Entrevista: Joey Santiago dos Pixies em Doolittle completando 25 anos

“Quando ouvi os Pixies pela primeira vez, me conectei fortemente com aquela banda. Eu deveria estar naquela banda – ou pelo menos em uma banda cover do Pixies.”

Esse foi o final Nirvana vocalista Kurt Cobain, falando sobre sua profunda reverência por os duendes, a banda pioneira de rock alternativo de Boston que aprimorou e moldou a dinâmica da música alta/suave/alta que o Nirvana cortou com perfeição em seu seminal gamechanger instantâneo de 1991, Cheira a espírito adolescente. Cobain admitiu abertamente à Rolling Stone que “Eu estava tentando escrever a melhor música pop. Eu estava basicamente tentando enganar os Pixies.”

E embora o Nirvana realmente tenha levado Espírito jovem para a estratosfera pop e além, transformando o desvio e a vivacidade da cultura rock da época, da arrogância do hair metal para a angústia alternativa-o-rama, foi o Duendes — cantor/compositor Black Francis (nascido Charles Thompson, também conhecido como Frank Black), guitarrista Joey Santiago, baixista Kim Deal e o baterista David Lovering – que realmente deu o tom para o modelo dos anos 90 que muitas bandas indie continuam a seguir hoje. Esse projeto pode ser encontrado em todo o seu segundo álbum,

1989 Doolittle, da crise estridente de Degradador para os harmônicos angulares de Aí vem seu homem para a parábola distorcida de Macaco foi para o céu para a fúria punk de Crackity Jones.

Para comemorar o 25º aniversário do álbum, o disco triplo, 50 faixas Doolittle 25 coleção (lançado hoje via 4AD e também disponível digitalmente) comemora o impacto contínuo deste álbum crucial com um excelente trabalho de remasterização, além de dezenas de demos inéditas, B-Sides e Key Peel Sessões. Sim, há realmente muito o que amar Doolittle.

A Digital Trends ligou para um par de Pixies para saber o porquê Doolittle resiste. Hoje, na Parte 1, Santiago, 49, conta ao Digital Trends como o silêncio é um elemento crucial do som característico da banda, por que você deve evitar MP3s e compartilha o segredo por trás de “The Hendrix Chord”. Na Parte 2, que publicaremos ainda esta semana, Lovering, 52, dará a sua opinião sobre o processo contínuo de Doolittle legado. Arranque e fique o dia todo, se quiser…

Tendências Digitais: Você já imaginou que haveria tanto alarde sobre Doolittle 25 anos depois?

Joey Santiago: A única coisa que sabíamos quando gravamos era que estávamos bastante orgulhosos dele, sabe? O objetivo, quando você está em estúdio, é gravar algo que dure para sempre. E aconteceu que atingimos o alvo.

Você tinha um som específico em mente quando começou a trabalhar com o produtor Gil Norton? Você deu a ele algumas dicas sobre como você gostaria de soar neste álbum?

Eu só queria que a guitarra estivesse seca, não afetada – e fizemos isso. Fui direto para o amplificador Marshall que eu tinha na época. Apenas um cabo de guitarra e o amplificador.

No início das sessões, houve um momento em que você disse: “Ahh, o Gil tem o som seco que eu quero”?

Eu penso Domar é aquele onde eu realmente, realmente notei isso. E aquela música tem que estar seco. Pelo que toco lá, não faria sentido de outra forma. É um som muito agressivo.

Além do conjunto físico de três discos, temos downloads em alta resolução e uma versão em vinil de 180 gramas do Doolittle 25. Qual a melhor forma de ouvir esta coleção? Pessoalmente, estou ouvindo mais detalhes em alta resolução.

Ah, sim, a remasterização é ótima. Para ser justo, quase não ouço nossos discos, mas ouvimos Doolittle tantas vezes no estúdio, e ficamos maravilhados. Na verdade, Gil nos ensinou como rebobinar a fita e ouvi-la da maneira certa. Nós simplesmente não conseguíamos parar de ouvir.

Você perde as sutilezas do MP3, sim. Se torna exaustivo ouvindo dessa maneira, porque a forma de onda não é nada suave, com todas as diferentes etapas. Os MP3s simplesmente não conduzem à audição ativa. Isso é o que eu acho. Quando coloco um disco de vinil, eu prestar atenção para isso. Não é música de fundo. E você vai ter que virar a coisa – o aspecto físico de virar (risos), mas o ritual vale a pena, sabe? Parece ótimo! Colocando, largando a agulha - ritual de habitual.

Estou com você nisso. Eu chamo isso de escuta marcada sempre que coloco um disco. Não são permitidas distrações.

