"아티스트로서 당신의 임무는 당신이 원하는 만큼 멋지고 미친 음악을 만드는 것뿐입니다."
무한 루프를 캡처하고 조작하는 기술은 까다로운 작업입니다. 올바르게 수행하면 끊임없는 반복 요소에도 불구하고 청취자를 매 순간마다 전혀 동일하지 않은 여정으로 데려갈 수 있습니다. 잘못하면 Yawnsville로 가는 편도 티켓이 됩니다.
다행스럽게도 브루클린 출신의 트리오 배틀이 어떻게 이루어져야 하는지 보여줄 수 있습니다. 그들의 새 앨범에서 라 디 다 디, 다음 주 금요일에 다양한 형식의 Warp Records를 통해 공개됩니다. 전투는 오프닝 트랙의 다중 동작 강도에 이르기까지 마음대로 루프를 구부리고 형성합니다. 야바 타악기 드라마에 맞춰 비폭력 윙윙거리는 핑 앤 셔플 소리에 맞춰 메가터치.
언급한 바와 같이, 이러한 루프는 일종의 구조를 만들어내지만, 노래가 다음에 어디로 갈지는 특히 무대에 있을 때 관련 연주자의 창의성에 달려 있습니다. Battles의 기타리스트 Ian Williams는 "이 새로운 노래에서 우리는 팝송의 형식을 그다지 많이 인정하지 않았습니다."라고 말했습니다. “그리고 무대 위에서 노래를 원하는 대로 해석할 수 있을 만큼 충분히 개방적이에요. 길에서 새로운 플러그인을 발견한 다음 노래에 새로운 기타 사운드를 만드는 새로운 섹션을 만드는 일이 일어나도록 할 것입니다. 그것은 여전히 노래의 맥락 안에서 작동하며, 노래이기를 멈추지 않습니다.”
Digital Trends는 노스캐롤라이나 투어 중 Williams에게 전화를 걸어 밴드의 독특한 브랜드에 대해 논의했습니다. 루프 마술, 예술과 상업의 대결, Battles의 노래가 라이브에서 어떻게 계속 진화하는지 환경.
디지털 트렌드: 루프를 사용하여 작업하는 방식이라고 말하고 싶습니다. 라 디 다 디 실제로 과학에까지 이르렀다는 것을 보여줍니다.
이안 윌리엄스: 글쎄, 우리는 항상 밴드로서 루프를 만들어 왔습니다. 그리고 라이브로 한다고 하면 즉석 사진이라는 즉각성이 있습니다. 실제로 "연주"하는 것은 이미 당신에게서 약간 멀어지고, 좀 더 많은 것이 됩니다.
유엔-인간. 실제로 음악을 연주할 때와는 다른 위치로 음악을 조작하고 이동하는 등 많은 가능성이 만들어집니다.축복이자 저주입니다. 한계와 단점이 있습니다. 하나는 노래 전체에 걸쳐 계속 반복되는 이 단일한 것입니다. 하지만 우리가 이 그룹 내에서 항상 어려움을 겪어온 문제는 흥미를 유지하는 방법과 전환하는 방법입니다. 실제로 노래의 키를 변경할 수 있나요? 같은 말을 다시 듣지 않아도 되도록 귀를 좀 쉬게 해줄 수 있을까요? 우리가 작업하는 것 중 하나는 우리를 너무 꽉 묶어두지만 때로는 놀아서 할 수 있는 것보다 더 많은 곳으로 갈 수 있게 해줍니다.
나는 그것이 당신에게 자유로운 개념이라고 생각합니다. 루프를 만드는 데 사용한 장비는 지난 몇 년간 어떻게 발전해 왔나요?
처음에는 90년대의 오래된 페달인 Akai Head Rush를 사용하고 있었습니다. 그리고 꽤 빨리 우리 모두는 디지털 제품인 Gibson Echoplex를 갖게 되었습니다. 이를 통해 페달을 함께 동기화할 수 있습니다.
Dave [Konopka, 기타리스트/베이시스트]는 여전히 그의 것을 사용하고 있습니다. 그는 그 중 몇 가지를 가지고 있습니다. 저는 그것에서 벗어나 에이블톤으로 진화했습니다. 나에게 Ableton은 마치 페달 하나만 있으면 "아, 할 수 있어"라고 생각하는 것과 같았습니다. 이것, 그래서 페달이 두 개 있으면 두 배의 일을 할 수 있습니다.” Ableton을 사용하면서 제가 깨달은 점은 루프를 만들고 동시에 여러 가지 작업을 수행하는 측면에서 300배나 많은 작업을 수행할 수 있다는 것입니다. 그리고 난 그냥 그걸로 싫어합니다. 이 시점에서 저는 Digital Dude이고 Dave는 Analog SoundWorld Pedal Dude입니다.
