Colby Browns paspoort leest als de ultieme bucketlist van de fotograaf: het noorderlicht in IJsland, de Australische outback, jaguars in Brazilië en gorilla's in Oeganda. Maar tijdens de allereerste reis die de reisfotograaf voor het eerst deed verlangen om de wereld vast te leggen, was Brown een 17-jarige jongen die klaagde bij elke kans die hij kreeg.
Brown is nu al twaalf jaar fotoveteraan en heeft allerlei projecten aangepakt, van het leiden van twee jaar student expedities voor National Geographic om advertentiecampagnes te maken met grote merken als Google, Samsung en Microsoft. Een Sony-vakman, Brown reist vijf tot zeven maanden per jaar. Nadat hij direct na zijn studie als alleenstaande nomade begon, gaan hij nu soms ook met zijn vrouw en zevenjarige zoon op reis.
Browns werk is minder nichegericht dan de meeste fotografen. Terwijl scrollend door zijn Instagram onthult locaties op meerdere continenten, zijn werk omvat landschappen, dieren in het wild en mensen. Tegenwoordig omvat zijn professionele werk marketing, reizen en foto-educatie.
Nadat hij meerdere fotografieworkshops op bestemmingen had geleid, richtte hij op De geeflens, een organisatie die samenwerkt met non-profitorganisaties over de hele wereld die afbeeldingen nodig hebben. Via The Giving Lens Trips leren fotografen op locaties buiten de gebaande paden, terwijl niet-gouvernementele organisaties foto's verkrijgen om hun doel te helpen bevorderen.
Tijdens een door Adobe gehoste workshop op de Maagdeneilanden sprak Brown onlangs met Digital Trends deel inzicht in zijn fotografische reis, zijn wereldwijde avonturen en zijn ongebruikelijke kijk op stijl en bewerken. Het volgende interview is aangepast voor duidelijkheid en lengte.
DT: Hoe ben je begonnen?
Bruin: Ik ben puur uit liefde voor reizen met fotografie begonnen. Ik werd letterlijk gebeten door de reismicrobe en besefte dat reizen en het idee om buiten mijn comfortzone te zijn zoiets voor mij heel opwindend was. Ik maakte een soort Habitat for Humanity-reis (niet echt met hen, maar zo'n reis) toen ik 17 was. Het was een hele uitdaging en we waren scholen aan het bouwen en beton aan het leggen. Ik denk dat ik me behoorlijk ellendig voelde tijdens de reis; ik klaagde veel. Maar achteraf gezien, zelfs een paar weken later, besefte ik hoeveel het mij veranderde.
Ik kocht enkele reiskaartjes en werkte aan projecten en het ene project leidde tot het volgende.
Toen ik ging studeren, nam ik hier en daar een semester vrij om te reizen en tegen de tijd dat ik afstudeerde, wist ik gewoon dat ik weer op pad wilde. Ik ben puur met fotografie begonnen omdat ik dacht dat het een voertuig zou zijn waarmee ik weer zou kunnen gaan reizen.
Ik was single en was destijds nomadisch, dus ik had geen connecties. Ik had geen ankers, niets dat me thuis hield, en dus begon ik gewoon overal naartoe te reizen. Ik kocht enkele reiskaartjes en werkte aan projecten en het ene project leidde tot het volgende. Ik begon in Zuidoost-Azië en heb daar een aantal jaren gewoond om te schrijven voor de Sierra Club en een handvol andere plaatsen, en heb zojuist mijn portfolio opgebouwd. Twee jaar later werd ik aangenomen door Nat Geo om te helpen met hun expeditieprogramma's.
DT: Hoe is uw proces veranderd naarmate u meer ervaring opdoet?
Ik denk dat hoe meer ik fotografie fotografeer, hoe meer ik heb kunnen ontdekken wat ik graag fotografeer, hoe ik fotografeer en hoe ik het graag verwerk. [Ik heb het vermogen ontwikkeld] om een scène te conceptualiseren en voor te stellen zoals ik die wil fotograferen als ik weg ben daar in het veld en heb een idee hoe ik het zou willen verwerken, zodat het een compleet stuk is. Ik vind de interessante verhalen in termen van wat ik vastleg.