Exatamente! Tenho uma cadeira perfeitamente alinhada e apenas sento. Estou no lugar perfeito e simplesmente ouvir.

Eu também. Você tem uma noção muito boa de quando não para tocar e deixar as músicas respirarem, como deixar Francis cantar as falas sozinho ou deixar a linha de baixo de Kim entrar antes de você atacar. Isso foi uma coisa de composição consciente quando você estava ouvindo as demos – como você se colocou na mixagem?

Sim! Foi muito pensado, sim. Eu rabisquei algo no nosso local de ensaio - isso é muito profundo, cara (risos) - eu disse: “Quando você não está fazendo nenhum som, você são.” Você realmente é. O silêncio faz parte do acordo. É um som que você está fazendo – é mais uma afirmação. É um descansar. Está ali nas notas musicais, na partitura, transcrita como pausa. Faz parte do vocabulário musical.

Porém, entendi a questão - muitas vezes, você poderia estar se esgotando ao longo de certas músicas e mudando totalmente a vibração delas ao exagerar.

Exatamente! Naquela época, era a época do heavy metal, onde as pessoas tocavam coisas constantemente, e isso não nos excitava nem um pouco. Talvez que foi o esforço consciente - para soar diferente do resto do grupo.

Isso me lembra a maneira como Andy Summers tocava no The Police - ele adotou uma abordagem muito minimalista em seus acordes e solos, e eu acho que muitas pessoas podem ter subestimado o poder disso no contexto da música em si e como ele se comparou com outras músicas mais chamativas jogadoras.

Sim, sim, posso ver isso. Especialmente no estúdio, quando estávamos praticando, ouvíamos o groove do baixo e da bateria – e isso era descolado e legal, e não queríamos estragar isso. Em alguns momentos, queríamos apenas que as pessoas se divertissem, sabe?

Estou pensando que um dos melhores exemplos disso deve ser Macaco foi para o céu - saber onde entrar e adicionar força aos refrões e deixar os versos respirarem.

Exatamente exatamente.

Esse solo foi duplicado?

Acho que poderia ter sido um single, mas sei que dobramos bastante. Depois que você começa a dobrar guitarras, fica bem viciante, sabe? É como, “Ohh!” Nós dobramos com duas guitarras diferentes, e isso dá aquilo (pausa) eu não sei o que.

Em 2009, vocês fizeram uma turnê para comemorar o 20º aniversário do Doolittle, e você tem estado na estrada com bastante regularidade desde então. Você tem uma faixa favorita em particular no álbum, que você poderia tocar todas as noites da sua vida?

Bem, infelizmente, dificilmente tocamos essa música chamada Morto.

Oh sim! Você tem uma pista excelente e assustadora sobre isso.

Eu amo isso. Eu apenas usei uma palavra, “morto”, e fui com o Psicopata vibe, você sabe - Bernard Hermann, a cena do chuveiro? (canta o rastejante Psicopata som das cordas) eu imitei o que estava fazendo durante aquela música.

Você também recebeu um bom feedback.

Mmm sim. Adoro fazer isso. Isso é difícil de fazer no estúdio. (risos) Você tem que encontrar o lugar perfeito para estar.

E então temos uma vibração um pouco diferente Crackity Jones, onde vocês estão totalmente malucos.

Sim, era apenas Charles, dando o fora. Havia um conjunto de acordes naquela música, e ele disse: “Bem, Joe, boa sorte com esta”. (ambos riem)

Mas, ei, você estava à altura do desafio.

Ah, sim – quanto mais agrupados os acordes, mais desafiador se torna.

Anteriormente, você estava me contando o quanto gostava de vinil. Que tipo de toca-discos você tem? Qual é a sua configuração?

Eu tenho uma mesa VPI com um [cartucho] Benz Micro – esses são lindos.

Ah, sim, esses são ótimos. Eu mesmo tenho uma mesa PerspeX com um cartucho Blackbird.

Ah! Legal, legal! A caneta é a parte mais importante, porque é a primeira coisa a tocar qualquer coisa, sabe? A outra coisa que gosto no vinil é que se houver algum tipo de catástrofe e você não puder ouvir música, você Não dava para fazer nada com um CD ou download, mas você poderia fazer alguma coisa pontuda e girar o vinil para escute isto.

Certo, você teria que encontrar algo parecido com uma ponta de flecha e girar o disco em seu dedo –

Sim, gosto dessa ideia. (ambos riem)

Nenhum argumento aqui. Estou feliz Doolittle 25 está saindo em vinil de 180 gramas, que você deve adorar. Você deu alguma orientação para essa mistura?

