Drama premiado do diretor Sam Mendes 1917 leva seu público em uma viagem pelos campos de batalha da Primeira Guerra Mundial ao lado de dois jovens soldados que devem viajar atrás das linhas inimigas para entregar uma mensagem que poderia salvar milhares de soldados vidas.
Essa premissa é suficiente para torná-lo uma aventura angustiante, mas Mendes apresenta o filme como um filme único, tomada aparentemente contínua que torna a jornada da dupla uma experiência diferente de qualquer outro filme de guerra de todos os tempos feito. Integrando as sequências complicadas e baseadas em efeitos do filme com o formato de plano único de Mendes - incluindo um combate aéreo que ocorre cair na Terra e uma viagem perigosa em um rio caudaloso, entre outros elementos - foi encarregado de uma equipe de efeitos visuais liderada pelo Oscar ganhador Guillaume Rocheron (Vida de Pi).
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Com 1917 sendo um dos cinco filmes indicado ao Oscar na categoria “Melhores Efeitos Visuais” deste ano, a Digital Trends conversou com Rocheron sobre seu trabalho no filme e o processo de tornar os elementos CG do filme indistinguíveis de tudo capturado pela câmera ao longo dos personagens jornada.
Tendências Digitais: Quais foram algumas das maneiras pelas quais o estilo de cena única do filme afetou sua abordagem aos efeitos visuais?
Guillaume Rocheron: Bem, certamente foi um pedido muito incomum de efeitos visuais. O filme é contínuo, mas é muito importante que seja uma viagem. Você segue nossos jovens heróis do ponto A ao B e isso nunca para. O mundo nunca se repete. Então você tem que repensar como você projeta e aborda o trabalho.
A duração das cenas também mudou a forma como você pensa sobre os efeitos visuais. Quando você fala com supervisores de efeitos visuais, eles geralmente dizem: “Fizemos cem tomadas neste filme”, ou algum outro número parecido. O tiro é a unidade que usamos para medir o que fazemos. Mas com 1917 tivemos que esquecer o conceito de tomadas e abraçar a ideia de cenas, porque mesmo que estivéssemos costurando o filme para parecer contínuo, no final das contas, qualquer trabalho que você fizer no filme será espalhado por uma cena inteira, não apenas por uma tomada.
Por exemplo, há uma sequência em que eles cruzam a Terra de Ninguém que dura sete minutos e meio. Há muito ambiente digital lá e nunca se afasta dele. Portanto, a execução disso é difícil, mas também o design – porque normalmente você pode criar uma bela composição em uma cena e depois cortar para outra cena e seguir em frente. Não tivemos esse luxo, porque a câmera fica em todos esses lugares sem nunca cortar, então você tem que revisar seu trabalho em pedaços extremamente longos. Isso foi realmente incomum para nós.
Parece uma longa maratona em vez de uma série de sprints…
Exatamente. Os efeitos visuais são sempre um pouco como um truque de mágica. Seu objetivo é tentar fazer o público acreditar que o que está assistindo é real.
Fomos treinados para fazer mágica em cenas de quatro segundos. Se você for muito ambicioso, pode demorar 10 segundos ou até 20 segundos. Mas então você corta, e isso cria uma chance para o cérebro reiniciar para que você possa criar outra ilusão. Tivemos que esquecer tudo o que aprendemos – todos os truques – e aprender uma série de novos.
O filme rodado em IMAX adicionou outro nível de dificuldade?
Isso aconteceu. Para criar um filme único, você precisa estar absolutamente invisível o tempo todo. Faço efeitos visuais há 20 anos e muitas vezes você é chamado para criar coisas fora do comum, como um alienígena em um filme de ficção científica ou super-heróis fazendo coisas extraordinárias. Neste caso, tratava-se de criar a ilusão de um mundo que nunca se repete. Se em algum momento o público detectar que estamos fazendo a transição de uma tomada para outra porque o trabalho da câmera não parece muito fluido, você quebra a ilusão – e de certa forma quebra o filme.
Tivemos o grande [diretor de fotografia vencedor do Oscar] Roger Deakins (Blade Runner 2049, Verdadeira coragem) filmando o filme, e seu trabalho de câmera é incrivelmente fluido. Isso é algo que tivemos que incorporar no nosso trabalho também, porque não importa como fizemos as transições – às vezes com técnicas simples e às vezes com técnicas muito complicadas com personagens digitais e ambientes digitais e coisas que você precisa iluminar e renderizar - tivemos que estar atentos a isso e garantir que fluísse com o resto do filme e a câmera trabalhar. Esse foi o grande desafio para nós: sermos tão invisíveis quanto pudéssemos.
