Kamper mot gitarist Ian Williams på La Di Da Di, og spiller live

"Som artist er jobben din bare å gjøre musikken så kul og sprø som du vil at den skal være."

Kunsten å fange og manipulere den uendelige loopen er en vanskelig ting. Gjør det riktig, og du kan ta en lytter med på en reise som aldri er helt den samme fra ett minutt til det neste, til tross for det konstante elementet med gjentakelse. Gjør det feil, og det er en enveisbillett til Yawnsville.

Bra vi har den Brooklyn-oppdrettede trioen Battles for å vise oss hvordan det bør gjøres. På deres nye album La Di Da Di, ut neste fredag ​​via Warp Records på forskjellige formater, Battles bøyer og former løkkene sine etter eget ønske, alt fra intensiteten i flere bevegelser til åpningssporet Yabba til det perkussive dramaet til Ikke-vold til den brusende ping 'n' shuffle av Megatouch.

Som nevnt, mens disse loopene skaper et utseende av struktur, er det opp til kreativiteten til de involverte spillerne hvor en sang går videre – spesielt når de er på scenen. "I disse nye sangene anerkjente vi ikke nødvendigvis formatet til poplåten så mye," observerer Battles-gitarist Ian Williams. "Og det er åpent nok til at vi kan tolke sangene slik vi vil på scenen. Jeg oppdager kanskje en ny plug-in på veien, og så skal jeg få dette til å skje for å lage en ny seksjon i sangen hvor jeg skal lage sprø nye gitarlyder. Det fungerer fortsatt innenfor konteksten til sangen, og det slutter ikke å være sangen."

Digital Trends ringte Williams på et turnéstopp i North Carolina for å diskutere bandets unike merkevare loop-magi, bryting med kunst versus handel, og hvordan Battles-sanger fortsetter å utvikle seg i en live innstilling.

Digitale trender: Jeg vil si måten du jobber med loopene dine på La Di Da Di viser at du praktisk talt har det ned til en vitenskap.

Ian Williams: Vel, vi har alltid laget loops som et band. Og når du snakker om å gjøre det live, er det umiddelbarheten av at det er et øyeblikkelig fotografi. Det er allerede litt fjernet fra at du faktisk "spiller" det, og det blir noe som er litt mer un-menneskelig. Det skaper mange muligheter - manipulasjon og å ta musikken til et annet sted enn du kunne hvis du faktisk spilte den.

Det er en velsignelse og en forbannelse. Det har sine begrensninger og sine ulemper. Den ene er denne monolittiske tingen som gjentar seg gjennom hele sangen. Men så er det det vi alltid har slitt med i denne gruppen - hvordan holde det interessant, og hvordan skifte det. Kan vi faktisk endre tonearten til sangen? Kan vi gi ørene dine en pause så du slipper å høre det samme igjen? Det er en av tingene vi jobber med som fester oss for tett, men noen ganger lar det oss gå flere steder enn vi kunne ved å spille.

Jeg ser det som et frigjørende konsept for deg. Hvordan har utstyret du har brukt for å lage loopene dine utviklet seg gjennom årene?

Helt i begynnelsen brukte jeg Akai Head Rush - de eldre pedalene fra 90-tallet. Og ganske raskt fikk vi alle Gibson Echoplexes, de digitale. Med disse kan du synkronisere pedalene sammen.

Dave [Konopka, gitarist/bassist] bruker fortsatt sin; han har et par av dem. Jeg har gått bort fra det og har utviklet meg til Ableton. Ableton, for meg, var som når du har én pedal og du tenker: «Å, det kan jeg dette, så hvis jeg hadde to pedaler, kunne jeg gjøre dobbelt så mye.» Åpenbaringen for meg med Ableton var at jeg kunne gjøre 300 ganger så mye, i form av å lage looper og ha flere ting i gang samtidig. Og så blir jeg bare tullete med det. På dette tidspunktet er jeg Digital Dude, og Dave er Analog SoundWorld Pedal Dude.

Det er en fin kontrast, med tanke på hvor bandet startet.

Folk bruker evigheter på å prøve å sette fingeren på hva som er digital lyd og hva som er analog lyd. Vi har diskusjonen om at kanskje Dave burde få Ableton, fordi teknologisk sett kan du gjøre flere ting med det. Men det er faktisk en dårlig idé - å holde oss i begge verdener holder lydspekteret større, og vi får det beste fra begge verdener noen ganger. Det er mer et kraftig aspekt fra de analoge tingene, men det er denne vanvittige presisjonen du kan få ut av det digitale.

Fordi du er en selvlært spiller og Dave kommer fra en designbakgrunn, kjemper dere ofte om struktur kontra, "La oss bare se hvor det går."

Jaja. Dave er litt minimalist, musikalsk sett, og jeg er litt av en maksimalist: «La oss gjøre det mer intenst!»

Jeg vet at det noen ganger er bra for meg å bli trukket tilbake, for for lytteren er det sannsynligvis en bedre opplevelse som er mer fokusert og mindre sprø.

Vi kommer etter hvert til midtbanen av hva en sang er. For oss er det ingen bandleder. Det er en komité der vi tre må være enige om at noe er bra. Men noen ganger er det vanskelig å få oss alle til å bli enige.

Til meg, Sommer Sommer ser ut til å være det perfekte nettverket av alles ideer - og du har det flotte utløpet mot slutten av det.

Ja ja ja. På den sangen brukte jeg Ableton Push for å komme til den gjentatte 16. toneinnstillingen, på introen. The Push gjorde den sangen mulig.

