Rok 2017 był najlepszym rokiem dla sequeli science-fiction

Dobre sequele są rzadkością. Odtworzenie oryginalnego naparu, który przerodził się w świetny film, nigdy nie jest łatwe. Jak na dany rok wyprodukowanie nawet dwóch świetnych sequeli jest czymś wyjątkowym i dlatego rok 2017 taki był annus mirabilis za te dalsze działania. W 2017 roku wyprodukowano pięć sequeli z tego samego gatunku — akcji science fiction — i wszystkie były równie dobre lub lepsze niż cokolwiek innego w odpowiednich seriach.

Ich początkowy sukces, a także trwałość, wynikają z kilku wspólnych czynników, w tym wizjonerskiego kręcenia filmów i wyjątkowych inspiracji efekty i zaangażowane występy znanych aktorów, którzy nie bali się wyglądać na starych i słabych, gdy ich bohaterowie zmagali się z upadkiem uprawnienie. Ale przede wszystkim ich zbiorowy triumf sprowadza się do jednego wspólnego podejścia. Wszystkie stanowiły śmiałe odejście – pod względem narracyjnym, tematycznym, stylistycznym i estetycznym – od typowych pozycji z serii, które je zrodziły.

Logana (3 marca)

Nic dziwnego, że zaciągnęli się opiekunowie franczyzy Indiany Jonesa Jamesa Mangolda wyreżyserować 79-letniego Harrisona Forda w nadchodzącej, piątej części serii. Nie byle kto zastąpi Stevena Spielberga. Nawet jeśli słynny reżyser ET I Lista Schindlera potknął się Indiana Jones i Królestwo Kryształowej Czaszki, nadal jest jednym z najlepszych zawodników wszechczasów. Zatrudnienie Mangolda jest świadectwem tego, jak fantastyczną robotę wykonał Logana — ostatni film z trylogii Wolverine, będący spinoffem serii X-Men – reżyseruje dwie starzejące się legendy grając dwie starzejące się legendy: Hugh Jackmana jako Logana/Wolverine'a i Patricka Stewarta jako Charlesa Xaviera/Profesora X.

Mangold wyreżyserował poprzedni film o Wolverinie, którego akcja rozgrywa się w Japonii, który zebrał przyzwoite recenzje i zawiera kilka świetnych sekwencji, w tym hołd dla Akiry Kurosawy Tron Krwi, a Wolverine zostaje zasypany strzałami. Ale film nadal należy do sfery komiksu, sfery, z której się wywodzi Logana zdecydowanie odchodzi, inscenizując i filmując swoje wydarzenia z brutalnym realizmem (w tym realistyczne przedstawienie tego, co dzieje się z ludzkimi ciałami, gdy ktoś rozdziera je pazurami adamantium).

W 2029 roku mutanty prawie wymarły, a Logan, Xavier i Caliban (Stephen Merchant) dryfują do kresu swoich dni. Kiedy młody mutant w niebezpieczeństwie (Dafne Keen) pojawia się na ich progu, na nowo odkrywają wspólny cel. Mangold (który wcześniej wyreżyserował remake 3:10 do Yumy) strome Logana na Zachodzie poprzez wywoływanie Shane, klasyczna medytacja George'a Stevensa z 1953 roku na temat brutalności przemocy, która jest także kroniką przetrwania prowizorycznej rodziny.

Odważne barwy i kontrastowe oświetlenie filmu wyglądały tak dobrze, że Mangold również go wypuścił oszałamiająca czarno-biała wersja filmu, co w jeszcze większym stopniu przywołuje surowe motywy filmu. Logana to zdecydowanie najlepszy film o X-Menach, co nie mówi zbyt wiele, ale jest to także rzadka kontynuacja, która może się obyć sama.

Wojna o planetę małp (14 lipca)

Największy powód sukcesu najnowszego Planeta małp serii — oprócz spektakularnej realizacji filmowej — polega na tym, że każdy film ma inny ton i podejście niż ten, który go poprzedzał. Powstanie planety małp (2011) to klasyczna opowieść o początkach, przedstawiająca wzruszającą rodzinną historię miłosną między człowiekiem a małpą, która zaprzecza okropnościom degradującego się wokół niej społeczeństwa.

Kontynuacja, Ewolucja Planety Małp (2014), którego akcja rozgrywa się w postwirusowej apokalipsie, w której chaotyczne pozostałości ludzkiej cywilizacji zestawione są z bujnymi lasami północnej Kalifornii, gdzie małpy chcą po prostu żyć w pokoju. Prezentując cywilizację małp, Świt pozwala także tej serii twierdzić, że jest jednym z najbardziej oszałamiających osiągnięć w zakresie efektów wizualnych, jakie kiedykolwiek pojawiły się w kinie. Pojawia się także Andy Serkis, który gra przywódcę małp, Cezara, jako jeden z najwybitniejszych żyjących aktorów ekranowych.

