Vecht tegen gitarist Ian Williams op La Di Da Di, live spelend

“Als artiest is het jouw taak om de muziek zo cool en gek te maken als je zelf wilt.”

De kunst van het vastleggen en manipuleren van de oneindige lus is een lastige zaak. Als je het goed doet, kun je de luisteraar meenemen op een reis die van minuut tot minuut nooit meer hetzelfde is, ondanks het constante element van herhaling. Doe het verkeerd, en het is een enkeltje naar Yawnsville.

Maar goed dat we het uit Brooklyn gefokte trio Battles hebben om ons te laten zien hoe het moet. Op hun nieuwe album La Di Da Di, komende vrijdag verkrijgbaar via Warp Records in verschillende formaten, buigen en vormen hun loops naar believen, variërend van de multi-bewegingsintensiteit van het openingsnummer De Yabba naar het percussiedrama van Geweldloosheid naar het kabbelende ping-’n-shuffle van Megatouch.

Zoals opgemerkt, creëren deze loops weliswaar enige schijn van structuur, maar waar een nummer vervolgens naartoe gaat, hangt af van de creativiteit van de betrokken spelers – vooral als ze op het podium staan. “In deze nieuwe nummers erkenden we niet noodzakelijkerwijs het format van het popnummer”, merkt Battles-gitarist Ian Williams op. “En het is zo open dat we de nummers op het podium kunnen interpreteren zoals we willen. Misschien ontdek ik onderweg een nieuwe plug-in, en dan zorg ik ervoor dat dit gebeurt door een nieuw gedeelte in het nummer te creëren waarin ik een aantal gekke nieuwe gitaargeluiden zal maken. Het werkt nog steeds binnen de context van het nummer, en het blijft niet langer het nummer.”

Digital Trends belde Williams tijdens een tourstop in North Carolina om het unieke merk van de band te bespreken loop-magie, worstelen met kunst versus commercie, en hoe Battles-nummers blijven evolueren in een leven instelling.

Digitale trends: ik zou zeggen de manier waarop je werkt met je loops aan La Di Da Di laat zien dat je het praktisch tot een wetenschap hebt.

Ian Williams: Nou, als band hebben we altijd loops gemaakt. En als je het hebt over het live doen, is er de directheid dat het een instant foto is. Het is al een beetje verwijderd van het feit dat je het daadwerkelijk ‘speelt’, en het wordt iets dat iets meer is een-menselijk. Het creëert veel mogelijkheden: manipulatie en de muziek naar een andere plek brengen dan je zou kunnen als je het daadwerkelijk zou spelen.

Het is een zegen en een vloek. Het heeft zijn beperkingen en zijn nadelen. Een daarvan is dit monolithische ding dat zich gedurende het hele nummer blijft herhalen. Maar dat is waar we binnen deze groep altijd mee hebben geworsteld: hoe we het interessant kunnen houden en hoe we het kunnen veranderen. Kunnen we daadwerkelijk de toonsoort van het nummer veranderen? Kunnen we je oren een pauze gunnen, zodat je niet nog een keer hetzelfde hoeft te horen? Het is een van de dingen waarmee we werken die ons te strak in de greep houdt, maar soms kunnen we meer plaatsen bereiken dan we zouden kunnen door te spelen.

Ik zie dat als een bevrijdend concept voor jou. Hoe is de uitrusting die je hebt gebruikt om je loops te maken in de loop der jaren geëvolueerd?

Helemaal in het begin gebruikte ik de Akai Head Rush, die oudere pedalen uit de jaren 90. En toen kregen we vrij snel allemaal Gibson Echoplexen, de digitale. Hiermee kun je de pedalen met elkaar synchroniseren.

Dave [Konopka, gitarist/bassist] gebruikt de zijne nog steeds; hij heeft er een paar. Ik ben daarvan afgeweken en ben geëvolueerd naar Ableton. Ableton was voor mij zoiets als wanneer je één pedaal hebt en je denkt: “Oh, dat kan ik wel dit, dus als ik twee pedalen had, zou ik twee keer zoveel kunnen doen.” De openbaring voor mij met Ableton was dat ik 300 keer zoveel kon doen, in termen van het maken van loops en het hebben van meerdere dingen tegelijk. En dan ga ik er gewoon mee aan de slag. Op dit moment ben ik Digital Dude en Dave Analog SoundWorld Pedal Dude.

