Slowdive powraca, by odzyskać należną im koronę shoegazetu

„Zawsze najważniejsze jest to, co uderza cię jako pierwsze – klimat lub atmosfera piosenki”.

Zawsze miło jest widzieć, jak prawdziwi pionierzy dostają to, co im się należy.

Brać Powolne nurkowanie, jeden z pionierów brytyjskiego ruchu shoegazingu późnych lat 80. i wczesnych 90. – ekscytujący czas, kiedy młodzi Zespoły bardzo chciały zwiększyć zniekształcenia, nagłośnić sprzężenie zwrotne i zniekształcić swój wokal uznanie. Slowdive paliło się jasno (i cholernie głośno) przez kilka dobrych lat podczas tego ruchu, po czym uległ dłuższej przerwie.

Zamiast jednak zniknąć w trwałym stanie Footnoteville, ich wpływ tylko wzrósł, gdy artyści EDM i innowacyjne zespoły post-rockowe, takie jak Dom na plaży, Mogwai, Sigur Rós, Dive i Beach Fossils (by wymienić tylko kilka) – wszystkie one przyjęły ideały Slowdive związane z shoegazingiem. Dokonali tego włączając je do własnych mieszanek dźwięków ambientowych, dream-popowych i postrockowych, które są dziś tak powszechne na scenie.

„Wygląda na to, że brzmienie naszej muzyki typu shoegaze znalazło miejsce w ekspresji w innych zespołów 20 lat później” – zgodził się z Digital, twórca Slowdive, gitarzysta i wokalista Neil Halstead Trendy. „Przypuszczam, że następuje ciągła ponowna ocena i wymyślanie tego filmu na nowo, co sprawia, że ​​jest on w pewnym sensie świeży dla młodszej publiczności”.

Cóż, pośrodku tego wszystkiego, patrząc na nowo na shoegazing, Slowdive niedawno pojawił się ponownie w nienaruszonym stanie z ośmiościeżkowym szablonem Dreamscape zatytułowanym po prostu Powolne nurkowanie (dostępny obecnie w wielu formatach za pośrednictwem Dead Oceans) i przy okazji wydali jeden z najlepszych albumów 2017 roku.

„Kiedy rozmawialiśmy o ponownym założeniu zespołu, fajnie było wymyślić, jak sobie poradzimy ponownie te dźwięki – niezależnie od tego, czy zastosować stary sprzęt, ulepszyć go, czy też miksować i dopasowywać” – Halstead nieprzerwany. „Skończyło się na tym, że użyłem znacznie większej liczby nowszych pedałów, niż początkowo myślałem. Myślę, że to było trochę jak powrót na rower i było naprawdę przyjemne. Po prostu podłączyłem efekty, podkręciłem głośność i powiedziałem: „OK, tak to pamiętam”.

Digital Trends zadzwonił do Halsteada do jego posiadłości w Wielkiej Brytanii, zanim zespół wrócił w trasę (wyruszają do Japonia na dwa duże koncerty w przyszłym tygodniu, po których nastąpi szereg występów w Europie i Australii na początku 2018 r.), aby omówić ich nowo odkrytą atrakcyjność dla nastoletniej publiczności, dlaczego podczas procesu nagrywania należy ograniczyć opcje cyfrowe i dlaczego shoegazing nie jest już czteroliterowy słowo.

Trendy cyfrowe: Muszę sobie wyobrazić, że musisz być bardzo zadowolony z przyjęcia, jakie cię spotkało Powolne nurkowanie nagrywać. Wygląda na to, że naprawdę spodobał się ludziom, biorąc pod uwagę wiele milionów odsłuchań, jakie udało mu się już zgromadzić na arenie cyfrowej i streamingowej.

Neil Halstead: Zawsze martwisz się tym, jak zostanie przyjęta nowa płyta, zwłaszcza jak zostanie ona porównana z płytami, które wydałeś w przeszłości. Wszyscy jesteśmy mile zaskoczeni, że ludziom się to spodobało. Dobrze było też grać koncerty i widzieć ludzi reagujących na nowe piosenki.

Czy wśród Twoich odbiorców widzisz przekrój pokoleń?

Na pewno była tam młodsza publiczność, co jest świetne, i na pewno jest tam kilka osób z czasów, gdy zaczynaliśmy. Na początku tego roku daliśmy występ w Londynie i poznałem 16-letniego dzieciaka, który przedstawił mnie swojej mamie. Powiedziała: „Właściwie widziałam cię w latach 90. i zawsze byłam fanką”. Ale to jej syn powiedział do niej: „Ty absolutnie musisz iść ze mną na przedstawienie!”

Dlaczego 16-latkowie lubią Slowdive? Jaki jest sekret?