Wszystko – efekty wizualne, budowanie świata, występy, zwłaszcza Serkisa – po raz kolejny osiąga szczyt w trzecim filmie, który bardziej skłania się ku niemal malarskiemu pięknu, a także postępowej polityki w formie ostrej krytyki amerykańskiego podżegania do wojny i ksenofobii wznoszenia murów (wszystko to może wyjaśniać, dlaczego ten wpis odniósł mniejsze sukcesy w kasie krajowej niż jego przodkowie.).

Film kontynuuje także trend serialowy polegający na sięganiu po różne gatunki, aby nadać opowiadaniu świeżego charakteru. Wojna to film podróżniczy, film o ucieczce z więzienia i riff włączony Czas Apokalipsy, z Woodym Harrelsonem powtarzając zabójczego pułkownika Kurtza Marlona Brando z tego filmu. Wreszcie film jest alegorią biblijną, w której Cezar jako Mojżesz prowadzi swój lud do ziemi obiecanej. Jest to podróż trwająca całą trylogię, która kończy się pięknym pastelowym obrazem zwiastującym nadzieję.

Blade Runner 2049 (6 października)

Jeśli ktoś nie był co do tego przekonany pięć lat temu, to wiadomo, że to ten film to tylko arcydzieło za niezwykłe efekty wizualne i nie tylko poruszające tematy dotyczące poświęcenia i natury ludzkiej tożsamości. Ridleya Scotta oryginalny Łowca androidów (1982) stał się tak charakterystyczny, wpływowy i sławny w ciągu dziesięcioleci, odkąd po raz pierwszy uznano go za klapę, wymagało wiele odwagi, aby rozważ kontynuację tej historii, zwłaszcza że gwiazda filmu, Harrison Ford, wielokrotnie narzekał na to, jak nieszczęśliwy czas przeżył robić to. Dyrektor Denis Villeneuve przyznał się do stąpania po „świętym terytorium” nawet zbliżyć się do kontynuacji, a z pewnością byłoby to wielkim szaleństwem. Zamiast tego on i jego współpracownicy (zwłaszcza autor zdjęć Roger Deakins, który zdobył za ten film długo oczekiwany Oscar) wnieśli do kina ważne dzieło.

Zgodnie z naszym tematem, Blade Runner 2049 dokonał dwóch kluczowych odstępstw od oryginału, które zapewniły mu artystyczny sukces. Rozszerzyło to otoczenie, wycofując się z ciemnych miejskich głębin deszczowego centrum Los Angeles, aby odsłonić znacznie więcej świata historii, w tym stworzonego w Las Vegas nie da się żyć z powodu detonacji brudnej bomby, gigantycznego muru morskiego powstrzymującego podnoszący się ocean i miasta znanego wcześniej jako San Diego, które obecnie służy jako ogromne śmieci wysypisko.

Drugim odejściem był casting Ryan Gosling w filmie jako Łowca androidów nowej generacji, Agent K, polujący na starsze modele Replikantów (takich jak ten grany przez Dave'a Bautistę) i aby narracja śledziła jego drogę do stawania się człowiekiem. Tymczasem Ford w roli OG Ricka Deckarda pojawia się tak późno, że prawie zapominamy, że w nim uczestniczy. Kiedy jednak się pojawia, film w elegancki sposób łączy historię Deckarda z historią K i zapewnia głębokie i poruszające zakończenie, w którym Villeneuve składa hołd końcowe sceny Kurosawy Ikiru, także o człowieku, który przed śmiercią w śniegu odkrywa swoje człowieczeństwo. (Jak z Rosomak, o którym mowa powyżej, przywołanie Kurosawy musi być domyślnym posunięciem sygnalizującym poważne ambicje artystyczne.)

Podobnie jak oryginał Łowca androidów, BR 2049 okazała się finansową „klapą”, ale podobnie jak jej poprzedniczka ma zająć wysokie miejsce w kanonie poważnej fantastyki science fiction, docierając do przyszłych pokoleń.

Thor: Ragnarok (3 listopada)

Jeśli nikt jeszcze nie powiedział: „Jeśli chcesz czegoś świeżego, daj to Kiwi”, to mówię to tutaj! Jakież to nieoczekiwane dla Marvel Studios, że nowozelandzki scenarzysta/reżyser, i wspaniały człowiek w mieście Taika Waititi zyskiwał na popularności właśnie wtedy, gdy potrzebowali świeżego głosu, aby tchnąć życie w napuszony serial, który prawie osiadł na mieliźnie z letargicznym Thor: Ciemny Świat.

Waititi rzucił okiem na materiał i zdecydował, że powinien dać dużo więcej zabawy, a jego każdy instynkt okazał się dokładnie tym, czego potrzebował. Ragnarok jest zabawny, oszałamiający wizualnie, seksowny, kampowy, podnoszący na duchu, pełen akcji i wartkiej akcji. W znaczący sposób obejmuje dotychczasowe relacje – pomiędzy Thorem (Chris Hemsworth) i Lokim (Tom Hiddleston); dwóch synów i ich ojciec Odyn (Anthony Hopkins); oraz Thor i Hulk (Mark Ruffalo) — jednocześnie przedstawiając wspaniałe nowe postacie.

