Walczy z gitarzystą Ianem Williamsem w La Di Da Di, grając na żywo

„Jako artysta Twoim zadaniem jest jedynie tworzenie muzyki tak fajnej i szalonej, jak chcesz”.

Sztuka przechwytywania i manipulowania nieskończoną pętlą jest trudną rzeczą. Zrób to dobrze, a będziesz mógł zabrać słuchacza w podróż, która z minuty na minutę nigdy nie będzie taka sama, pomimo ciągłego elementu powtarzania. Zrób to źle, a otrzymasz bilet w jedną stronę do Yawnsville.

Dobrze, że mamy trio Battles z Brooklynu, które pokazuje nam, jak to się powinno robić. Na ich nowym albumie La Di Da Di, który ukaże się w przyszły piątek za pośrednictwem Warp Records w różnych formatach, Battles nagina i kształtuje swoje pętle według własnego uznania, począwszy od wieloczęściowej intensywności utworu otwierającego Yabba do perkusyjnego dramatu Niestosowanie przemocy do bulgoczącego ping'n'shuffle Megadotyk.

Jak już wspomniano, chociaż te pętle tworzą pozory struktury, to, gdzie będzie następna piosenka, zależy od kreatywności zaangażowanych graczy — zwłaszcza gdy są na scenie. „W tych nowych piosenkach niekoniecznie uwzględnialiśmy format utworu popowego” – zauważa gitarzysta Battles, Ian Williams. „I jest na tyle otwarty, że możemy interpretować piosenki na scenie tak, jak chcemy. Być może odkryję w trasie nową wtyczkę, a potem zrealizuję tę rzecz, tworząc nową sekcję w piosence, w której stworzę kilka nowych, szalonych dźwięków gitarowych. Nadal działa w kontekście piosenki i nie przestaje być piosenką”.

Firma Digital Trends zadzwoniła do Williamsa podczas trasy koncertowej w Północnej Karolinie, aby omówić wyjątkową markę zespołu magię pętli, walkę między sztuką a komercją oraz to, jak piosenki Battles ewoluują podczas występów na żywo ustawienie.

Trendy cyfrowe: Powiedziałbym, że sposób, w jaki pracujesz z włączonymi pętlami La Di Da Di pokazuje, że praktycznie sprowadzasz to do nauki.

Iana Williamsa: Cóż, jako zespół zawsze robiliśmy pętle. A kiedy mówisz o robieniu tego na żywo, od razu widać, że jest to natychmiastowe zdjęcie. To już jest trochę odsunięte od tego, że faktycznie „grasz” w to i staje się czymś, co jest trochę więcej nie-człowiek. Stwarza to mnóstwo możliwości – manipulacji i przeniesienia muzyki w inne miejsce, niż gdybyś ją faktycznie odtwarzał.

To błogosławieństwo i przekleństwo. Ma swoje ograniczenia i wady. Jednym z nich jest ta monolityczna rzecz, która powtarza się przez cały utwór. Ale to właśnie jest to, z czym zawsze zmagaliśmy się w tej grupie – jak utrzymać zainteresowanie i jak to zmienić. Czy rzeczywiście możemy zmienić tonację utworu? Czy możemy dać odpocząć Twoim uszom, abyś nie musiał znowu słyszeć tego samego? To jedna z rzeczy, nad którymi pracujemy, która zbyt mocno nas zaprzęga, ale czasami pozwala nam dotrzeć w więcej miejsc, niż moglibyśmy to zrobić grając.

Uważam to za koncepcję uwalniającą dla ciebie. Jak sprzęt, którego używałeś do tworzenia pętli, ewoluował na przestrzeni lat?

Na samym początku używałem Akai Head Rush – tych starszych pedałów z lat 90. A potem dość szybko wszyscy dostaliśmy Gibson Echoplexes, te cyfrowe. Dzięki nim można zsynchronizować pedały.

Dave [Konopka, gitarzysta/basista] nadal go używa; ma ich kilka. Odszedłem od tego i ewoluowałem w Ableton. Dla mnie Ableton był jak sytuacja, gdy masz jeden pedał i myślisz: „Och, dam radę Ten, więc gdybym miał dwa pedały, mógłbym zrobić dwa razy więcej”. Odkryciem dla mnie w przypadku Abletona było to, że mogłem zrobić 300 razy więcej, jeśli chodzi o tworzenie pętli i wykonywanie wielu rzeczy jednocześnie. A potem po prostu oszaleję z tego powodu. W tym momencie jestem Digital Dude, a Dave to Analog SoundWorld Pedal Dude.

