Colby Brown's O passaporte parece a lista definitiva do fotógrafo - as luzes do norte na Islândia, o interior da Austrália, as onças no Brasil e os gorilas em Uganda. Mas logo na primeira viagem que deu ao fotógrafo de viagens a vontade de capturar o mundo, Brown era um jovem de 17 anos que reclamava sempre que podia.
Agora um veterano com 12 anos de fotografia, Brown abordou todos os tipos de projetos, desde liderar dois anos de estudos estudantis expedições da National Geographic para filmar campanhas publicitárias com grandes marcas como Google, Samsung e Microsoft. Um artesão Sony, Brown viaja entre cinco a sete meses por ano. Depois de começar como um nômade solteiro recém-saído da faculdade, suas viagens agora às vezes incluem sua esposa e seu filho de sete anos.
O trabalho de Brown é menos focado em nichos do que a maioria dos fotógrafos. Enquanto percorrendo seu Instagram revela locais em vários continentes, seu trabalho abrange paisagens, vida selvagem e pessoas. Hoje, seu trabalho profissional abrange marketing, viagens e educação fotográfica.
Depois de liderar workshops de fotografia em vários destinos, ele fundou A lente generosa, uma organização que faz parceria com organizações sem fins lucrativos em todo o mundo que precisam de imagens. Através do The Giving Lens Trips, os fotógrafos aprendem em locais fora do comum, enquanto organizações não governamentais obtêm fotografias para ajudar a promover a sua causa.
Durante um workshop organizado pela Adobe nas Ilhas Virgens, Brown conversou recentemente com a Digital Trends para compartilhar informações sobre sua jornada fotográfica, suas aventuras pelo mundo e sua abordagem incomum de estilo e edição. A entrevista a seguir foi editada para maior clareza e extensão.
DT: Como você começou?
Marrom: Entrei na fotografia puramente por amor a viagens. Eu literalmente fui mordido pelo vírus das viagens e percebi que viajar e a ideia de estar fora da minha zona de conforto eram algo assim, era realmente emocionante para mim. Fiz uma viagem do tipo Habitat for Humanity (na verdade não foi com eles, mas uma viagem assim) quando tinha 17 anos. Foi muito desafiador e estávamos construindo escolas e colocando concreto. Acho que fiquei muito infeliz durante a viagem – reclamei muito. Mas, em retrospecto, mesmo algumas semanas depois, percebi o quanto isso me mudou.
Comprei passagens só de ida e trabalhei em projetos e um projeto levaria ao próximo.
Quando entrei na faculdade, tirei um semestre de folga aqui e ali para viajar e, quando me formei, sabia que queria voltar à estrada. Entrei na fotografia simplesmente porque pensei que seria um veículo que me permitiria voltar a viajar.
Eu era solteiro e nômade na época, então não tinha conexões. Eu não tinha âncoras, nada que me mantivesse em casa e então comecei a viajar para todos os lugares. Comprei passagens só de ida e trabalhei em projetos e um projeto levaria ao próximo. Comecei no Sudeste Asiático e morei lá por vários anos escrevendo para o Sierra Club e vários outros lugares e acabei de construir meu portfólio. Dois anos depois disso, fui contratado pela Nat Geo ajudando em seus programas de expedição.
DT: Como seu processo mudou à medida que você ganhou mais experiência?
Acho que quanto mais fotografo, mais consigo descobrir o que gosto de fotografar, como tiro e como gosto de processar. [Eu desenvolvi a habilidade] de conceituar e imaginar uma cena como eu quero filmar quando estiver fora lá no campo e ter uma ideia de como posso querer processá-lo para que seja uma peça completa. Estou encontrando histórias interessantes em termos do que estou capturando.
Freqüentemente, tento evocar emoções com minhas imagens. Eu sinto que é assim que você deve chamar a atenção das pessoas hoje em dia. Acho que quanto mais tempo tiro, melhor ajusto os diferentes elementos que gosto de procurar numa cena, os diferentes estilos de como gosto de fazer fotografar como as velocidades do obturador para água e diferentes assuntos que considero mais interessantes, mais emocionantes ou que capturam a melhor imagem possível com o determinado cena.
A tecnologia também ajudou bastante nesse processo, tanto no pós-processamento quanto no trabalho de campo. Coisas como a melhoria dos sensores – esses elementos certamente ajudaram a tornar meu processo mais fácil, mais eficaz e mais eficiente em campo. Antes, tanto em termos de experiência quanto de tecnologia, talvez eu não tivesse tido a capacidade de criar tanto conteúdo quanto poderia a partir de um determinado projeto ou de uma determinada viagem. Depois de 12 anos, ajustei muito bem o processo. Certamente estou sempre procurando maneiras de melhorar, mas você aprende ao longo do caminho e descobre o que quer e como quer filmar.