Vaak probeer ik met mijn beelden emoties op te roepen. Ik denk dat dit de manier is waarop je tegenwoordig de aandacht van mensen moet trekken. Ik merk dat hoe langer ik fotografeer, ik beter word in het verfijnen van de verschillende elementen waarnaar ik graag zoek in een scène, de verschillende stijlen van hoe ik graag fotografeer fotografeer zoals de sluitertijden voor water en verschillende onderwerpen die ik interessanter of spannender vind of die het best mogelijke beeld vastleggen met de gegeven tafereel.
Technologie heeft ook behoorlijk geholpen in dat proces, zowel bij de nabewerking als bij het veldwerk. Dingen zoals sensoren die beter worden – die elementen hebben er zeker toe bijgedragen dat mijn proces in het veld eenvoudiger, effectiever en efficiënter is geworden. Voorheen had ik, zowel qua ervaring als qua technologie, misschien niet de mogelijkheid om zoveel mogelijk inhoud te creëren van een bepaald project of een bepaalde reis. Na twaalf jaar heb ik het proces behoorlijk verfijnd. Ik ben zeker altijd op zoek naar manieren om te verbeteren, maar gaandeweg leer je en kom je erachter wat je wilt en hoe je wilt fotograferen.
DT: Welk advies zou je geven aan nieuwe fotografen die net beginnen?
Als je net begint, zou ik je twee adviezen geven. De eerste die ik zou willen geven is: wees niet bang om te falen. Ik denk dat te veel mensen het niet proberen en niet in de groep stappen, geen nieuwe dingen proberen, omdat ze zich zorgen maken dat ze er niet goed in zijn of er niet in kunnen slagen. In elke branche zijn het over het algemeen de mensen die het meest succesvol zijn, of het nu emotioneel of emotioneel is financieel gezien is hun succes over het algemeen gebaseerd op een reeks mislukte ideeën en daar hebben ze van geleerd fouten. Maar ze waren bereid om te proberen zichzelf daarbuiten te duwen.
Leer van de slechte beelden die je maakt.
Het volgende advies dat ik zou geven is: probeer te leren van de slechte beelden die je maakt. Het is voor sommige mensen een moeilijk concept om te begrijpen, omdat we altijd de mooie kant van dingen willen laten zien. Als je naar onze Instagrams kijkt, zijn er samengestelde blikken op onze levens, maar in werkelijkheid heb ik, toen ik net begon, veel meer geleerd van de 99 foto's die ik maakte waren waardeloos dan de ene foto die geweldig bleek te zijn omdat ik geluk had, omdat ik op dat moment niet wist wat ik was aan het doen.
Ik ging terug en bestudeerde de dingen die ik niet leuk vond, en ik probeerde erachter te komen waarom. Was het iets voor de hand liggend, zoals onscherp zijn of een slechte compositie? Was het onderwerpplaatsing? Was het kleurtonaliteit? Heb ik de belichting goed of fout gekregen? Wie vind ik binnen dat spectrum niet leuk? Door dit te doen en echt in de fouten te duiken waarvan ik dacht dat ik ze maakte, hielp het me bij het verfijnen mijn visie of de rode draad van wat ik graag fotografeer, hoe ik graag fotografeer en hoe ik dat graag doe proces. Ik kon van die fouten leren in plaats van me alleen maar te concentreren op de winnaars of de trofeeën waar ik geluk mee had, omdat ik het toen nog aan het uitzoeken was. Gooi geen afbeeldingen weg en verwijder geen afbeeldingen waarvan u denkt dat ze niet geweldig zijn. Probeer in plaats daarvan manieren te bedenken om het potentieel ervan te maximaliseren. Leer van je fouten en probeer ze de volgende keer niet te maken.
DT: De meeste fotografen hebben een specifieke stijl, dat is alles. Maar dat benader je anders, beeld voor beeld.
