направи и с Айфеловата кула?
Да, вероятно има фотограф, докато говорим, който прави снимка на Айфеловата кула и я улавя по начин, който е абсолютно нов и уникален.
Има ли някакъв предмет или обект, който смятате за предизвикателство, нещо, с което бихте направили нещо ново по начин, който не е правено досега?
Честно казано, това беше направено в книгата Destroyed (2011), документът за тръгване на турне. Истината е, че светът на музикантите, които отиват на турне, е документиран милиард пъти. Но разбрах, че почти всеки документ, който съм виждал за музикант на турне, започна да ми изглежда по същия начин: или бляскави снимки на музикант на сцената, груби черно-бели снимки на музикант зад кулисите или музиканти в частен самолет – и винаги информирани от усещането за блясък.
Блясък и право.
да Изживяването от турнето – в него има много малко бляскаво. Дори и да се намирате в привидно бляскава среда, тя пак е като цяло красива не бляскав. Исках да документирам смущаващата странност на турнетата, „обикновеността“ на турнето по начин, който никога преди не бях виждал. Това беше предизвикателството точно там – да документираме турнето по начин, който се чувства идиосинкратичен и честен.
„Бъдейки тези странни, многоклетъчни същества – сами по себе си, това е странно.”
Харесва ми. Когато тръгнеш на път – и аз самият съм бил там с групи – има 20 или повече часа през деня, които не са блясъкът, за който някои хора го представят. Говорейки за това, харесва ми единствената снимка, която направихте на хората, чакащи на летището.
Мм-хмм. Това е една от причините да стана приятел с Джейсън Райтман, след като той направи Във въздуха (2009), защото мисля, че той свърши страхотна работа, като показа не само липсата на блясък около пътуването със самолет, но и тази смущаваща странност. Правенето на каквото и да е пътуване и всякакъв вид обиколка, в края на деня... просто е странно.
Пътуването е странно нещо в някои отношения, ако се отдръпнете от него. Става ли някога по-малко странно, колкото повече го правиш?
Познатото мога да се чувствате по-малко странни с течение на времето, но понякога е хубаво да направите крачка назад и почти да се запознаете отново със странността на познатото. Няма наистина много в живота на никого, което, когато се изследва, да не се разкрие като странно. Всичко е.
Дори самият акт да си жив е странен във вселена, която е на 15 милиарда години, на планета, която е на 5 милиарда години. Като тези странни, многоклетъчни същества – сами по себе си, това е странно. По дефиниция в живота ни има много неща, които са познати, но това по никакъв начин не намалява тяхната странност.
1 на 15
Невинни беше огромен успех. Имате ли други големи фото проекти за чадъри, върху които работите сега?
Не. Има много информация за обработка и отговор и съм в процес на опит да разбера какъв ще бъде следващият фотопроект и фотошоу.
Едно от невероятните неща във фотографията – и напълно заявявам очевидното – е, че може да бъде нещо. Говоря конкретно за статичната фотография; двуизмерна неподвижна фотография. Много от моите приятели, които са фотографи, се насочват към експериментални филми и правят филми. Харесва ми да го правя, но в крайна сметка все още виждам толкова много сила в статично, двуизмерно изображение. Може да е абстрактно, може да е свръхреално, може да е репортажно, може да бъде напълно фантастично, измислено и измислено. Има нещо едновременно освобождаващо и плашещо в това да се опитвам да измисля следващия странен фотопроект, който правя, защото може да бъде всичко.