Het is een mooi contrast, als je bedenkt waar de band begon.

Mensen proberen voortdurend de vinger te leggen op wat digitaal geluid is en wat analoog geluid is. We hebben de discussie dat Dave misschien Ableton moet aanschaffen, omdat je er technologisch gezien meer dingen mee kunt doen. Maar dat is eigenlijk een slecht idee: door ons in beide werelden te houden, wordt het spectrum van ons geluid groter en krijgen we soms het beste van beide werelden. Er zit meer een stevig aspect aan de analoge dingen, maar er is een gekke precisie die je van de digitale kant kunt krijgen.

Omdat jullie autodidact zijn en Dave een ontwerpachtergrond heeft, vechten jullie vaak tegen structuur versus: “Laten we maar eens kijken waar het heen gaat.”

Jaaa Jaaa. Dave is muzikaal gezien een beetje minimalistisch, en ik ben een beetje maximalist: “Laten we het intenser maken!”

Ik weet wel dat het soms goed voor me is om teruggetrokken te worden, omdat het voor de luisteraar waarschijnlijk een betere ervaring is die meer gefocust en minder gek is.

Uiteindelijk komen we tot de middenweg van wat een nummer is. Voor ons is er geen bandleider. Het is een commissie waarin we het er alle drie over eens moeten zijn dat iets goed is. Maar soms is het moeilijk om ons allemaal akkoord te laten gaan.

Naar mij, Zomer sudderen lijkt de perfecte mix te zijn van ieders ideeën – en aan het einde ervan heb je die geweldige wind.

Ja ja ja. Bij dat nummer gebruikte ik de Ableton Push om bij de intro de herhaalde instelling van de 16e noot te bereiken. The Push maakte dat nummer mogelijk.

Hoe moeten mensen naar dit album luisteren? Bedriegt MP3 ons de ervaring van het verkrijgen van alle texturen van de loops en de composities?

Eh, man, het is zo raar tegenwoordig. Hoe ik het antwoord op jouw vraag zou ontlopen, zou zijn: hoe langer ik muziek speel, hoe meer ik in de war ben over de manier waarop het wordt verspreid en hoe langer ik muziek speel. geconsumeerd, en hoe meer ik me concentreer op het maken van muziek en de mensen om me heen laat beslissen of het op een Spotify-afspeellijst komt en dergelijke Dat.

Hoe waardevoller we zijn als het gaat om de ‘juiste’ presentatie ervan, des te meer kan dit verergeren. Ik geloof dat je als kunstenaar de verantwoordelijkheid hebt om het beste te maken wat je kunt maken. Maar de distributie van muziek is nu zo vreemd: mensen luisteren naar muziek op hun mobiele telefoon, en zelfs niet met hoofdtelefoon. (grinnikt) Maar ik weet dat als je zegt: “Nee, het is niet voor dat format”, je jezelf afsluit van zoveel mensen.

Ik weet niet of het goed of slecht is, maar veel ervan stuurt je ertoe om naar het liveconcert te gaan. Er was een Artikel uit de New York Times een paar weken geleden in de Media-sectie over de nieuwe digitale economie en hoe dit eigenlijk goed is voor kunstenaars. Daarin werd veel gepraat over hoe de verkoop van concertkaartjes de afgelopen twintig jaar sterk is gestegen, terwijl de platenverkoop sterk is gedaald. Het opgenomen ding is nu slechts een manier om te zeggen: "Hé, kom eens kijken naar de show." Misschien is dat de manier waarop het nu gaat.

Dat is letterlijk het tegenovergestelde van de jaren '60 en '70, waar het album het allerbelangrijkste was. Het album wordt nu gezien als een voorproefje van wat je gaat krijgen als je naar de show komt. Maar de live-ervaring is een van de weinige gebieden waarop we tegenwoordig mensen op dezelfde pagina over hetzelfde kunnen krijgen.

