Hollis Brown levert muziek op meerdere platforms, precies in het moderne muziektijdperk

“Het is een goede positie voor ons om in staat te zijn muziek uit te brengen wanneer we maar willen en op allerlei verschillende manieren een publiek op te bouwen.”

Het beheersen van het huidige muziekmarketingparadigma is geen gemakkelijke taak. Breng je een single, een EP, een volledig album of wat uit? Of je het nu leuk vindt of niet, het antwoord is ‘al het bovenstaande’.

Feit is dat hedendaagse muzikanten superflexibel moeten zijn als het gaat om de voortdurende en constante beschikbaarheid van hun muziek kunst – iets wat het rootsy, Americana R&B-collectief bekend als Hollis Brown begrijpt en omarmt van harte.

In de klassieke ‘geef de mensen wat ze willen’ mode, Hollis Brown – genoemd naar Bob Dylans grimmige folk-bluesklassieker uit 1964, Ballade van Hollis Brown – zorg dat je genoeg auditieve munitie hebt om uit te kiezen. Dit omvat de huidige hitsingle Ren recht naar jou toe, dat verder doordrong toen het onderdeel werd van een online advertentiecampagne van Abercrombie & Fitch;

Cluster van parels, een vinyl-EP in beperkte oplage, op maat gemaakt voor de Record Store Day van vorig jaar, die zo snel uitverkocht was dat er slechts een paar maanden later een digitale release nodig was; en een volledig album met de titel 3 schoten . Die laatste release omvat Regendans, een nummer met wijlen gitaaricoon Bo Diddley, dat de band veel aandacht trok toen het werd gebruikt in de trailer van de recente Michael Keaton-biopic met Ray Kroc in de hoofdrol, De oprichter.

Ja, dat is het precies hoe je het in de moderne tijd goed doet.

Natuurlijk betekent alle marketing ter wereld niets als je muziek niet die swing heeft, maar het goede nieuws is dat het geluid van Hollis Brown op alle cilinders presteert.

“Wij zijn een no-nonsense band. Er zijn geen rook en spiegels”, legt HB-frontman Mike Montali uit aan Digital Trends. “We zijn afhankelijk van ons vijven die samen spelen, live en kicken. We zijn gefocust op het schrijven van het beste materiaal en het maken van de beste nummers – de nummers die het beste passen bij onze stijl en het geluid dat we samen maken.

Montali belde Digital Trends vanuit zijn thuisbasis in Queens, New York om te praten over het anders maken van muziek voor vinylreleases, hoe je het beste kunt reageren op de voorkeuren van het publiek en hoe je invloeden origineel kunt maken ideeën.

Digitale trends: Had u een specifiek klankpalet in gedachten? Cluster van parels omdat je wist dat het oorspronkelijk alleen bedoeld was voor een vinylrelease?

Mike Montali: We deden. We gingen naar Nashville en namen op met Adam Landry [die ook Deer Tick, Vanessa Carlton, Diamond Rugs en Lilly Hiatt produceerde]. We hebben het live, analoog en rechtstreeks op tape opgenomen, net zoals een oude vinylplaat in de jaren zestig of zeventig zou zijn gemaakt, zoals een Creedence Clearwater Revival-plaat of zoiets.

We hadden absoluut de mentaliteit om het organisch te maken en ons allemaal samen te laten spelen. Zelfs de zang werd live opgenomen. En aangezien het allemaal live op de band stond, was het niet alsof we terug konden gaan. Als er iets raars met een gitaar in zat, dan moest dat blijven. We konden niet teruggaan en een andere gitaar overdubben, omdat deze allemaal doorbloed was [d.w.z. meerdere instrumenten verschijnen samen op hetzelfde nummer omdat het nummer live is opgenomen].

Het heeft ons een betere band gemaakt en ons veel scherper gemaakt. Als we allemaal een geweldige versie hadden, maar ik een slechte vocale prestatie had, zou iedereen terug moeten gaan en het opnieuw moeten doen. Niemand wilde de persoon zijn die het schip omhoog hield, wat geweldig was. En als je het goed op tape deed, kreeg het hopelijk wat meer warmte.

