Wywiad: DJ Cut Copy Dan Whitford opowiada o Oceans Apart

„Zawsze chcę mieć wrażenie, że miks DJ-ski ma jakiś ciąg dalszy” – mówi Dan Whitford z pionierskiego elektronicznego zespołu Cut Copy z Melbourne w Australii.

A Whitford inwestuje pieniądze tam, gdzie jest jego miks, o czym świadczy różnorodność artystów z rodzinnego miasta, których reprezentuje Wycięty egzemplarz przedstawia: Oceany osobno, dostępny teraz w różnych formatach za pośrednictwem własnego wydawnictwa zespołu Cutters Records. Oceany osobno to żywy, ciągły, 80-minutowy miks DJ-ski, składający się z 19 utworów reprezentujących lokalną undergroundową scenę muzyki tanecznej Melbourne i rozwijającą się kulturę klubową. Oceany osobno jest nieubłaganie tętniący życiem pod względem tempa i nastroju, oscylując po całej tanecznej mapie, od electro disco po głębokie, metalowe rytmy, czasami nawet wplatam wywołania zwrotne z lat 80. w szalenie perkusyjne fragmenty domów plemiennych – i tak, usłyszysz tam digideroo lub dwa zbyt.

Digital Trends przemierzało strefy czasowe (to znaczy na nasz elektroniczny sposób), aby dogonić Whitforda, który zaszył się w rodzinnej Australii, aby omówić początki

Oceany, dlaczego lo-fi i wysoka rozdzielczość mogą współistnieć w muzyce tanecznej i jaka przyszłość czeka scenę elektroniczną. Uwolnij swój umysł, a reszta podąży za nim.

Trendy cyfrowe: Podobała mi się płynna natura Oceany osobno. Czy możesz opisać proces składania tego w całość? Ile muzyki musieliście przerzucić, aby dotrzeć do 80-minutowej wersji?

Dan Whitford: Zasadniczo chciałem zrobić dobry miks, ale także udokumentować jak najwięcej obecnej sceny Melbourne. Prawdopodobnie znałem zdecydowaną większość ludzi tworzących tego rodzaju muzykę, więc to było po prostu kwestia zapytania, czy mają jakiś niewydany materiał lub czy mogliby napisać coś specjalnie takiego dołączony. Oczywiście, kiedy wszyscy wrócili z niesamowitym materiałem, wybór ostatecznych elementów był trudny, ponieważ miałem o wiele więcej zgłoszeń, niż mogłem zmieścić w jednym miksie. To był trudny wybór, ale myślę, że ostatecznie to właśnie to sprawiło, że słuchanie tego miksu było naprawdę wciągające.

Wiem, że to mnie angażowało. Jak zdecydowałeś się na przejścia pod względem zmian tempa i wibracji? Czy musiałeś dużo dopasowywać poziomy?

Ilekroć pracuję nad miksem studyjnym, sporo pracy wiąże się z sekwencjonowaniem i upewnianiem się, że wszystkie utwory do siebie pasują. Niektóre utwory wymagały delikatnego montażu. Na przykład Fantastyczny Człowiek Robotyczna pokusa to – jak sama nazwa wskazuje – utwór stworzony z automatów perkusyjnych i dźwięków syntezatorów, natomiast NO ZU Surowa wizja Vis jest wykonywany przez zespół grający na żywo. Aby więc połączyć te elementy w jedną całość, musiałem stworzyć rozszerzoną pętlę wprowadzającą Surowa wizja Vis powoli wprowadzać organiczną perkusję do miksu, zanim utwór spadnie.

Czy jest jakaś konkretna podróż audio, w którą chciałbyś wyruszyć słuchaczy? Oceany osobno? Jakie jest zamierzone danie na wynos?