Sim, 180 gramas é uma coisa boa. Você obtém mais graves. A única coisa que eu disse foi que provavelmente deveríamos dominá-lo pela metade, no 45. Essa é a melhor experiência de alta fidelidade.

Ouvir músicas como Sr. e Nº 13 bebê - que é provavelmente minha música favorita no Doolittle - Não tenho imediatamente a sensação de “Oh, isso foi cortado no ano EM BRANCO”. Poderia ter sido cortado a qualquer momento.

Oh sim. Evitamos isso porque queríamos que nossa sonoridade fosse atemporal, para que não fosse possível definir uma data para a música. Esse é o valor de produção disso. As músicas costumam ser atemporais, mas mais do que tudo, a produção vai dar uma data às coisas.

Verdadeiro. Sempre que ouço um tambor fechado, eu digo: “Ok, isso é então 1984.”

Nos anos 70, lembro-me de pensar: “Meu Deus, o que está acontecendo com a música?” [Elton John] Liberdade de Filadélfia (1975) foi a última boa gravação antes de tudo mudar para disco - tudo mudado. Toda aquela reverberação besteira e outras coisas acontecendo. Foi como, “Oh não! O que esses caras estão fazendo?”

Seria interessante ouvir vocês fazerem um mix mono dobrável deste álbum. Eu pude ver como uma música gosta Prata, que tem aquele sotaque ocidental, seria realmente interessante em mono.

Que seria interessante. Isso seria legal. Qualquer música ficaria legal em mono. E eu também adoro estéreo, obviamente. Quadrofônico nunca conseguiu. (risos)

Sempre faltava alguma coisa nas mixagens quad. Mas o formato surround realmente oferece uma ampla escala de separação de instrumentos, além da sentir de pessoas gravando juntas em uma sala. Ian Anderson do Jethro Tull e eu conversamos muito sobre isso.

Surround, para - (pausa)... bem, não quero rotulá-los - mas surround para música progressiva como Jethro Tull e Pink Floyd faz um muito de sentido.

Sem dúvida. Então, onde você acha que as novas gerações estão descobrindo sua música? YouTube, Spotify?

Eu não faço ideia. Nós fazer têm um público jovem, predominantemente mais jovem que os mais velhos. Talvez os jovens simplesmente tenham mais energia para aguentar a franqueza. (risos) Talvez seja uma combinação deles saberem que o Nirvana foi fortemente influenciado por nós. Eles continuam dizendo isso em todos os lugares. E também talvez Clube de luta. [Onde está minha mente toca durante a cena final do filme de 1999 e durante os créditos finais.]

E esse mito do Nirvana continua crescendo.

Sim, eu amo isso. Eu amo isso. Eles são uma banda tão boa. Eles podem ter feito apenas uma música como nós, Cheira a espírito adolescente, mas eles levaram isso a um bom nível. Eu tenho que reconhecer isso. Não é essa derivada de forma alguma.

Eu vejo isso como pistas paralelas em uma rodovia. Vocês saíram pela sua própria saída e eles pela deles.

Sim, exatamente!!! Isso é legal. Você só precisa ser diferente – o mais diferente que puder.

Como eu estava dizendo antes, você entendeu como criar uma sensação de espaço em um arranjo, tornando as músicas um pouco mais especiais do que tocar a mesma coisa por 2 minutos e meio. Na verdade, quase nada Doolittle tem até 4 minutos de duração.

Contanto que uma música leve você em uma jornada, não precisa ser tão longa. Um dos exemplos que Charles deu foi: “Ouça os Box Tops - A carta.”

Certo, isso não dura nem 2 minutos! [1:58, para ser exato.] Cada nota conta. Como Buddy Holly também. Eu penso Delírio não tem muito mais de 2 minutos de duração, se é que isso acontece. [Delírio dura 1:47.]

Exatamente! Você obtém informações suficientes.

Ok, bem rápido, última coisa – você pode me dar uma declaração definitiva sobre o que você chama de “The Hendrix Chord”?

(risos) Eu simplesmente adorei! Quando eu aprendi Névoa Roxa, eu disse: “Uau, esse acorde é muito legal!” Obviamente, é como a diferença entre um menor e um maior. Um menor soa mais triste, mas esse acorde para mim tem apenas uma sensação neutra e tem aquele intervalo – o 6º intervalo, o intervalo do diabo, que as pessoas pensavam que era - mas eu gosto disso. Talvez o aspecto maligno desse acorde seja o que eu amo.

“Então Deus é 7”, como alguém disse [uma linha perto do final do Macaco foi para o céu].

(risos) Hah! Sim, está certo! Você entendeu.