En nu hebben we verschillende versies van die EP digitaal op Spotify, iTunes, Soundcloud…

We wisten niet eens dat het ooit online zou komen, maar je moet je aanpassen en aanvoelen hoe het publiek naar muziek wil luisteren, begrijp je wat ik bedoel? We hebben het gewoon op elke mogelijke manier naar buiten gebracht.

Ik denk dat de vinylrevival heeft geleid tot betere luistergewoonten en ervoor heeft gezorgd dat mensen meer aandacht hebben besteed aan hoe een plaat stroomt en hoe goed deze over het algemeen klinkt.

Ja zeker. Het voegt een andere benadering toe aan de kunst van het samenstellen van een album. Door streaming is het tegenwoordig meer een singles-omgeving, waardoor de industrie het gevoel krijgt dat het bijna teruggaat naar pre-Beatles.

Je hebt net mijn gedachten gelezen. Totdat The Beatles het concept introduceerden dat het album een ​​kunstvorm was, ging het meer om de single van de week, en was het album een ​​bijzaak.

Ja precies. We zetten Ren recht naar jou toe onlangs als single uitgebracht en het doet het op zichzelf goed, ook al is het niet aan een album gekoppeld. Het is echt interessant, omdat veel radiomensen zeggen dat het zeldzaam is dat een single als deze voorkomt doet het zo goed zonder een bijlage bij een album - en er is ook geen aankondiging van een album daarvoor.

Voor veel mensen is alles nu een snelle klik-klik-klik, en ze willen niet een uur blijven zitten luisteren naar een hele plaat. Ze zetten het op een afspeellijst, of ze schudden het in willekeurige volgorde waar het verschijnt. Uitzetten Ren recht naar jou toe aangezien een op zichzelf staande single waarschijnlijk het beste is wat we ooit hebben gedaan in termen van succes – het staat op de hitlijsten, op de radio, in de Abercrombie & Fitch-commercial, en het is op een aantal grote afspeellijsten terechtgekomen te.

Het was een ervaring om te proberen te zien wat voor ons als band werkt. De meeste mensen zeggen: 'Ben je een rockband? Oh, dan willen we albums horen.” Maar de single heeft het beste voor ons gedaan, dus we zitten ergens in het midden en proberen het allemaal uit te zoeken.

Ik beschouw singles als de toegangspoort tot een band. Als wat ik hoor bij de eerste single mij bevalt, kan ik misschien de tweede kopen of beluisteren, en als ik dat leuk vind ook één, dan kan ik er helemaal voor gaan en bedenken dat het volledige album de investering van mijn tijd waard is, en die van mij geld. Ik ben nu bereid om een ​​volledigere ervaring met jouw muziek na te streven.

Precies – en het zorgt ook voor een langere houdbaarheid. Als je een band bent die een verzameling van twaalf nummers uitbrengt en je doet een quote-unquote “traditioneel campagne” – maak er een albumcyclus omheen waar, een maand nadat je het hebt laten vallen, niemand echt iets geeft een shit. Ze zijn al bezig met de volgende klik, de volgende video of het volgende virale ding.

Misschien is het misschien een beter idee om in de loop van een jaar of anderhalf jaar twaalf singles uit te brengen dan slechts één plaat uit te brengen die meteen wat pers trekt en vervolgens vervaagt. Maar het is ook situationeel, omdat het kan afhangen van het type band en artiest dat je bent.

Je bent slim genoeg om aan de behoeften van je publiek te voldoen wat betreft de manier waarop ze met je muziek willen omgaan.

Dat is onze mentaliteit. Het uitbrengen van nieuwe muziek is belangrijk. Je hebt bands die vier jaar tussen hun platen zitten. Dat is nooit onze bedoeling geweest. We willen elk jaar voortdurend nieuwe releases hebben en een grote muziekcollectie verzamelen.

Het is belangrijk voor ons om nieuwe dingen uit te brengen. En gelukkig – of helaas – als je dat doet, moet je met de stroom meegaan en het naar buiten brengen zoals het komt. Het kan een single zijn, een EP, een album of een dubbelalbum. Je doet het, hoe het ook doorkomt.

Ik wil zoveel mogelijk nieuw materiaal als ik kan krijgen van mijn favoriete artiesten, zo vaak als ze het kunnen leveren.