Myślę, że to indywidualna sprawa każdego słuchacza. Zawsze chcę mieć poczucie, że miks DJ-ski ma ciąg dalszy, niezależnie od tego, czy jest to nagranie na żywo, czy coś stworzonego na potrzeby takiej płyty. Podoba mi się, że miks powoli nabiera energii przez pierwszą połowę, aż osiąga naprawdę wysoki poziom przy utworach takich jak Coober Pedy University Band Kuokaburra i Delty Nilu Eter. Ale pod koniec nadal idziemy dalej, w dziwniejsze, bardziej przemyślane terytorium. Zawsze uważam, że kilka podkręconych kulek jest dobrym połączeniem!

Tak, te zakrzywione kule z pewnością sprawiają, że jest interesująco. Czy czujesz, że na undergroundową scenę w Melbourne wpłynął twój własny międzynarodowy sukces?

Myślę, że scena muzyki tanecznej w Melbourne powoli się rozwijała przez ostatnie pięć lat, a artyści i DJ-e czują się tutaj coraz bardziej bardziej pewni swojej umiejętności tworzenia niepowtarzalnej muzyki i pewności, że znajdzie ona odbiorców zarówno tutaj, jak i tutaj międzynarodowym. W przeszłości Australia czasami miała wrażenie, że pozostaje w tyle za resztą świata pod względem trendów muzycznych, ale teraz myślę, że ten pomysł został odrzucony i zaczęto celebrować nasze różnice, zamiast czuć się jak przeszkoda.

Jestem pewien, że to zachęcające widzieć, jak inni artyści z Melbourne odnoszą międzynarodowe sukcesy, ale nie przypisuję sobie żadnej zasługi za to, że scena taneczna jest obecnie tak silna. Stało się tak dzięki ciężkiej pracy i chęci artystów do podejmowania przygód i po prostu nie dawania sobie z tym rady.

Na początku miksu – właściwie po około 6 minutach – słyszymy kilka razy powtórzone zdanie „Muzyka to moja pasja”. Czy jest to deklaracja, z którą się Pan zgadza? Z pewnością tak mi się wydaje.

Muzyka to moje życie to utwór Andrasa i Oscara. Myślę, że został napisany z lekkim przymrużeniem oka, ale z pewnością jest jednym z moich ulubionych na kompie.

Jak myślisz, dlaczego tak bardzo pasjonujesz się muzyką? Co Cię motywuje do zrobienia tego i podzielenia się tym z innymi?

Właściwie nie wiem, dlaczego ciągnie mnie do tworzenia. Muzyka to coś, co zawsze lubiłem, więc próba jej stworzenia wydawała się logicznym krokiem. Teraz, gdy Cut Copy stał się dobrze znanym zespołem odnoszącym sukcesy, oferuje możliwości pracy nad jednorazowymi pomysłami, takimi jak Oceany osobnoi, miejmy nadzieję, więcej rzeczy w przyszłości.

Wiem, że lo-fi jest dla ciebie ważne jako słuchacza i twórcy, ale czy jesteś fanem odtwarzania w wysokiej rozdzielczości — słuchania plików muzycznych w rozdzielczości 96 kHz/24 bity lub wyższej?

Właściwie nie jestem rygorystyczny w kwestii słuchania muzyki o wysokiej jakości. Oczywiście walory dźwiękowe muzyki tanecznej są niezwykle ważne w środowisku klubowym, szczególnie jeśli chodzi o sposób, w jaki aktywują subwoofery, gdy jesteś na parkiecie. To jest niezaprzeczalne. Ale powiedziawszy to, wiele rzeczy, które naprawdę lubię, to super-lo-fi, jak nagrania czterościeżkowe lub muzyka zawierająca próbki o niskiej przepływności.

W przypadku słuchania w domu czasami zamglenie lub brak wyrazistości nagrań o niższej jakości powoduje, że wyobraźnia wypełnia luki, a czasami słyszenie nagranie utworu na YouTube o niskiej jakości może nieść ze sobą dziwną energię, której brakuje, gdy w końcu usłyszysz tę samą piosenkę w zimnym, ostrym świetle Nagranie 96/24. Próbuję powiedzieć, że – istnieją NIE zasady. Istnieją powody, dla których zarówno lo-fi, jak i wysoka rozdzielczość mogą działać. Tylko od artysty zależy, jak to zrobi.