Hmm, nie wiem! Nie do końca to rozpracowaliśmy, ale nawet wtedy zawsze chodziło o atmosferę. Zauważyliśmy również, że zdawaliśmy się mieć wpływ poza światem gitar. W 2002 roku Morr Music [niemiecka wytwórnia IDM] wydała kompilację artystów elektronicznych wykonujących covery piosenek Slowdive [tzw. Błękitne narty i czyste]. To dla mnie bardzo interesujące, jak świat docenił sposób, w jaki my i inne zespoły z tamtych czasów wykorzystywaliśmy dźwięki.

Po pierwsze, byłeś pionierem w używaniu pętli. Widzę też, że przypisujesz sobie nową płytę jako odpowiedzialny za „montaż”.

Tak, dużo edycji! (śmiech) Dużo pracowałem nad zapętlaniem i tym podobnymi rzeczami. Miło jest móc połączyć działalność zespołu ze wszystkimi elementami elektronicznymi, używając narzędzi takich jak komputery i laptopy.

W 1994 r Pigmalion, korzystaliśmy z samplerów, co było dla nas pierwszym przypadkiem. Praca z tą technologią była interesująca. Teraz jest prawie tak samo, tyle że jest potężniejszy, gdy używasz go na laptopie, i możesz z nim zrobić więcej. Nie różni się niczym od rzeczy, których wtedy używaliśmy.

Wszystko to jest częścią naturalnej ewolucji Twojego dźwięku.

Jako zespół mamy świadomość, że zawsze chcemy, żeby wszystko ewoluowało i szło dalej. Ale dzieje się to w sposób niemal nieświadomy (śmiech), ponieważ staramy się, aby było to jak najbardziej organiczne — Jeśli możemy, bo nie zawsze jest to łatwe.

Chris Coady, który współpracował z takimi artystami jak Beach House, Grizzly Bear i TV on the Radio, zmiksował płytę z Tobą. Dobry wybór.

Tak, Chris był na naszym radarze głównie ze względu na płyty Beach House [2015 Depresja Wiśnia I Podziękuj swoim szczęśliwym gwiazdom]. To, co zrobiliśmy, to przesłanie utworu Wędrówka gwiazd do kilku różnych mikserów, producentów i inżynierów, ponieważ wiedzieliśmy, że potrzebujemy kogoś innego wymieszaj to, ponieważ w tym momencie nasze umiejętności zostały przekroczone i poczuliśmy, że potrzebujemy kogoś, kto pomoże nam ukończyć To.

Zdawaliśmy sobie sprawę Wędrówka gwiazd byłby najtrudniejszy do zmieszania i dlatego właśnie go wysłaliśmy. Pomyśleliśmy, że jeśli znajdziemy kogoś, kto dobrze się z tym poradzi, poradzi sobie z resztą płyty. A kiedy wrócił miks Chrisa, wszyscy zgodziliśmy się, że jako zespół poczuliśmy, że jesteśmy we właściwym świecie, jeśli chodzi o brzmienie.

Skończyło się na tym, że pojechaliśmy do Sunset Sound Studios, gdzie Chris miksuje i pracuje w Los Angeles, i było wspaniale. Całość nagrania uporządkowaliśmy w około dwa tygodnie. Naprawdę dużo wniósł do całego projektu.

Możemy wszyscy rekord w naszych piwnicach jeśli oczywiście tego chcemy, ale wciąż jest coś do powiedzenia na temat nagrywania w prawdziwym studiu.

Oczywiście mieliśmy szczęście, że tam pojechaliśmy, ponieważ tam pracuje Chris, ale jestem głęboko przekonany, że można mieszać w sypialniach i piwnicach, używając słuchawki. To zależy tylko od tego, gdzie Twoim zdaniem należy nagrać płytę.

Wszystko sprowadza się również do budżetów i innych ograniczeń – i czasami to właśnie sprawia, że ​​nagrania są bardziej interesujące. Mój jedyny problem z nagrywaniem cyfrowym to brak ograniczenia.

Przypuszczam, że nadal możesz edytować to nagranie cyfrowo, nawet gdy rozmawiamy.

(śmiech) Tak, możesz. Ale czasami trzeba wykazać się dużą dyscypliną i powiedzieć: „No właśnie, mamy rację nie Zamierzam dograć to wszystko tutaj. Musisz mieć pewne zasady, tak jak my.

Powiedziałeś, że nagranie jest dla ciebie dokumentem, więc lubię słuchać tych ośmiu piosenek w kolejności, w jakiej je przedstawiłeś.

Patrzę na to tak, że czasami piosenki potrzebują domów wraz z innym zestawem piosenek. Może jesteśmy staroświeccy, ale nadal słuchamy płyt w ten sposób. Obserwujemy ceremonię włączania winylu i słuchania go przy drinku, filiżance herbaty, butelce wina lub czymkolwiek innym – i dzieleniu się tym ze znajomymi. Nadal to lubię.