밴드가 시작된 곳을 고려하면 좋은 대조입니다.
사람들은 디지털 사운드가 무엇인지, 아날로그 사운드가 무엇인지 파악하기 위해 끊임없이 노력합니다. 기술적으로 더 많은 일을 할 수 있기 때문에 Dave가 Ableton을 구입해야 한다는 논의가 있었습니다. 하지만 그것은 실제로 나쁜 생각입니다. 우리를 두 세계에 두는 것은 우리 사운드의 스펙트럼을 더 크게 유지하고 때로는 두 세계의 장점을 모두 얻습니다. 아날로그에는 좀 더 우둔한 측면이 있지만 디지털에서는 얻을 수 있는 엄청난 정확성이 있습니다.
당신은 독학한 플레이어이고 Dave는 디자인 분야 출신이기 때문에 당신들은 종종 구조와 "어디로 가는지 보자"고 싸우곤 합니다.
응, 응. Dave는 음악적으로 말하면 약간 미니멀리스트이고 저는 약간 맥시멀리스트입니다. "좀 더 강렬하게 만들어보자!"
"사람들은 디지털 사운드가 무엇인지, 아날로그 사운드가 무엇인지 파악하기 위해 영원히 노력합니다."
우리는 결국 노래가 무엇인지에 대한 중간 지점에 도달합니다. 우리에겐 밴드리더가 없어요. 뭔가 좋다는 걸 셋이서 합의해야 하는 위원회예요. 하지만 때로는 우리 모두의 동의를 얻는 것이 어렵습니다.
나에게, 여름의 여름 모든 사람의 아이디어가 완벽하게 결합된 것 같습니다. 그리고 그 아이디어가 거의 끝날 무렵에 큰 성과를 거둘 수 있습니다.
응, 응. 그 노래에서 나는 Ableton Push를 사용하여 인트로에서 반복되는 16분 음표 설정을 얻었습니다. Push가 그 노래를 가능하게 만들었습니다.
사람들은 이 앨범을 어떻게 들어야 할까요? MP3는 루프와 구성의 모든 질감을 얻는 경험에서 우리를 속이나요?
어머, 요즘 정말 이상해요. 제가 귀하의 질문에 대답하지 못하는 이유는 제가 음악을 연주한 기간이 길어질수록 음악이 어떻게 전파되고 음악을 만드는 데 더 집중하고 Spotify 재생 목록에 포함될지 여부를 주변 사람들에게 맡기는 등의 작업을 수행합니다. 저것.
우리가 그것의 "올바른" 표현에 대해 더 소중할수록, 그것을 망칠 수 있는 것이 더 많아집니다. 나는 예술가로서 당신이 만들 수 있는 최고의 것을 만들 책임이 있다고 믿습니다. 그런데 지금은 음악의 유통이 너무 이상해요. 사람들은 휴대폰으로 음악을 듣죠. 헤드폰. (웃음) 그런데 “아니, 그런 형식은 아니야”라고 하면 많은 사람들과 단절될 거라는 걸 알아요.
좋은 것인지 나쁜 것인지는 모르겠지만 많은 것들이 라이브 콘서트에 가도록 유도합니다. 있었다 뉴욕타임즈 기사 몇 주 전 미디어 섹션에서 새로운 디지털 경제와 그것이 실제로 아티스트에게 어떻게 좋은지에 대해 설명했습니다. 그 안에는 지난 20년 동안 콘서트 티켓 판매량이 크게 늘고 음반 판매량은 줄었다는 이야기가 많이 나왔다. 녹음된 것은 이제 단지 “야, 쇼 보러 와”라고 말하는 방식일 뿐입니다. 어쩌면 지금 그렇게 흘러가는지도 모릅니다.
그것은 앨범이 전부였던 60년대와 70년대와는 문자 그대로 반대입니다. 이제 앨범은 여러분이 쇼에 오면 무엇을 얻게 될지에 대한 맛보기로 간주됩니다. 하지만 라이브 경험은 요즘 사람들을 같은 내용에 대해 같은 페이지에 모을 수 있는 몇 안 되는 영역 중 하나입니다.
우리는 DIY 전통에서 좌파적이고 실험적입니다. 나는 그것에 대해 너무 소중하게 생각하지 않으려 고 노력합니다. 60년대와 70년대 미국에 히피족과 Allen Ginsberg에 푹 빠진 Chögyam Trungpa라는 불교 승려가 있었습니다. 그의 전부는 그가 불교를 가르칠 때 단지 불교에서만 가르쳐야 하는 경전이 아니라는 것이었습니다. 성전은 슈퍼마켓 통로에서 파는 잡지처럼 모든 사람이 접근할 수 있어야 합니다. 이 상품은 어디에서나 사용할 수 있어서 괜찮았습니다.
