La scena sociale spezzata si riunisce per l'album rock alternativo "Hug of Thunder"

“Il vinile è tornato perché ha una qualità davvero soddisfacente. Le persone ascoltano più dischi perché manca qualcosa nell’infinito catalogo di MP3”.

Mi capita di pensare Scena sociale spezzata ha uno dei nomi più ironici del rock moderno. Semmai, il collettivo canadese perennemente supercool è una famiglia armoniosa che si riunisce di nuovo tutti pochi anni per fare bella musica insieme - e più sono quelli che si uniscono al processo, il più allegro.

Prendi il primo nuovo album della band in sette anni: dal nome così appropriato Abbraccio di tuono , ora disponibile su Arts & Crafts in vari formati. Non meno di 18 musicisti - inclusi i pilastri Kevin Drew e Brendan Canning, insieme all'icona dell'alt-rock Leslie Feist, che si è esibito per l'ultima volta su un disco BSS più di dieci anni fa - hanno contribuito a Abbraccioil suo ricco arazzo sonoro. Questo fatto non è sfuggito al polistrumentista della BSS Charles Spearin.

"Come band, siamo abituati a lasciare spazio ad altri musicisti", ha detto Spearin a Digital Trends. “Quando scriviamo una canzone, cerchiamo di non affollarla con le nostre idee. Lo teniamo in mente quando diciamo: "OK, [il trombonista e chitarrista occasionale] Evan Cranley è entreremo e registreremo questo, quindi dobbiamo lasciare un po' di spazio lì dentro in modo che possa riversarci le sue idee Esso.'"

Detto questo, il team creativo di BSS deve stare attento a non inventare troppe parti per troppi cuochi, per così dire. "Spesso finiamo per avere troppe idee, anche quando ci tratteniamo", ha ammesso Spearin. “Stiamo accumulando sempre più idee nelle canzoni, e poi dobbiamo intervenire e rimuovere selettivamente alcune cose per fare più spazio. È come il giardinaggio, in un certo senso. Devi iniziare a tirarlo indietro un po’”.

Le tendenze digitali chiamano Spearin nella sua lingua nativa Canada non molto tempo prima che i BSS andassero in tour per discutere di come avere molte opzioni strumentali intorno a te nel studio porta all'ispirazione, come Feist ha avuto l'onore di dare un nome all'album e perché i cambiamenti di formato si generano sempre nostalgia.

Tendenze digitali: Mi piace il modo in cui hai usato la frase “lasciare spazio” per riferirti al suono dei mix BSS, molti dei quali hai contribuito a progettare per questo album. Un buon esempio è la fusione vocale in una canzone come Amante della vittima, dove mi fa sentire come se fossi proprio lì con tutti voi in studio mentre veniva registrato.

Charles Spearin: Devo ricordare il titolo di quella canzone, perché avevamo dei titoli provvisori per le canzoni mentre ci lavoravamo, e poi dovevamo inventare i titoli corretti alla fine (ride). COSÌ Amante della vittima è quello con Amy [Millan] e Kevin [Drew] che cantano insieme, giusto?

Sì, è quello.

Beh, è ​​un po' una sfida inserire tutte le idee in canzoni del genere. Il problema più grande che abbiamo è avere troppe idee, il che penso sia un bel problema da avere.

Sì sono d'accordo. Devo chiederti una cosa nei titoli di coda della title track. Non solo suoni la chitarra elettrica Abbraccio di tuono, sei indicato anche come "percussioni con spruzzo d'aria". Uh, cos'è esattamente?

Immagino che dovrò leggere i titoli di coda da solo! La cosa dello spruzzo d'aria (fa rumore di spruzzo) - è qualcosa che in realtà suonava come il suono di un rullante di una drum machine degli anni '80, quindi abbiamo dovuto registrarlo.

Capito. È istintivo per te decidere quale strumento suonerai per una determinata canzone? Hai una sensazione del tipo: "OK, prenderò la nyckelharpa per questo"?

Esso È istinto, ma è anche senso di esplorazione. La nyckelharpa [usata su Bocca protettiva dell'Apocalisse] è uno strumento svedese di cui non avevo mai sentito parlare prima. È un po’ come una ghironda, ma non ha la manovella. Lo pieghi come un violino e ha dei pulsanti che puoi suonare, quindi è quasi come un violino con i tasti.

Ha anche tutte queste corde “simpatiche”. Ha 16 corde e ne suoni solo quattro, e tutte le altre risuonano sotto. Se lo colpisci nel modo giusto, puoi creare un suono tipo dulcimer.