Myślę, że ten rytuał w pewnym sensie powrócił, nie sądzisz? Na twoje koncerty przychodzą 16-latkowie i to oni teraz sięgają po winyle i słyszą rzeczy, których nigdy wcześniej nie słyszeli. I oni też się nimi dzielą.

Myślę, że tak. Wszystko jest aktualne, prawda? To zachęcające, że sprzedaje się więcej winyli. Myślę, że to świetnie, bo naprawdę uważam, że to naprawdę fajny nośnik muzyki.

I cała różnica między sygnałem analogowym i cyfrowym — to coś, co naprawdę zauważasz, miksując nagrania, i to, jak reagują Twoje uszy, gdy masz do czynienia z dużą ilością informacji cyfrowych. Nie doświadczysz takiego zmęczenia, jeśli będziesz pracować na taśmie. Twoje uszy nie radzą sobie z taką samą ilością informacji, jaką otrzymujesz cyfrowo, z większą liczbą wzlotów i upadków – jest ich po prostu więcej wszystko z cyfrowym.

PRAWDA. W piosence np Nie wiem dlaczego, gdzie masz naprawdę fajne brzmienie werbla, takiego poziomu uderzenia po prostu brakuje w niskiej jakości plikach MP3.

Jak to mówią – słyszysz tylko 30 procent nagrania w formacie MP3? Pewnie źle to zacytowałem, ale ty Czy brakuje całego procentu tego, co zostało nagrane.

To taki rodzaj płyty, przy której trzeba założyć słuchawki, żeby wychwycić wszystkie niuanse. Utwór, który mnie dopadł, to Cukier dla pigułki, który po raz pierwszy usłyszałem w sklepie z płytami w New Jersey, poszedłem i od razu go kupiłem. Od tego czasu powtarzałem to nieskończoną liczbę razy.

Cóż, to genialne i myślę, że to naprawdę miłe, jeśli możesz w ten sposób dostać się do płyt. Ważną rzeczą jest zawsze to, co uderza cię jako pierwsze – jest to klimat lub w pewnym sensie atmosfera, kiedy słyszysz to po raz pierwszy, prawda?

Zgadzam się. Dobrze jest także widzieć sukces Slowdive w świecie streamingu, z wieloma milionami odsłuchań samej tej płyty. Jak myślisz, dlaczego osiągnąłeś tam taki sukces?

Myślę, że to kwestia młodych odbiorców, coś, co naprawdę można zobaczyć w Spotify. Zespoły, które nie sprzedają tak wielu produktów fizycznych, mogą mieć ogromną popularność na Spotify. Im młodsza jest publiczność, tym silniejszy będzie ten trend.

W miejscach, w których normalnie nie sprzedawałbyś płyt, teraz masz pojęcie o tym, jaka jest twoja publiczność, czego nie miałeś w przeszłości. To dla mnie interesujące, ponieważ wiedzieliśmy, że ludzie słuchają naszej muzyki w Argentynie, Brazylii i Meksyku, ale nie wiedzieliśmy tego ze sprzedaży płyt w przeszłości.

Teraz, gdy masz dostęp do tego rodzaju informacji, czy w ogóle uwzględniłoby to twój harmonogram tras koncertowych?

Może. Myślę, że to wszystko jest teraz supernaukowe (obaj się śmieją), ale to oznacza, że ​​jest mniej niewiadomych.

Miło jest wiedzieć, że termin „shoegazing” nie jest już postrzegany jako czteroliterowe słowo, jak to było jakiś czas temu. To pozytywna rzecz, którą ludzie przyjęli we współczesnym wszechświecie 2017 roku.

Myślę, że w pewnym momencie został on odzyskany przez ludzi, którzy kochali ten rodzaj muzyki. Miło jest widzieć jego powrót i zobaczyć, że przetrwał i zatoczył koło, jak mówisz. I, ośmielę się to powiedzieć, jest to poważny termin muzyczny.

Och, zgodzę się z tym, zwłaszcza gdy zobaczysz, że zespoły takie jak Beach House i Mogwai to przyjmują. Ale jaCzy w dzisiejszych czasach nagrywacie EPkę, po prostu wydajecie nowy singiel czy co? Teraz wszystko jest inne.

Najlepsze jest to, że nie ma żadnych zasad. Możesz po prostu robić, co chcesz, wiesz? Można dosłownie coś nagrać i wypuścić tego wieczoru.

To ciekawy czas. Bezpośredniość tego wszystkiego jest genialna. Miło jest mieć to uczucie, tak, ty Móc być spontanicznym. Cała technologia na to pozwala. Myślę, że to po prostu zastanowienie się, co chcesz robić i co sprawdza się dla ciebie jako zespołu lub artysty.