Hvordan bør folk høre på dette albumet? Lukker MP3 oss ut av opplevelsen av å få alle teksturene til loopene og komposisjonene?

Umm, mann, det er så rart i disse dager. Min form for å komme ut av å svare på spørsmålet ditt vil være jo lenger jeg har spilt musikk, jo mer forvirret er jeg over hvordan den spres og konsumert, og jo mer jeg fokuserer på å lage musikk og la menneskene rundt meg bestemme om det skal være på en Spotify-spilleliste og ting som at.

Jo mer verdifulle vi er når det gjelder den "riktige" presentasjonen av det, jo mer kan vi tygge det. Jeg tror at du som kunstner har et ansvar for å lage det beste du kan lage. Men distribusjonen av musikk er så merkelig nå - folk som hører på musikk på mobiltelefonene sine, og ikke engang med hodetelefoner. (ler) Men jeg vet at hvis du sier «Nei, det er ikke for det formatet», vil du avskjære deg fra så mange mennesker.

Jeg vet ikke om det er en bra eller en dårlig ting, men mye av det styrer deg til å gå på livekonserten. Det var en New York Times artikkel for noen uker siden i medieseksjonen om den nye digitale økonomien og hvordan den faktisk er bra for artister. I den ble det snakket mye om hvordan konsertbillettsalget de siste 20 årene har trendet langt opp mens platesalget har trendet langt ned. Den innspilte tingen er nå bare en måte å si: "Hei, kom og sjekk ut showet." Kanskje det er slik det går nå.

Det er det motsatte av 60- og 70-tallet, hvor albumet var det beste. Albumet blir nå sett på som en smakebit på hva du kommer til å få når du kommer til showet. Men live-opplevelsen er et av de få områdene vi kan samle folk i disse dager på samme side om det samme.

Vi er venstrefelte og eksperimentelle i DIY-tradisjonen. Jeg prøver å ikke være for verdifull om det. Det var en buddhistmunk i USA på 60- og 70-tallet ved navn Chögyam Trungpa, som var hipp med hippiene og Allen Ginsberg. Hele greia hans var at når han underviste i buddhisme, var det ikke bare en hellig tekst som bare skulle undervises i tempelet, men at det skal være tilgjengelig for alle, som et magasin til salgs i supermarkedsgangen. Det var OK å være denne varen tilgjengelig for å være overalt.

Noen ganger tenker jeg på det med musikk. Hvis du setter det på en TV-reklame, er jeg OK med det, fordi det får flere til å høre arbeidet ditt. Det handler ikke om å være på et museum. Som artist er jobben din bare å gjøre musikken så kul og sprø som du vil at den skal være. Etter det punktet, hvordan det spres til verden, vel – hvordan tjener du penger på musikken din? Er du en smart forretningsmann, eller ikke? Jeg vet at det er en helt annen samtale i motsetning til "Lager du "kul" musikk?" Jeg vil heller fokusere på å lage kul og interessant musikk.

La oss snakke om den live-opplevelsen. Med alle elementene du håndterer på scenen, hvordan vil den dynamikken endre seg nå som du har en ny plate å spille?

Som trommeslager har John alltid drevet med kick-tromme, snare, hi-hat og crash, og det er det han gjør. Han er det akustiske sporbare elementet i bandet. Du ser ham slå på skarptrommen, og du forstår den lyden.

Og så lener Dave seg over pedalene sine, gjør et filtersveip eller gjenfanger en løkke fra en pedal til en annen pedal. Og så med tingene mine, trigger jeg en synthesizer og spiller en gitar samtidig. Jeg spiller vanligvis gitar og key[board] samtidig - key med høyre hånd og gitar med venstre hånd. Eller jeg trigger synther og samples med gitaren min. Jeg gjør 50/50 blandinger der det er synthen og gitaren min som blander seg sammen.

Det er mye vanskeligere å spore hva vi gjør i fortellingen om det. Du ser andre opptredener og du sier: "Å ja, gitaristen spiller, og jeg hører en gitar." Nå hos oss er det mye mer forvirrende, men det er morsomt å leke med det. Det er mye å manipulere.

Opplever du at de nye sangene utvikler seg på scenen jo mer og mer du spiller dem?

For oss kommer det ned til turnéplanen vår og om vi har to uker fri der vi alle kan være i samme by på en gang og vi kunne faktisk øve, for det er sannsynligvis halvparten av plata vi ikke vet hvordan vi skal spille riktig nå. Vi må fortsatt øve på de sangene, og jeg vil fortsatt finne ut hvordan jeg skal spille dem live. Jeg gleder meg til å lære å spille dem. Akkurat nå gjør vi det Yabba, og at man blir strammere. Vi gjør også FF Bada, og det er ganske spillbart.

I den grad vi er et elektronisk band, er tingen med den elektroniske musikeren: "Du så meg bare trykke på en knapp." Det er omfanget av forholdet mellom utøvere og publikum der. Publikum sier: «OK, du trykket på en knapp; hva så?" Det du ikke får er, "Du så ikke hele dagen hvor jeg måtte være veldig flink med hvordan jeg programmerte denne tingen for å få det til! Det er alle tingene bak knappetrykket du ikke fikk se. Jeg fant veldig smart ut hvordan jeg skulle gjøre alle disse tingene, og tok det opp på scenen med meg for å få det til.»

Det er ikke sånn: "Herregud, jeg så nettopp Eddie Van Halen spille denne fantastiske 15-minutters gitarsoloen." Nå er det sånn: "Ja, han er fyren som trykker på knappen - men gutt, var det genialt, slik han måtte gjøre det!" Det er rart måten som kommer eller ikke kommer over.