Cate Blanchett wcieliła się w odzianego w skórę wampira jako Wielki Zły, a Tessa Thompson w roli pijanej, apatycznej Walkirii natychmiast stała się jedną z najbardziej atrakcyjnych postaci MCU. Dodaj do tego Jeffa Goldbluma robiącego Goldblumiańskie bzdury w ciemnym cieniu do powiek, a właśnie skreśliłeś dziewięć z 12 rzeczy, które powinien mieć każdy film prawie zawsze zawierają — do tego stopnia, że ​​za każdym razem, gdy oglądam ten film, zadaję sobie to samo pytanie: dlaczego nie ma więcej hitów kinowych? tak jak Thor: Ragnarok? Nic dziwnego, że Marvel sprowadził Watiti z powrotem w czwartym wpisie,Thor: Miłość i grzmot.

Gwiezdne Wojny: Ostatni Jedi (15 grudnia)

Niewiele jest nowego do powiedzenia na temat tego filmu, który nie był wyjaśniany w nieskończoność przez ostatnie pięć lat w toku przeciągania liny odmiennych opinii między obozami fanów, do których zaliczają się m.in. opinie tego pisarza. Ponieważ filmy Gwiezdne Wojny są porównywane wyłącznie między sobą, a nie z kinem w ogóle, Debata na temat wartości zwykle w mniejszym stopniu dotyczy konwencjonalnych pojęć dobra i zła, a bardziej tego, które epizody są najlepsze wyrazić Gwiezdne Wojny z Gwiezdnych Wojen. Pewnie, że koniec zgiełku Ostatni Jedi – i ogólnie sequele – skupiły się na tym.

Trudno określić, które elementy najlepiej oddają charakter Gwiezdnych Wojen. Magia, która tworzy Gwiezdne Wojny, która sprawia, że ​​nasze serca przyspieszają nawet w połowie, gdy spojrzymy na nią w telewizorze podczas spaceru po Best Buy, tkwi w fuzji, a nie w poszczególnych składnikach. J.J. Abrams przywołuje napar od czasu do czasu, a nawet przez dłuższą sekwencję lub dwie Przebudzenie Mocy. Niestety, jego rodząca się magia nie dorównywała prawdziwej mrocznej mocy uniwersum Disneya „Gwiezdne Wojny”: imperatywom komercyjnym, które wymagały tak wykalkulowanej i pochodnej fabuły.

Ostatni Jedi jest również pochodną. Jest to po prostu pochodna w znacznie bardziej przemyślany, oryginalny i wywrotowy sposób niż Przebudzenie Mocy. Gwiezdne Wojny to już odrębny gatunek. A kluczem do trwałej popularności każdego gatunku jest świeże przywołanie tropów gatunkowych. Jednym z tropów, który reżyser Rian Johnson szybko aktualizuje, są wpływy filmów samurajskich, które od początku inspirowały Gwiezdne Wojny. I tak, po raz kolejny wracamy do Kurosawy! Japoński mistrz wywarł ogromny wpływ na George’a Lucasa, zwłaszcza dzięki jego filmowi pt. Ukryta Forteca.

W całym projekcie wyraźnie widać motyw samurajski Ostatni Jedi, w pojedynku w sali tronowej Snoke/Rey/Kylo Ren, z jego maskami i powiewnymi szatami oraz krwistoczerwonym tłem przypominającym japoński dramat Noh, który Kurosawa przywołał w Tron Krwi. Estetyka samurajska dominuje także w scenach Jedi/mnichów pomiędzy Luke’em Skywalkerem (Mark Hamill) i Rey (Daisy Ridley), a także w kulminacyjnym pojedynku Luke’a z Kylo Renem (Adam Driver). Wyspa Ahch-to, choć kręcony u zachodniego wybrzeża Irlandii, z łatwością mógłby podwoić się w przypadku Japonii. Jego zalany deszczem, skalisty teren i rozpadające się konstrukcje przypominają otwarcie Kurosawy Rashomon, a potrójne bułeczki Reya przywołują na myśl Toshiro Mifune z wielu jego filmów o samurajach.

Jak w przypadku wszystkich filmów z naszego osławionego roku sequeli science-fiction, zarówno początkowy sukces, jak i ciągłe uznanie Ostatni Jedi wynikają z śmiałego odejścia od materiału źródłowego w kluczowych aspektach. Wspólne podejście do tych filmów sprawiło, że stały się one same w sobie wspaniałym doświadczeniem kinowym, a także doskonałymi przykładami poszczególnych serii.

Zalecenia redaktorów

• 7 rzeczy, które chcielibyśmy, aby Disney zrobił inaczej w przypadku trylogii kontynuacji Gwiezdnych Wojen