Interview: Moby over fotografie, opgroeien, onschuldigen, vernietigd

“Je blijft maar schieten en hopen op gelukkige ongelukken. Het eerste bewerkingsproces vindt eigenlijk in de camera plaats.”

Elektronische muziek icoon Moby heeft altijd een individualistische draai aan zijn muziek gegeven, en hij draagt ​​die filosofie over zijn veelgeprezen fotografie. Zelfs na talloze spraakmakende tentoonstellingen en galerietentoonstellingen volgt hij nog steeds het advies van zijn oom Joseph Kugielsky, fotograaf voor De New York Times, gedeeld nadat hij hem een ​​van zijn oude had gegeven Nikon F-camera's toen hij nog maar 10 jaar oud was.

“Hij zei: ‘Als je kunt, maak dan foto’s van dingen die andere mensen niet kunnen zien’”, herinnert Moby zich. “Als u bij een tolhuisje werkt, maak dan foto’s vanuit uw tolhuisje; niemand anders kan dat zien. Als je een muzikant bent, maak dan foto's vanaf het podium, want niemand anders kan het zien Dat. Gezien de alomtegenwoordigheid van fotografie, vooral in het digitale tijdperk, heb ik het gevoel dat bijna alles al 100 miljoen keer is opgenomen.”

Die digitale alomtegenwoordigheid heeft de creatieve impulsen van Moby beïnvloed. “Aangezien de helft van de mensen op deze planeet foto’s maakt, is het de vraag wat ik kan doen een fotograaf die betekenis kan hebben voor mij en andere mensen en toch op de een of andere manier uniek kan zijn”, zegt hij merkt op. “Naarmate de tijd verstrijkt, ben ik minder geïnteresseerd geraakt in reportages en het documenteren van wat er al is. De Onschuldigen show was dat ik een wereld creëerde en die vervolgens documenteerde, bijna een soort van manipulatie van de semiotische relatie die mensen met een beeld zullen hebben. Onschuldigen, Moby’s succesvolle galerieshow uit 2014, was gebaseerd op het idee dat ‘de apocalyps al heeft plaatsgevonden. De show is een blik op de apocalyps en een post-apocalyptische ‘cultus van onschuldigen’ die is ontstaan ​​in de nasleep van de apocalyps.”

Digital Trends belde Moby (echte naam: Richard Melville Hall) in Los Angeles om meer te weten te komen over hoe hij voor het eerst terechtkwam in fotografie, wat zijn favoriete uitrusting is en waar hij voor gaat als hij foto's maakt terwijl hij op het podium optreedt. Eén ding is zeker: Moby houdt van fotograferen.

Digitale trends: wanneer wist u voor het eerst dat fotografie belangrijk voor u was en iets was dat u wilde nastreven?

Moby: Toen ik opgroeide, maakte ik via mijn moeder voor het eerst kennis met serieuze kunstfotografie. We waren erg arm, en we hadden maar één kunstboek toen ik opgroeide: een boek met foto's van Edward Steichen uit de late 19e eeuw tot het begin van de 20e eeuw. Ik heb mijn jeugd herhaaldelijk naar dit boek van Edward Steichen gekeken (op picturalisme) en er versteld van staan.

Wat mij al op jonge leeftijd fascineerde aan fotografie, was het begrijpen hoe dit medium zoveel verschillende mogelijkheden kon hebben. Fotografie is zo alomtegenwoordig. Het kan worden gebruikt om boter te verkopen, het kan worden gebruikt om oorlogsgruweldaden aan te tonen, en het kan worden gebruikt om zeer subtiele, genuanceerde schoonheid te creëren. Ik vond dat zo interessant, totemisch en krachtig.

Mijn oom (Joseph Kugielsky) was fotograaf geweest De New York Times, dus groeide ik op met hem in zijn donkere kamer. Hij nam me mee naar fotoshows op het ICP (Internationaal Centrum voor Fotografie), in New York en andere plaatsen.

Fotografie zit letterlijk in je bloed, zou je kunnen zeggen.

Ja. Toen ik tien jaar oud was, gaf hij me mijn eerste camera, een Nikon F die hij al jaren en jaren gebruikte. Achteraf gezien was het echt een ambitieuze, ambitieuze camera voor een 10-jarige die nog nooit echt foto's had gemaakt. En dan kreeg ik elk jaar voor mijn verjaardag of Kerstmis een ander fotoapparaat.

Wat zou je krijgen – dingen zoals nieuwe lenzen?