To niezły kontrast, biorąc pod uwagę, gdzie zespół zaczynał.

Ludzie spędzają całe wieki próbując ustalić, co jest dźwiękiem cyfrowym, a co analogowym. Dyskutujemy, że może Dave powinien kupić Abletona, ponieważ technologicznie można z nim zrobić więcej rzeczy. Ale to właściwie zły pomysł – trzymanie nas w obu światach sprawia, że ​​spektrum naszego brzmienia jest większe i czasami uzyskujemy to, co najlepsze z obu światów. Materiał analogowy ma bardziej mocny aspekt, ale jest też szalona precyzja, którą można uzyskać dzięki rozwiązaniu cyfrowemu.

Ponieważ jesteś graczem samoukiem, a Dave ma doświadczenie w projektowaniu, często walczycie ze strukturą zamiast: „Zobaczymy, dokąd to doprowadzi”.

Tak tak. Dave jest trochę minimalistą, jeśli chodzi o muzykę, a ja jestem trochę maksymalistą: „Uczyńmy to bardziej intensywnym!”

Wiem, że czasami dobrze jest dać się odciągnąć, ponieważ dla słuchacza jest to prawdopodobnie lepsze doświadczenie, które jest bardziej skupione i mniej szalone.

W końcu dochodzimy do sedna tego, czym jest piosenka. Dla nas nie ma lidera zespołu. To komisja, w której nasza trójka musi zgodzić się, że coś jest dobre. Ale czasami trudno jest sprawić, żebyśmy wszyscy się zgodzili.

Dla mnie, Letnie gotowanie wydaje się być idealną siatką pomysłów wszystkich – i masz wspaniały wiatr pod koniec.

Tak tak tak. W tej piosence użyłem Ableton Push, aby uzyskać powtarzające się ustawienie szesnastki we wstępie. Push umożliwił powstanie tej piosenki.

Jak ludzie powinni słuchać tego albumu? Czy MP3 pozbawia nas doświadczenia związanego z pobieraniem wszystkich tekstur pętli i kompozycji?

Umm, stary, to takie dziwne w dzisiejszych czasach. W pewnym sensie wycofuję się z odpowiedzi na Twoje pytanie: im dłużej gram muzykę, tym bardziej jestem zdezorientowany co do sposobu jej rozpowszechniania i konsumowana, a im bardziej skupiam się na tworzeniu muzyki i pozwalaniu ludziom wokół mnie decydować, czy znajdzie się ona na playliście Spotify i tym podobnych rzeczach To.

Im bardziej przywiązujemy wagę do „poprawnego” przedstawienia tego, tym bardziej możemy to zepsuć. Wierzę, że jako artysta masz obowiązek stworzyć najlepszą rzecz, jaką potrafisz. Ale z drugiej strony dystrybucja muzyki jest teraz bardzo dziwna – ludzie słuchają muzyki na swoich telefonach komórkowych, a nawet nie za pomocą słuchawki. (chichocze) Ale wiem, że jeśli powiesz: „Nie, to nie dla tego formatu”, odetniesz się od wielu ludzi.

Nie wiem, czy to dobrze, czy źle, ale wiele z nich skłania Cię do pójścia na koncert na żywo. To było Artykuł w New York Timesie kilka tygodni temu w sekcji Media na temat nowej gospodarki cyfrowej i tego, jak jest ona faktycznie dobra dla artystów. Dużo mówiło się w nim o tym, jak sprzedaż biletów na koncerty w ciągu ostatnich 20 lat rosła, podczas gdy sprzedaż płyt spadała. Nagranie jest teraz jedynie sposobem na powiedzenie: „Hej, przyjdź obejrzeć program”. Być może teraz właśnie tak to wygląda.

To dosłowne przeciwieństwo lat 60. i 70., kiedy album był najważniejszy. Album jest teraz postrzegany jako przedsmak tego, co usłyszycie, przychodząc na koncert. Ale doświadczenia na żywo to jeden z niewielu obszarów, w których możemy obecnie zgromadzić ludzi na tej samej stronie i o tej samej sprawie.