We zijn links-veldachtig en experimenteel in de doe-het-zelf-traditie. Ik probeer er niet te kostbaar in te zijn. Er was in de jaren zestig en zeventig een boeddhistische monnik in de Verenigde Staten, Chögyam Trungpa genaamd, die hip was bij de hippies en Allen Ginsberg. Zijn hele ding was dat toen hij het Boeddhisme onderwees, het niet slechts een heilige tekst was waarin alleen maar onderwezen mocht worden de tempel, maar dat deze voor iedereen toegankelijk moet zijn, zoals een tijdschrift dat in het gangpad van de supermarkt te koop is. Het was oké om dit product overal beschikbaar te hebben.

Bij muziek denk ik daar soms aan. Als je het in een tv-commercial zet, vind ik dat prima, want dan horen meer mensen je werk. Het gaat niet om het zijn in een museum. Als artiest is het jouw taak om de muziek zo cool en gek te maken als jij wilt. Na dat punt, hoe het over de wereld wordt verspreid, nou ja – hoe verdien je geld met je muziek? Ben jij een slimme zakenman, of niet? Ik weet dat dit een heel ander gesprek is dan: "Maak je 'coole' muziek?" Ik concentreer me liever op het maken van coole en interessante muziek.

Laten we het over die live-ervaring hebben. Hoe zal die dynamiek veranderen, met alle elementen waarmee je op het podium te maken hebt, nu je een nieuwe plaat hebt om te spelen?

Als drummer heeft John altijd kickdrum, snare, hi-hat en crash gedaan, en dat is wat hij doet. Hij is het akoestische traceerbare element van de band. Je ziet hem op de snaredrum slaan en je begrijpt dat geluid.

En dan leunt Dave over zijn pedalen, doet een filter sweep of herovert een loop van het ene pedaal naar het andere. En met mijn spullen activeer ik tegelijkertijd een synthesizer en speel ik gitaar. Meestal speel ik tegelijkertijd gitaar en key[board] - key met mijn rechterhand en gitaar met mijn linkerhand. Of ik activeer synths en samples met mijn gitaar. Ik maak 50/50-mengsels waarbij het de synth en mijn gitaar zijn die samenvloeien.

Het is een stuk moeilijker om na te gaan wat we doen in het verhaal ervan. Je ziet andere optredens en je zegt: "Oh ja, de gitarist speelt en ik hoor een gitaar." Bij ons is het een stuk verwarrender, maar het is leuk om daarmee te spelen. Er valt veel te manipuleren.

Merk je dat de nieuwe nummers op het podium evolueren naarmate je ze vaker speelt?

Voor ons komt het neer op ons tourschema en of we twee weken vrij hebben waarbij we allemaal in dezelfde stad kunnen zijn in één keer en we konden daadwerkelijk repeteren, omdat we waarschijnlijk de helft van de plaat niet goed kunnen spelen nu. We moeten die nummers nog oefenen, en ik wil nog steeds uitzoeken hoe ik ze live moet spelen. Ik kijk er naar uit om ze te leren spelen. Op dit moment zijn we aan het doen De Yabba, en die wordt steeds krapper. Wij doen het ook FF Bada, en dat is behoorlijk speelbaar.

Voor zover we een elektronische band zijn, is het ding over de elektronische muzikant: "Je zag me net op een knop drukken." Dat is de omvang van de relatie tussen artiest en publiek daar. Het publiek zegt: 'Oké, je hebt op een knop gedrukt; dus?" Wat je niet begrijpt is: “Je hebt de hele dag niet gezien dat ik heel slim moest zijn over hoe ik dit ding programmeerde om het te laten gebeuren! Het zijn allemaal dingen achter de druk op de knop die je niet te zien kreeg. Ik heb heel slim bedacht hoe ik al deze dingen moest doen, en bracht het met mij naar het podium om het te laten gebeuren.

Het is niet zo van: "Oh mijn God, ik zag net Eddie Van Halen deze geweldige gitaarsolo van 15 minuten spelen." Nu is het zo van: 'Ja, hij is de man die op de knop drukt – maar jongen, wat was het briljant, de manier waarop hij het moest doen!” Het is raar hoe dat wel of niet overkomt.