En je moet er creatief in zijn. Het is een goede positie voor ons; om muziek uit te kunnen brengen wanneer we willen en op allerlei verschillende manieren een publiek op te bouwen. Jongere mensen reageren op de single en de video, en op de manier waarop we deze in licentie geven. Ons oudere publiek vindt het leuk dat we het vinyl en de Record Store Day-dingen uitbrengen, dus het werkt allemaal voor ons.

En we proberen ook gewoon authentiek te zijn met het geluid. Bepaalde nummers passen niet noodzakelijkerwijs bij andere – de opnamestijlen, de ideeën en de teksten. Als je een plaat maakt, heb je misschien dertig nummers, en vijf daarvan heb je echt Echt liefde, maar ze passen niet bij het samenhangende idee van het album. Je kunt ze daar niet echt op zetten, dus zet je ze als singles uit. De mentaliteit is heel verschillend van EP tot single tot album in termen van de samenhang en stijl van dit alles.

Toen we gingen knippen Ren recht naar jou toe, we hebben het opgenomen terwijl we alleen maar aan dat ene nummer dachten, en het klonk geweldig voor ons. Maar toen we bezig waren 3 schoten, we hadden het gevoel dat al die nummers deel zouden uitmaken van die ene release. We wilden dat de sfeer van die plaat van nummer tot nummer samenhangend was, en we gingen er met die mentaliteit op in. Het is van situatie tot situatie, denk ik.

Ren recht naar jou toe was een voortzetting van de Koude stad geluid [een van de beste nummers op 3 schoten], en dat is de richting waarin we gaan: een beetje meer R&B-rootsrock. Slaat dat ergens op?

Helemaal. Ik zie het alsof jullie die vroege J. Geils Band-mantel, ongeveer zoals hun vroege albums J. Geils Band (1970) en Bloeddoorlopen (1973).

Oh dat is cool. Ik zal terug moeten gaan om naar hen te luisteren. Ik denk dat we bij onze volgende grote release meer die route zullen volgen - meer vrolijke rock met een moderner R&B, Temptations-gevoel. We zijn een Americana-band geweest, wat nichemuziek is, maar we komen ook uit New York City, dus we hebben dat natuurlijke voordeel dat sommige andere bands niet hebben. Wij willen ons daar echt in verdiepen en er niet voor terugdeinzen.

Jullie maken zo'n geweldige versie van de bluesklassieker Lepel op 3 schoten dat het mensen er misschien toe zal aanzetten om zowel de zwaardere Cream-versie [uit 1966] als de originele Howlin’ Wolf-versie [uit 1960] te gaan bekijken. Ik hou van al het oppervlaktegeluid en de harp [dat wil zeggen, de mondharmonica] die op het juiste kanaal binnenkomt in jouw versie.

Geweldig! Daarin is ook John McCauley van Deer Tick te horen, die te gast is op de zang. Het is ook live gedaan, en ik denk dat we er twee opnames van hebben gemaakt. Aan het eind loopt het in een file. Dat gebeurde nogal toevallig, want zo speelden de banden. We hadden die jam al op band, en we gingen terug en namen op Lepel overheen. Aan het einde van het nummer zat de jam er nog steeds, en het nummer dreef er op natuurlijke wijze in, dus zeiden we: 'Laten we het gewoon houden. Het klinkt best cool.”

Dat soort dingen doen is belangrijk voor ons om hulde te brengen aan de grote Amerikaanse artiesten door wie we zijn beïnvloed. We proberen onze hoed voor hen op te steken terwijl we nog steeds ons ding doen. Wij willen de act zijn die de erfenis van de Amerikaanse muziek voortzet, waarbij mensen zich zorgen maken over het schrijven van liedjes en het bespelen van je eigen instrumenten. Dat is wat voor ons belangrijk is.

Daar heb ik genoeg van. Je moet je invloeden meenemen, ze in je eigen ketel stoppen en als Hollis Brown aan de andere kant ervan tevoorschijn komen.

Het is iets dat door veel bands wordt vergeten. Er komt een band met één plaat die dit unieke geluid heeft, en dat is alles wat ze doen; ze gaan nergens anders heen. Maar we houden ervan om te veranderen, en ik heb het gevoel dat we ons geluid hebben veranderd om te komen waar we nu zijn. Wij zijn er een veel betere band voor. Nu willen we het best mogelijke materiaal schrijven voor de volgende release.