DT: Que conselho você daria a novos fotógrafos que estão apenas começando?
Se você está apenas começando, eu lhe daria dois conselhos. A primeira que eu daria é não tenha medo de falhar. Acho que muitas pessoas não tentam e não entram no grupo, não tentam coisas novas porque estão preocupadas em não serem boas nisso ou em não conseguirem ter sucesso. Em qualquer setor, geralmente, as pessoas que são mais bem-sucedidas, quer você esteja falando emocionalmente ou financeiramente, geralmente seu sucesso é construído sobre uma série de ideias fracassadas e eles aprenderam com elas erros. Mas eles estavam dispostos a tentar se esforçar.
Aprenda com as imagens ruins que você tira.
O próximo conselho que eu daria seria tentar aprender com as imagens ruins que você tira. É um conceito difícil de entender para algumas pessoas porque sempre queremos mostrar o lado bonito das coisas. Se você olhar nossos Instagrams, verá que eles são uma curadoria de nossas vidas, mas, na realidade, quando eu estava começando, aprendi muito mais com as 99 imagens que tirei eram uma porcaria do que aquela que ficou ótima porque tive sorte, porque, na época, eu não sabia o que era fazendo.
Eu voltaria e estudaria aqueles que não gostei e tentaria descobrir o porquê. Foi algo óbvio como estar fora de foco ou ter uma composição ruim? Foi colocação de assunto? Foi tonalidade de cor? Acertei ou errei a exposição? Dentro desse espectro, de quem eu não gosto? Ao fazer isso e realmente mergulhar nos erros que pensei estar cometendo, isso me ajudou a ajustar minha visão ou o fio condutor do que gosto de fotografar, como gosto de fotografar e como gosto de fotografar processo. Pude aprender com esses erros, em vez de me concentrar apenas nos vencedores ou nos troféus em que tive sorte, porque ainda estava descobrindo isso na época. Não jogue fora ou exclua imagens que você não considera boas. Em vez disso, tente pensar em maneiras de maximizar o potencial deles. Aprenda com seus erros e tente não cometê-los na próxima vez.
DT: A maioria dos fotógrafos tem um estilo específico, que é tudo. Mas você aborda isso de forma diferente, imagem por imagem.
Absolutamente. Ao mesmo tempo, se você gosta da maioria dos fotógrafos, a maioria das pessoas que fazem isso profissionalmente, eles se especializam. Então fulano será um fotógrafo de paisagens que se fixa nas montanhas e outra pessoa que apenas faz retratos de estúdio e talvez dentro disso esteja apenas fotografando mulheres. Pessoalmente, acho que a consistência dentro do espectro criativo parece um pouco limitante. Sempre quis fotografar uma grande variedade de coisas e, dentro desse espaço, quero cada uma delas diferentes assuntos fiquem sozinhos, se destaquem e contem sua própria peça para que essas imagens pareçam exclusivo.
Acho que se você olhar para trás, para o escopo do meu portfólio, sinto que pode haver algum tipo de traço comum que está de alguma forma conectado através deles, mas não é tão óbvio na sua cara. Certos fotógrafos, cada uma de suas imagens tem a mesma estilização. Para mim, é como se o fotógrafo imprimisse seu estilo no mundo natural ou no que quer que esteja vivenciando.
Tento me abster um pouco disso, para pelo menos equilibrar o sentimento ou ideia da realidade e o que me lembro de estar lá... Não quero criar imagens falsas, mas quero deixar as pessoas pelo menos têm uma chance, uma oportunidade, um vislumbre de como é olhar para um gorila Silverback ou ver uma cachoeira na Islândia ou testemunhar um lindo pôr do sol nas Ilhas Virgens dos EUA Ilhas. Se eu puder resumir isso, prefiro abandonar a ideia de que preciso imprimir meu único estilo só porque pode ser gratificante do ponto de vista comercial ou dos algoritmos nas redes sociais.
DT: Você pode nos contar sobre seu processo de pós-edição?
É meio diferente para cada imagem. Gosto de olhar cada imagem e pensar, ok, que história é essa que eu estava tentando contar? O que é que me cativou para começar? Por que tirei esta fotografia? Sinto que isso dita como processo e o que gosto de usar.
Provavelmente existem algumas coisas semelhantes ou que procuro quando começo a processar minhas imagens, como brincar com sombras e ajustar um pouco a faixa dinâmica. Mas, na maior parte do tempo, estou tentando ficar de olho no pulso ou na noção do que estava tentando capturar no campo e do que senti lá fora quando estava capturando-o, e a melhor forma de encapsular isso [eu] uso o pós-processamento e essas ferramentas para ajudar a acentuar esses sentimentos iniciais, o propósito inicial para falar.