Ik had altijd dezelfde lens, maar ik kreeg een spotmeter. Toen ik 13 of 14 was, leende mijn oom mij wat oude doka-apparatuur die hij niet gebruikte: een Omega D2-vergroter. Ik zette het op in de kelder van het huis van mijn moeder en begon te leren hoe ik chemicaliën moest mengen en film moest verwerken, ontwikkelen en printen.

Het enige dat ik niet mis aan de donkere kamer zijn de chemicaliën, omdat ze echt ongelooflijk giftig waren. Als ik veel in donkere kamers werkte, voelde ik me de hele tijd misselijk. Vooral de fixeer- en de stopbaden – ik denk dat vooral die twee chemicaliën waarschijnlijk jaren van mijn leven hebben gekost.

Wat gebruik je nu qua uitrusting?

Nou, het hangt ervan af wat ik fotografeer. Als ik iets formelers of meer doordachts fotografeer, gebruik ik de Canon EOS 5D Mark II. Maar ik heb een Canon PowerShot die ik gebruik voor spontanere dingen, bijvoorbeeld als ik foto's maak op het podium of als ik onderwaterfotografie doe. Ik gebruik de Canon PowerShot omdat deze in RAW fotografeert. Ook al is het een kleine camera, ik heb er echt foto’s mee kunnen maken en ze heel, heel groot kunnen afdrukken – wat mij verbaast, omdat ik aannam dat ik met kleine camera's inherente beperkingen zou hebben in termen van wat ik kon doen, printtechnisch.

Omdat ik heel arm was, moest ik heel, heel selectief fotograferen toen ik opgroeide. Film was duur, chemicaliën waren duur, papier ontwikkelen was duur – alles was duur. Toen ik digitaal begon te fotograferen, begon ik op dezelfde manier te fotograferen als met film: heel selectief en heel spaarzaam. Maar na verloop van tijd, vooral als ik op het podium fotografeerde, liet ik mezelf constant fotograferen.

Hoe weet je wanneer je een foto wilt maken tijdens een optreden? Hoe kom je in die gemoedstoestand?

Wat het kiezen betreft Wat om te fotograferen – omdat de lichten zo snel veranderen, kun je niet echt voorspellen, zelfs niet van de ene seconde op de andere, wat je gaat krijgen. Dus je blijft maar schieten en hopen op gelukkige ongelukken.

Voor mij zit het eerste bewerkingsproces eigenlijk in de camera. Als ik na de show op mijn hotelkamer ben, voordat ik de beelden van het publiek in Lightroom zet, kijk ik door de camera en probeer ik de helft ervan te verwijderen. Vaak zal de helft ervan te donker of te wazig zijn, of zoiets.

Heb je bepaalde favoriete gelukkige ongelukken?

Ummm... eerlijk gezegd zijn ze dat allemaal. (Lacht.) De laatste serie die ik deed, Onschuldigen, was in zekere zin veel formeler, wat betekent dat het langzaam en met veel aandacht werd gepland. Maar alle publieksfoto's zijn voor het grootste deel spontaan. Ze zijn absoluut het product van een leven lang fotograferen. Als je een camera overhandigt aan iemand die tientallen jaren foto's heeft gemaakt, zullen ze de zaken op een iets meer doordachte manier inlijsten. Dat betekent niet dat het zo is beter, omdat soms een toevallige, spontane kadrering geweldig kan zijn. Ik heb zoveel decennia door een zoeker gekeken dat het moeilijk voor me is om de zaken niet wat formeler in beeld te brengen.

Er zijn bepaalde dingen die niet opnieuw hoeven te worden gefotografeerd, vooral niet door iemand die probeert een bedachtzame, professionele fotograaf te zijn. Bepaalde dingen kun je gewoon met rust laten. Net als de Eiffeltoren – dat is prima niet maak nog meer foto's van de Eiffeltoren. Ik bedoel, het is een prachtig gebouw, het is opmerkelijk, het is iconisch, maar tenzij je iets nieuws kunt toevoegen aan een foto van iets dat al een miljoen keer is opgenomen, is het waarschijnlijk het beste om gewoon verder te gaan en iets te vinden dat andere mensen niet hebben gedocumenteerd.

Er is een unieke stijl voor fotograferen op het podium en onderweg.

Ik zou niet eens weten hoe ik het moet noemen – het is een soort hybride tussen (pauzeert) … autobiografische reportage. Een van mijn favoriete oeuvre is Richard Billingham, een boek genaamd Ray is een lach (uitgegeven door Scalo in 2000). De naam van zijn vader was Ray, en het is dit verbazingwekkende document van een gezin dat is opgegroeid in een woonwijk in Noord-Engeland. Op het eerste gezicht kun je je niets minder dramatisch of meeslepend voorstellen dan een alcoholist die in een deprimerende woonwijk woont. Maar in de handen van fotograaf Richard Billingham wordt het mooi, transcendent en hartverscheurend, en in staat om deze waarheden over de menselijke conditie over te brengen. Dat is zijn genialiteit in dat oeuvre, waarbij hij het uiterst alledaagse neemt, vastlegt en presenteert op een manier die uniek en mooi is.