Słuszna uwaga. Widzę dwie winylowe EP-ki Oceany osobno najważniejsze informacje zostały opublikowane. Nadal musisz mieć sympatię do formatu LP.

Tak, kocham winyle i kolekcjonuję płyty od naprawdę długiego czasu! Nie oszukujmy się – jest to klasyczny format nagrywania i najlepszy format dla grafiki. Jest to także bardzo pochlebny format dźwięku. Niesamowicie jest słuchać utworu na 12-calowej płycie winylowej obok wersji cyfrowej. Powiedziałbym, że w 9 przypadkach na 10 można powiedzieć, że lepiej się słucha winylu.

Jaki masz system do słuchania muzyki?

Poza zestawem studyjnym mam [gramofon] Technics SL1200 współpracujący z [wzmacniaczem zintegrowanym] Yamaha CA-810 do słuchania w domu, z kilkoma niestandardowymi głośnikami, które kupiłem w sklepie op. Właściwie nie mam pojęcia, kto je zrobił, ale brzmią świetnie!

Założę się! Czytałem wywiad z 2013 roku, w którym powiedziałeś, że słuchanie całego albumu jest „jak przebiegnięcie maratonu” —

Haha, tak, miałem na myśli „przebiegnięcie maratonu” w pozytywnym znaczeniu!

O tak, tak to odebrałem. Uwielbiam słuchać albumów od początku do końca zgodnie z zamierzeniami artysty. Wygląda na to, że ty też.

Tak. Po prostu myślę, że jest o wiele więcej okazji do opowiedzenia historii i zapewnienia ludziom przeżycia, gdy masz na to 40 lub więcej minut. Dla mnie część sztuki nagrywania płyt polega na tym, jak jeden utwór brzmi obok drugiego, więc jeśli będziesz słuchał tylko jednego utworu na raz, nigdy nie usłyszysz rzeczy w sposób, w jaki zamierzył to artysta. Nawyki słuchania ludzi zdecydowanie się zmieniły, ale nadal uważam, że jest miejsce na format albumu.

Ja też, absolutnie. Czy masz ulubione albumy, których lubisz słuchać od początku do końca? Które albumy, Twoim zdaniem, nadal mają na Ciebie wpływ?

Wiele z tych zapisów jest w rzeczywistości takich samych. Wyluzuj The KLF (1990) to niesamowity utwór opowiadający historię fikcyjnej podróży po Ameryce. To płyta, która ma sens tylko wtedy, gdy jest słuchana od początku do końca. Uwielbiam też The Avalanches Odkąd Cię opuściłem (2000). Ta płyta wywarła na mnie ogromny wpływ jako młodego australijskiego muzyka elektronicznego.

Co możesz mi powiedzieć o pracy z Dave’em Fridmannem nad albumem Cut Copy z 2013 roku? Uwolnij swój umysł? Jest producentem, który ma duże doświadczenie w nagraniach wysokiej rozdzielczości i dźwięku przestrzennego. Co wniósł dla ciebie do stołu dźwiękowego?

Dave jest wyjątkowym producentem i inżynierem miksowania, a praca z nim nad tą płytą była niesamowita. Najwyraźniej ma upodobanie do muzyki psychodelicznej i był to częściowo temat przewodni naszych kilku ostatnich płyt, więc wydawało się, że dobrze pasuje. Właściwie miksuje naprawdę cicho, co może niektórych zaskoczyć. Słuchając przy niskim poziomie głośności, dość szybko można zauważyć, czy wszystko jest prawidłowo słyszalne w miksie. Myślę, że wykonał świetną robotę, uchwycąc tak wiele drobnych szczegółów i pozwalając im znaleźć miejsce.