"우리는 DIY 전통에서 좌파적이고 실험적입니다."
가끔 음악을 통해서 그런 생각을 하기도 해요. TV 광고에 올려도 괜찮습니다. 왜냐하면 더 많은 사람들이 당신의 작품을 들을 수 있기 때문입니다. 박물관에 있는 것이 아닙니다. 아티스트로서 당신의 임무는 당신이 원하는 만큼 멋지고 멋진 음악을 만드는 것뿐입니다. 그 이후에는 그것이 어떻게 세상에 전파되는지, 음, 당신의 음악으로 어떻게 돈을 벌 수 있나요? 당신은 똑똑한 사업가인가, 아닌가? "당신은 '멋진' 음악을 만들고 있나요?"라는 질문과는 전혀 다른 대화라는 걸 압니다. 차라리 멋지고 재미있는 음악을 만드는 데 집중하고 싶어요.
그 생생한 경험에 대해 이야기해 봅시다. 무대 위에서 다루는 모든 요소를 고려했을 때, 이제 새로운 레코드를 연주하게 되면서 그 역동적인 변화는 어떻게 될까요?
드러머로서 John은 항상 킥 드럼, 스네어, 하이햇, 크래쉬 등을 해왔고 그것이 바로 그가 하는 일입니다. 그는 밴드의 음향 추적 가능한 요소입니다. 그가 스네어 드럼을 치는 모습을 보고 그 소리를 이해하게 됩니다.
그런 다음 Dave는 페달 위에 몸을 기대고 필터 스윕을 수행하거나 한 페달에서 다른 페달로의 루프를 다시 캡처합니다. 그런 다음 내 곡으로 신디사이저를 작동시키면서 동시에 기타를 연주합니다. 저는 보통 기타와 키보드[보드]를 동시에 연주합니다. 오른손으로는 건반을, 왼손으로는 기타를 연주합니다. 아니면 기타로 신디사이저와 샘플을 트리거하고 있습니다. 저는 신디사이저와 기타를 함께 블렌딩하는 50/50 블렌드를 하고 있습니다.
전투 - 야바
이야기 속에서 우리가 하고 있는 일을 추적하는 것은 훨씬 더 어렵습니다. 다른 공연을 보고는 “아, 기타리스트가 연주하고 있는데 기타 소리가 들려요”라고 생각합니다. 이제 우리에게는 훨씬 더 혼란스럽습니다. 하지만 그것을 가지고 노는 것은 재미있습니다. 조작할게 많습니다.
새로운 노래를 무대에서 연주할수록 점점 더 발전하고 있다고 생각하시나요?
우리에게는 투어 일정과 우리 모두가 같은 도시에 있을 수 있는 2주 간의 휴가가 있는지 여부가 중요합니다. 한 번에 실제로 리허설을 할 수 있습니다. 아마도 음반의 절반 정도는 제대로 연주하는 방법을 모르기 때문입니다. 지금. 아직 그 곡들을 연습해야 하고, 라이브로 연주하는 방법을 궁리하고 싶어요. 나는 그것들을 연주하는 방법을 배우기를 고대하고 있습니다. 지금 우리는 하고 있어요 야바, 그리고 그것은 점점 더 단단해지고 있습니다. 우리도 하고 있어요 FF 바다, 꽤 플레이 가능합니다.
"우리에겐 밴드리더가 없어요."
우리가 일렉트로닉 밴드인 만큼, 일렉트로닉 뮤지션의 특징은 “내가 버튼 누르는 걸 방금 봤잖아.”라는 거죠. 그것이 공연자와 군중의 관계의 정도입니다. 군중은 “좋아, 버튼을 눌렀어. 그래서 뭐?” 당신이 이해하지 못하는 것은 “내가 이 일이 일어나도록 프로그래밍하는 방법에 대해 내가 어떻게 영리해야 하는지 하루 종일 보지 못했다는 것입니다! 당신이 보지 못한 것은 버튼 누르기 뒤에 있는 모든 것입니다. 나는 이 모든 일을 어떻게 해야 할지 아주 영리하게 알아냈고, 그것을 실현하기 위해 무대 위로 올라갔습니다.”
"맙소사, 방금 Eddie Van Halen이 이 놀라운 15분 기타 솔로를 연주하는 걸 봤어요."와는 다릅니다. 이제는 "그래, 그 사람이 바로 그 사람이야" 누가 버튼을 누르는가? 그런데 얘야, 그 사람이 해야만 했던 방식이 정말 훌륭했구나!” 나타나는 방식과 그렇지 않은 방식이 이상합니다.