Jesteśmy lewicowi i eksperymentujemy w tradycji DIY. Staram się nie być wobec tego zbyt cenny. W latach 60. i 70. w Stanach Zjednoczonych żył mnich buddyjski o nazwisku Chögyam Trungpa, który był modny wśród hippisów i Allena Ginsberga. Chodziło mu o to, że kiedy nauczał buddyzmu, nie był to tylko święty tekst, którego należy się jedynie uczyć świątyni, ale żeby była dostępna dla każdego, jak magazyn sprzedawany w alejce supermarketu. To było w porządku, że ten towar był dostępny wszędzie.

Czasami myślę o tym w kontekście muzyki. Jeśli umieścisz to w reklamie telewizyjnej, nie mam nic przeciwko, ponieważ dzięki temu więcej osób usłyszy Twoją twórczość. Nie chodzi o to, żeby być w muzeum. Twoim zadaniem jako artysty jest jedynie tworzenie muzyki tak fajnej i szalonej, jak chcesz. A potem, w jaki sposób jest to rozpowszechniane w świecie – cóż – jak zarabiać na swojej muzyce? Czy jesteś mądrym biznesmenem, czy nie? Wiem, że to zupełnie inna rozmowa niż pytanie: „Czy tworzysz „fajną” muzykę?” Wolałbym skupić się na tworzeniu fajnej i ciekawej muzyki.

Porozmawiajmy o tym doświadczeniu na żywo. Biorąc pod uwagę wszystkie elementy, z którymi masz do czynienia na scenie, jak zmieni się ta dynamika, teraz, gdy masz nową płytę do zagrania?

Jako perkusista John zawsze grał na stopie, werblu, hi-hacie i Crashie i to właśnie robi. Jest akustycznym elementem zespołu. Widzisz, jak uderza w werbel, i rozumiesz ten dźwięk.

A potem Dave pochyla się nad pedałami, wykonując przemiatanie filtra lub przechwytując pętlę z jednego pedału na drugi. A potem, używając moich rzeczy, uruchamiam syntezator i jednocześnie gram na gitarze. Zazwyczaj gram jednocześnie na gitarze i klawiszach – prawą ręką na klawiszach, a lewą na gitarze. Albo wyzwalam syntezatory i próbki za pomocą mojej gitary. Robię mieszanki 50/50, w których syntezator i moja gitara łączą się razem.

O wiele trudniej jest prześledzić, co robimy w narracji. Widzisz inne występy i myślisz: „O tak, gitarzysta gra i słyszę gitarę”. Teraz u nas jest to o wiele bardziej zagmatwane, ale fajnie się z tym bawić. Jest wiele do manipulacji.

Czy zauważasz, że nowe piosenki ewoluują na scenie, im częściej je grasz?

Dla nas wszystko sprowadza się do naszego harmonogramu tras koncertowych i tego, czy mamy dwa tygodnie wolnego, podczas których wszyscy moglibyśmy być w tym samym mieście od razu i moglibyśmy poćwiczyć, bo pewnie połowy płyty nie umiemy dobrze zagrać Teraz. Nadal musimy ćwiczyć te piosenki i nadal chcę wymyślić, jak zagrać je na żywo. Nie mogę się doczekać, aż nauczę się na nich grać. W tej chwili to robimy Yabba, a ten jest coraz ciaśniejszy. My też robimy FF Badai to jest całkiem grywalne.

W stopniu, w jakim jesteśmy zespołem elektronicznym, cecha muzyków elektronicznych jest taka: „Właśnie widziałeś, jak naciskam przycisk”. Taki jest tam zakres relacji wykonawca-tłum. Tłum mówi: „OK, nacisnąłeś przycisk; Więc co?" Czego nie rozumiesz, to: „Nie widziałeś, przez cały dzień musiałem być bardzo sprytny, jak zaprogramować to, aby tak się stało! To wszystko, co kryje się za naciśnięciem przycisku, czego nie widziałeś. Bardzo sprytnie wymyśliłem, jak to wszystko zrobić i zabrałem to ze sobą na scenę, aby tak się stało.

To nie jest coś w stylu: „O mój Boże, właśnie widziałem, jak Eddie Van Halen gra tę niesamowitą 15-minutową solówkę na gitarze”. Teraz to jest jak: „Tak, to ten facet kto naciska ten przycisk – ale chłopcze, czy to było genialne, tak musiał to zrobić!” To dziwne, w jaki sposób to się dzieje lub nie.