Chodzenie po niebie jest prawdopodobnie moim ulubionym Uwolnij swój umysł ścieżka. Ma takie niesamowite uderzenie.

Dave w swoich miksach wykorzystuje także mnóstwo różnego rodzaju przesterów, a w przypadku np Chodzenie po niebie, popracował nad kreatywną magią miksowania, zmieniając ją z bardzo dyskretnej kołysanki w bombastyczny, dziwny hymn. W głośnikach wkraczają bębny niczym biblijne wydarzenie. Nie o to nam kiedykolwiek chodziło w przypadku tego utworu, ale w końcu go pokochałem.

Niedawno rozmawiałem z Vincem Clarke’em z Erasure i Garym Numanem i obaj poczuli obecną muzykę elektroniczną/taneczną scena – którą oboje niezwykle podziwiają – wiele zawdzięcza pionierskim dźwiękom i artystom końca lat 70. i początku Lata 80-te. Czy zgadzasz się z tą oceną? Czy sam masz sentyment do tej epoki muzycznej?

Zdecydowanie się zgadzam. Myślę, że w latach 70. i 80. koncepcja syntezatorów była nadal czymś dość futurystycznym i stanowiła część estetyki. Myślę, że teraz syntezatory mają bardziej ugruntowane brzmienie, z własnymi skojarzeniami. Możesz mieć brzmienia syntezatorowe, które będą znajome lub nostalgiczne. Z całą pewnością darzę sentymentem do tej epoki muzyki, czy to elektronicznej, disco, punkowej, eksperymentalnej, czy też czegoś zupełnie innego.

Ludzie wciąż szukają unikalnych i nieodkrytych dźwięków, więc ten pomysł nie zniknął, ale myślę, że synteza jako forma muzyczna powoli dojrzewa. Dzieje się tak w dużej mierze dzięki artystom takim jak Yaz, Brian Eno, Telex, Tangerine Dream i niezliczonej liczbie innych.

Jak myślisz, w którą stronę zmierza scena elektroniczna/dance?

Miejmy nadzieję, że nadal będzie się rozwijać i zaskakiwać. Jedną z rzeczy, które lubię w niektórych producentach tańca nowej generacji – w tym w wielu z nich Oceany osobno — jest to, że ukształtowali swoje muzyczne gusta w epoce, w której Internet umożliwia znacznie większy dostęp do nawet najbardziej mało znanej muzyki. Muzyka, którą tworzą, jest o wiele bardziej ryzykowna. Nie sądzę, że jeszcze 10 lat temu artyści mieli taką samą wiedzę na temat tak wielu dziwnych gatunków muzycznych.

Nawet w weekend byłem w klubie i zapytałem DJ-a, jaki utwór gra. Okazało się, że była to południowoafrykańska płyta proto-house, wydana w ograniczonym nakładzie, która prawdopodobnie nigdy nie dotarła do więcej niż 500 egzemplarzy. To jest to, co uwielbiam w nowoczesnych sposobach odkrywania muzyki – to właśnie można znaleźć wszystko! Dla mnie jako muzyka nie może to być złe.

Dla moich uszu odkrywanie nowych dźwięków to coś zawsze dobra rzecz. W związku z tym, co czeka na horyzoncie Cut Copy? Jakiego rodzaju dźwięków możemy spodziewać się od Ciebie w następnej kolejności?

Trudno powiedzieć. Będąc w trasie przez około 12 miesięcy, jestem teraz podekscytowany możliwością ponownego myślenia o tworzeniu muzyki. Słuchałem wielu nowych rzeczy, łącznie z płytami, które kupiłem w podróży, ale nie miałem okazji usiąść i się nimi chłonąć. Poza tym w Australii zaczyna się lato, co zawsze uważam za dość inspirujące.

Spędziłem także kilka tygodni na zmianie konfiguracji mojego studia w domu. Według Aphex Twina jest to najważniejsza część procesu tworzenia płyty. Jeśli to prawda, nowy rekord nie jest daleko. (śmiech)