Absoluut. Tegelijkertijd, als je wilt, zijn de meeste fotografen, de meeste mensen die dit professioneel doen, gespecialiseerd. Zo-en-zo wordt een landschapsfotograaf die gefixeerd is op bergen en iemand anders die alleen maar studioportretten maakt en misschien daarbinnen alleen maar vrouwen fotografeert. Persoonlijk vind ik dat consistentie binnen het creatieve spectrum een beetje beperkend voelt. Ik heb altijd al een grote verscheidenheid aan dingen willen fotograferen, en binnen die ruimte wil ik elk van deze dingen verschillende onderwerpen om op zichzelf te staan, om apart te staan en hun eigen stukje te vertellen zodat die beelden aanvoelen uniek.
Ik denk dat als je terugkijkt op de reikwijdte van mijn portefeuille, ik het gevoel heb dat er misschien een soort rode draad is die er enigszins mee verbonden is, maar die is lang niet zo voor de hand liggend. Bepaalde fotografen hebben al hun afbeeldingen dezelfde stilering. Voor mij is dat hetzelfde als de fotograaf die zijn stijl afdrukt in de natuurlijke wereld of wat hij ook ervaart.
Ik probeer me daar enigszins van te onthouden, om op zijn minst het gevoel of idee van de werkelijkheid in evenwicht te brengen met wat ik me herinner, het gevoel dat ik daar was... Ik wil geen nepbeelden creëren, maar ik wil het wel laten mensen krijgen tenminste een kans, een kans, een glimp van hoe het voelde om naar een Zilverruggorilla te staren of een waterval in IJsland te zien of getuige te zijn van een prachtige zonsondergang in de Amerikaanse Maagdeneilanden Eilanden. Als ik dat kan samenvatten, dan zou ik liever afzien van het idee dat ik mijn enige stijl moet inprenten, alleen maar omdat het vanuit zakelijk oogpunt of vanuit de algoritmen op sociale media lonend zou kunnen zijn.
DT: Kun je ons iets vertellen over je post-editingproces?
Het is voor elke afbeelding een beetje anders. Ik kijk graag naar elke afbeelding en denk: oké, wat is dat verhaal dat ik probeerde te vertellen? Wat fascineerde mij om mee te beginnen? Waarom heb ik deze foto gemaakt? Ik heb het gevoel dat dit bepaalt hoe ik het verwerk en wat ik graag gebruik.
Er zijn waarschijnlijk een paar dingen die op elkaar lijken of waar ik naar op zoek ben als ik mijn afbeeldingen begin te verwerken, zoals rommelen met schaduwen en een klein beetje dynamisch bereik aanpassen. Maar voor het grootste deel probeer ik de hartslag nauwlettend in de gaten te houden, of dat idee van wat ik in het veld probeerde vast te leggen en wat ik daar voelde toen ik was het vastleggen ervan, en hoe ik dat het beste kan inkapselen [ik] gebruik nabewerking en die hulpmiddelen om die aanvankelijke gevoelens te helpen accentueren, het oorspronkelijke doel om spreken.
Als je door mijn portfolio kijkt, als je mijn Instagram leest, zullen er waarschijnlijk enkele overeenkomsten in zitten termen van de kleurenschema's en dingen die ik graag fotografeer, maar de verwerking voor elk ervan is dat ook verschillend. Sommige zullen behoorlijk donker zijn, andere zullen lichter en helderder zijn. Het unieke karakter van die scènes riep volgens mij de stukken op waarvan ik vond dat ze de meest boeiende elementen voor die foto creëerden.
DT: Jij gebruikt Adobe Lightroom voor bewerken. Wat zijn de go-to tools, vooral voor nieuwe gebruikers?
Er zijn er een paar. Ik denk dat het HSL-paneel in het algemeen, het tint-, verzadigings- en luminantiepaneel, waarschijnlijk een paneel is dat de meeste mensen niet volledig begrijpen en daarom gebruiken ze het niet.
Als je denkt aan de meeste fotografen die opkomen of net beginnen, zijn scherpte en verzadiging de twee meest overdreven dingen. Over het algemeen nemen ze bij verzadiging de schuifregelaar voor verzadiging of levendigheid en verplaatsen deze naar rechts totdat ze denken dat deze eruit springt of er mooi uitziet. Het probleem daarmee is dat je over het algemeen de verzadiging over de vouw vergroot, of op zijn minst over het merendeel van de tonen in de afbeelding, en dat wil je niet per se.