En dat is de sleutel. Zou het ook kunnen met de Eiffeltoren?

Ja, er is op dit moment waarschijnlijk een fotograaf die een foto maakt van de Eiffeltoren en deze vastlegt op een manier die absoluut nieuw en uniek is.

Is er een onderwerp of object dat u als een uitdaging beschouwt, iets waarmee u iets nieuws zou doen op een manier die nog niet eerder is gedaan?

Eerlijk gezegd werd het gedaan in het boek Destroyed (2011), het document over op tournee gaan. De waarheid is dat de wereld van muzikanten die op tournee gaan al een miljard keer is gedocumenteerd. Maar ik besefte dat bijna elk document dat ik ooit van een muzikant op tournee had gezien, er voor mij hetzelfde uitzag: glamoureuze foto's van de muzikant op het podium, gruizige zwart-witfoto's van een muzikant backstage, of muzikanten in een privévliegtuig – en altijd geïnspireerd door een gevoel van glamour.

Glamour en recht.

Ja. De ervaring van toeren – er is heel weinig dat echt glamoureus is. Zelfs als je je in een ogenschijnlijk glamoureuze omgeving bevindt, is het over het algemeen nog steeds mooi niet glamoureus. Ik wilde de verontrustende vreemdheid van toeren documenteren, de ‘alledaagsheid’ van toeren op een manier die ik nog nooit eerder had gezien. Dat was precies de uitdaging: touren documenteren op een manier die eigenzinnig en eerlijk aanvoelde.

Dat vind ik leuk. Als je op pad gaat – en ik ben daar zelf met bands geweest – zijn er twintig of meer uren per dag die niet de glamour zijn die sommige mensen beweren te zijn. Daarover gesproken, ik vind die ene foto die je maakte van de mensen die op het vliegveld stonden te wachten, geweldig.

Mm-hmm. Het is een van de redenen waarom ik vrienden werd met Jason Reitman nadat hij dat had gedaan Hoog in de lucht (2009), omdat ik denk dat hij zo geweldig werk heeft geleverd door niet alleen het gebrek aan glamour rond vliegreizen te laten zien, maar ook die verontrustende vreemdheid. Elke vorm van reizen en elke vorm van toeren maken, aan het eind van de dag... het is gewoon raar.

Reizen is in sommige opzichten vreemd, als je er afstand van neemt. Wordt het ooit minder vreemd, naarmate je het vaker doet?

Het bekende kan na verloop van tijd minder vreemd gaan voelen, maar soms is het fijn om een ​​stap terug te doen en jezelf bijna opnieuw kennis te laten maken met de vreemdheid van het bekende. Er is niet echt veel in iemands leven dat, als het wordt onderzocht, niet vreemd blijkt te zijn. Alles is.

Zelfs alleen al het leven is vreemd, in een universum dat 15 miljard jaar oud is op een planeet die 5 miljard jaar oud is. Omdat het deze vreemde, meercellige wezens zijn – op zichzelf, dat is vreemd. Per definitie zijn er veel dingen in ons leven die bekend zijn, maar dat doet niets af aan hun vreemdheid.

Onschuldigen was een groot succes. Heb je nog andere grote overkoepelende fotoprojecten waar je nu aan werkt?

Nee. Er is veel informatie die ik moet verwerken en waarop ik moet reageren, en ik ben bezig uit te zoeken wat dat volgende fotoproject en de volgende fotoshow zal zijn.

Een van de verbazingwekkende dingen van fotografie – en ik zeg volledig wat voor de hand ligt – is dat het kan iets. Ik heb het specifiek over statische fotografie; tweedimensionale onbeweeglijke fotografie. Veel van mijn vrienden die fotografen zijn, gaan experimentele films maken en films maken. Dat doe ik graag, maar uiteindelijk zie ik nog steeds zoveel kracht in een statisch, tweedimensionaal beeld. Het kan abstract zijn, het kan hyperreëel zijn, het kan reportage zijn, het kan zo zijn volledig fantastisch, uitgevonden en verzonnen. Er is iets bevrijdends en intimiderends aan het bedenken van het volgende rare fotoproject dat ik doe, omdat het van alles kan zijn.