Existe alguma cena em particular que foi realmente desafiadora para você?
A cena do avião foi interessante porque resume muito da nossa filosofia neste projeto. Tivemos que mostrar o combate aéreo e o avião caindo em um celeiro sem nunca desviar o olhar. Sam insistiu: “Não se incline para o céu” e “Não olhe para a parede para criar uma transição”. Então tinha que ser suave e fluido. É o que nossos personagens estão vendo.
O duelo no céu que criamos digitalmente com aviões CG, e quando o avião bate no celeiro, é uma mistura de simulação digital. Fizemos a transição para uma réplica do avião que criamos com nossa equipe de efeitos especiais, que filmamos contra uma tela azul, colocamos em uma rampa e batemos em uma réplica do celeiro. Em seguida, pegamos aquela combinação do plano digital e do plano de efeitos especiais e os misturamos perfeitamente, depois adicionamos isso à cena com os atores onde não havia nenhum avião.
Então finalmente chegamos ao ponto em que o avião caiu e parecia real com a combinação de CG e efeitos especiais, mas então tivemos que fazer os atores interagirem com o avião. [Eles tiveram que] tocá-lo e extrair o piloto dele. Então filmamos a cena em duas partes – uma vez sem o avião acidentado, para que pudéssemos animar o avião e derrubá-lo. E então dissemos: “Corta!” e refiz o final da cena com o avião prático no local. Por fim, mesclamos a cena que tinha o avião em CG com a fotografia dos atores e do avião no local.
Parecem muitas peças móveis para gerenciar.
Sim, e são peças móveis com as quais você nunca precisa lidar em um filme normal. Normalmente, você criaria seus aviões em CG, depois cortaria para os atores reagindo ao que veem e, em seguida, faria uma bela cena de ação do avião colidindo com o celeiro, depois corta para a reação dos atores, depois corta para o plano prático no set para que eles possam interagir com isto. Para nós, tudo isso tinha que acontecer sem cortes e sem nunca desviar o olhar. Gosto muito dessa sequência, porque foi realmente um truque de mágica. Se você não pensar sobre isso, você simplesmente aceitará o que é.
Houve alguma outra cena que realmente indicasse o quão único foi o seu processo neste filme?
Fizemos alguns trabalhos interessantes com a cena do rio que vai da cidade em chamas à noite até o rio e depois atravessa a ponte. Filmamos o rio em um parque aquático olímpico que era um centro de treinamento de canoagem. É um lugar feito pelo homem, com paredes de concreto e nada na natureza, mas nos deu a capacidade de colocar o ator em algumas corredeiras e águas correntes. Para essa cena, mantivemos a água ao redor do ator e criamos mais água digital para fazer com que parecesse um rio cheio com falésias criadas digitalmente e a ponte e torná-lo um ambiente natural.
Em seguida, conectamos isso à cidade, mas cada cena foi filmada em locais diferentes. A cidade em chamas foi baleada em Estúdio Shepperton, e a cena do rio foi filmada naquele centro de treinamento de canoagem. Eles estão a 150 milhas de distância um do outro. Não há cortes, então nosso ator basicamente corre de um local para outro e pula a ponte para o rio sem realmente cortar. Foi muito divertido trabalhar nisso, porque tivemos que juntar essas partes e fazer com que parecesse o mais perfeito possível.
Como sempre, seu trabalho é fazer parecer que você não fez nada.
Exatamente. Se as pessoas responderem bem ao filme e à jornada pela qual passaram, e não perceberem que assistiram a muitos efeitos visuais, então acho que fizemos bem o nosso trabalho. Não é um filme de efeitos visuais. Você não vai ver este filme pelas explosões e pelo espetáculo. Você vê isso pela maneira única como acompanha essas duas crianças nessa jornada incrível.
Tocamos 90% do filme, seja na costura de coisas, nos efeitos ambientais, na queda de um avião ou na criação de um rio. Há uma variedade incrível de trabalhos que foram feitos, mas tudo foi projetado de uma forma que, se você sentir que está assistindo a um efeito visual, estamos quebrando o filme. Trata-se de usar efeitos visuais para criar algo que, esperamos, o público nunca tenha experimentado antes.
O drama de guerra do diretor Sam Mendes 1917 está nos cinemas agora. É um dos cinco filmes indicados ao Oscar na categoria “Melhores Efeitos Visuais” deste ano.
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