Persoonlijk gebruik ik de HSL-schuifregelaar omdat ik kan zeggen: hé, de greens zouden wat meer moeten knallen omdat ze een belangrijk onderdeel zijn van de scène of deze persoon of dit landschap. Of misschien de blues, misschien wil ik die een beetje temperen. Persoonlijk ben ik van mening dat de kleurtonaliteit, maar ook de algemene belichting, de helderheid van het beeld of bepaalde elementen van je beeld, de sfeer kunnen bepalen of hoe het beeld wordt weergegeven. Als je aan een portret denkt, super donker en vol contrast, is dat een heel ander gevoel dan wanneer je geen contrast hebt. Als je een waterval fotografeert en je denkt dat deze te donker of te licht is, geven die verschillende gevoelens.
De kleurtonaliteit van de blauwe tinten zorgt ervoor dat je je koud voelt, terwijl oranjere tinten je een warmer gevoel geven, dus de HSL-schuifregelaar geeft me meer eindige controle. Ik kan zeggen dat ik bij deze kleurtonen de tint of de tonaliteit ervan wil aanpassen, ik wil de verzadiging verhogen, wat meer van het punch, of ik wil de helderheid of de luminantie van die specifieke tinten verhogen om ze te benadrukken of minder te benadrukken binnen die gegeven tafereel. Ik denk dat als je eenmaal met die dingen begint te experimenteren, er een hele nieuwe deur opengaat om naar je afbeeldingen te kijken en de dingen naar een hoger niveau te tillen, om te beginnen maak meer subjectieve keuzes over uw verwerkingsstijl en hoe u het onderwerp kunt accentueren of waarom u die foto hebt gemaakt.
DT: Wat zijn enkele van de gekste dingen die je zijn overkomen tijdens je reis?
Onze sociale media creëren de samengestelde look. Je kent de keren niet dat ik daar ben geweest waar ik vier keer Giardia heb gekregen of twee keer malaria heb gehad. Ik ben van watervallen geglipt en heb ternauwernood richels gemist die mij drastisch pijn zouden hebben gedaan. Dat soort dingen kwamen vroeger vaker voor dan nu ik een zoon heb.
De meest impactvolle of gekke ervaringen die mij persoonlijk het meest raken, hebben over het algemeen te maken met dieren in het wild. Er is iets unieks aan de connectie die ik krijg met een dier, of ik nu in Nambië cheeta's fotografeer, in Oeganda zilverruggorilla's fotografeer of in Brazilië jaguars fotografeer. Als je die momenten hebt waarop het dier te dichtbij komt voor troost of als er een intiem moment is waarop ik iets kan vastleggen, dan krijg je een beetje een gevoel van controle. Misschien had ik dat wat slimmer moeten doen of misschien had ik niet zo dichtbij moeten zijn. Het geeft mij een gevoel van perspectief, plaats en mijn rol in deze gigantische wereld waarin we leven. Die zijn over het algemeen vaak het meest transformerend en voor mij persoonlijk zijn dit enkele van mijn beste beelden waar ik op terugkijk en onthoud de uitdagingen van wat er nodig was om die plaatsen te bereiken. Alleen al de momenten dat ze in hun aanwezigheid zijn, zijn behoorlijk nederig.
DT: Heeft u nog iets dat u wilt toevoegen?
Een van de dingen waar ik vanaf het begin spijt van heb, toen ik net begon, was dat ik geen gebruik maakte van de verbinding met de gemeenschap. Daar hadden we niet veel van. Ik denk dat het tegenwoordig een geweldige tijd is om fotograaf te zijn, niet alleen vanwege de beschikbare tools en technologie, maar ook vanwege de gemeenschap. Fotografie was vroeger een geïsoleerde kunstvorm die jij doorgaans deed, maar over het algemeen geen van je andere vrienden of collega's. Nu heb je deze enorme communities en Instagram-bijeenkomsten en fotowandelingen. Profiteer daarvan, leer van uw collega’s. Probeer niet iedereen als concurrentie te beschouwen en geniet echt van het feit dat we het geluk hebben dit nu te kunnen doen. Het is gewoon geweldig om met andere mensen te delen met zaken als sociale media.