Se você olhar meu portfólio, se ler meu Instagram, provavelmente haverá alguns pontos em comum termos dos esquemas de cores e coisas que gosto de fotografar, mas o processamento de cada uma delas é diferente. Alguns ficarão bem escuros, outros ficarão mais claros e brilhantes. A singularidade dessas cenas exigia aquelas peças que criavam os elementos mais envolventes para aquela fotografia.
DT: Você usa Adobe Lightroom para edição. Quais são as ferramentas essenciais, especialmente para novos usuários?
Existem alguns deles. Acho que o painel HSL em geral, o painel de matiz, saturação e luminância, é provavelmente aquele que a maioria das pessoas não entende completamente e é por isso que não o utilizam.
Se você pensar na maioria dos fotógrafos que estão surgindo ou apenas começando, as duas coisas mais exageradas são a nitidez e a saturação. Geralmente com a saturação, eles pegam o controle deslizante de saturação ou vibração e o movem para a direita até acharem que ele se destaca ou fica lindo. O problema com isso é que geralmente você aumenta a saturação na dobra ou pelo menos na maioria dos tons da imagem, e você não quer necessariamente isso.
Eu pessoalmente uso o controle deslizante HSL porque posso dizer ei, os verdes deveriam aparecer um pouco mais porque são uma parte importante da cena ou desta pessoa ou desta paisagem. Ou talvez o blues, talvez eu queira subjugá-lo um pouco. Pessoalmente, sinto que a tonalidade da cor, bem como a exposição geral, o brilho da imagem ou certos elementos da sua imagem, podem ditar a atmosfera ou a forma como a imagem é retratada. Se você pensa em um retrato super escuro e cheio de contraste é uma sensação bem diferente do que se você não tivesse contraste. Se você está fotografando uma cachoeira e acha que está muito escura ou muito clara, isso transmite sensações diferentes.
A tonalidade dos tons azuis fará você sentir frio, os tons mais alaranjados farão você se sentir mais quente, então o controle deslizante HSL me dá um controle mais finito. Posso dizer que nesses tons de cores quero ajustar o matiz ou a tonalidade deles, quero aumentar a saturação que é mais do soco, ou quero aumentar o brilho ou a luminância desses matizes específicos para enfatizá-los ou diminuí-los dentro daquele determinado cena. Acho que quando você começa a experimentar essas coisas, abre-se uma porta totalmente nova para olhar suas imagens e levar as coisas para o próximo nível, para começar a faça escolhas mais subjetivas sobre seu estilo de processamento e como você pode acentuar o assunto ou o motivo pelo qual tirou aquela fotografia.
DT: Quais são algumas das coisas mais malucas que aconteceram com você enquanto você estava viajando?
Nossa mídia social cria o visual com curadoria. Você não sabe as vezes que estive lá onde peguei Giardia quatro vezes ou tive malária duas vezes. Eu escorreguei de cachoeiras e quase perdi saliências que teriam me machucado drasticamente. Coisas assim costumavam acontecer com mais frequência do que agora que tenho um filho.
Agora, as experiências pessoalmente mais impactantes ou malucas que mais me tocam geralmente envolvem a vida selvagem. Há algo único nessa conexão que tenho com um animal, quer esteja na Namíbia fotografando chitas, em Uganda fotografando gorilas de dorso prateado ou no Brasil fotografando onças. Ter aqueles momentos em que o animal se aproxima demais para me sentir confortável ou há aquele tipo de momento íntimo em que consigo capturar algo, dá uma pequena verificação intestinal. Talvez eu devesse ter feito isso de maneira um pouco mais inteligente ou talvez não devesse estar tão perto. Isso me dá uma noção de perspectiva, lugar e meu papel neste mundo gigante em que vivemos. Geralmente, essas são as mais transformadoras e, para mim, são algumas das minhas melhores imagens, pessoalmente, que olho para trás e me lembro dos desafios que foram necessários para chegar a esses lugares. Apenas os momentos de estar na presença deles são bastante humilhantes.
DT: Você tem mais alguma coisa que gostaria de acrescentar?
Uma das coisas que me arrependo desde o início, quando comecei, foi não aproveitar para me conectar com a comunidade. Não tivemos muito disso. Acho que nos dias de hoje é um ótimo momento para ser fotógrafo, não apenas por causa das ferramentas e da tecnologia disponíveis, mas por causa da comunidade. A fotografia costumava ser uma forma de arte isolada que geralmente você fazia, mas, geralmente, nenhum de seus outros amigos ou colegas fazia. Agora, você tem essas comunidades enormes, encontros no Instagram e passeios fotográficos. Aproveite isso, aprenda com seus colegas. Tente não olhar para todos como concorrentes e realmente aproveite o fato de que temos a sorte de poder fazer isso agora. Compartilhar com outras pessoas coisas como mídias sociais é simplesmente incrível.