Quindi non era tanto "Ehi, mettiamo una nyckelharpa qui" quanto piuttosto "Ehi, come suona questa cosa?" E poi imposti un microfono, impazzisci, trovi i momenti migliori e li conservi.

Hai anche un numero di persone diverse che cantano armonie insieme su ogni traccia. Senti di dover gestire un certo equilibrio vocale mentre lavori sui mix?

Sì, lo sappiamo. Ci prendiamo cura di garantire che tutti siano rappresentati adeguatamente. A volte saremo nel studio dove le persone hanno sempre più idee per le armonie, e dovremo frenare e dire: “OK, aspetta; dobbiamo lasciarle più spazio”. Facciamo davvero molta attenzione ad assicurarci che tutti siano rappresentati nell'album e nessuno si senta troppo escluso.

Penso di aver perso il conto di quanti strumenti suoni in questo album.

Il solo fatto di essere in studio e avere un sacco di strumenti in giro è una specie di idea: permettere all'ispirazione di colpirti. A volte stai lavorando su una canzone e qualcuno sta lavorando su uno strumento in un'altra stanza, e poi entra. Quindi Brendan [Canning] entrerà e dirà: "Ehi, ho questa parte di chitarra", perché gli era capitato di avere una chitarra acustica con sé. È così che funziona.

Registreremo lo scheletro della canzone nella sala prove del mio garage [vicino a Toronto], e poi andremo in studio e registreremo le tracce del letto. E siamo pienamente consapevoli che le cose cambieranno completamente: le cose verranno aggiunte e le cose verranno tolte. Ma è fantastico avere questo atteggiamento di mentalità aperta in cui chiunque può avere un’idea, usare un nuovo strumento e aggiungerlo allo stufato, per così dire.

Come fai a sapere quando una traccia è terminata? È questa la parte più difficile da decidere del processo: sapere quando hai capito bene?

È la parte più difficile, assolutamente, perché puoi continuare a lavorare sulle cose per sempre! Fondamentalmente, una traccia viene completata quando finisce il tempo (entrambi ridono). A volte ci fissiamo delle scadenze arbitrarie per incoraggiarlo, ma poi le infrangiamo. Fondamentalmente, devi solo fidarti di te stesso e dire: “OK, è così. Questo è fatto."

Quello che ci è successo questa volta è che avevamo tra le 40 e le 50 canzoni che avrebbero potuto essere finite per l'album. Quelli che hanno portato più entusiasmo nel gruppo sono stati quelli su cui abbiamo continuato a lavorare.

C'è una traccia delle 12 canzoni che sono state inserite nella versione finale? Abbraccio di tuono che ti ha sorpreso al punto da dire: "Wow, questo in realtà è venuto fuori più velocemente di quanto ci aspettassimo"?

Canzone di protesta era così. Kevin ed Emily [Haines] si sono riuniti e hanno scritto le basi della canzone, poi siamo entrati nella mia sala prove e l'abbiamo riscritta. L'avevamo nella stessa tonalità e nello stesso tempo di un'altra canzone che avevamo quasi finito, quindi abbiamo finito per fondere insieme le due canzoni.

E visto che ci piaceva come canzone rock, abbiamo deciso non fare eventuali sovraincisioni ridicole. È essenzialmente chitarra, basso, batteria e voce. È stato fantastico suonarlo in cinque, quindi ci siamo limitati a mantenerlo semplice così com'è. La canzone è davvero riuscita così com'è. Non ha bisogno di nient'altro.

Canzone di protesta ha un ampio campo sonoro stereo, con il chitarra le tracce si estendevano molto su ciascun lato.

Sì, c'è una bella interazione tra la mia chitarra e la chitarra di Kevin con quelle padelle dure. La tua attenzione può rimbalzare avanti e indietro tra loro, e poi c'è la voce proprio lì. Se avessimo più strumenti, avremmo perso quell'effetto ping-pong.

Concordato. Per me, il sequencing è ancora una cosa fondamentale quando ascolto gli album nell’ordine in cui mi vengono presentati. E sento che queste 12 canzoni vengono presentate all'ascoltatore in un ordine molto specifico.

Sì! Questa è un’altra delle grandi discussioni che abbiamo: scegliere le canzoni e scegliere l’ordine. C'erano altre sei canzoni che avevamo finito. Potrebbero essere state grandi canzoni, ma non si adattavano all’arco dell’album.

In questa band, quando facciamo musica, pensiamo sempre: "album.” E penso ancora istintivamente di creare un album seguendo un certo arco, con un inizio, una parte centrale e una fine. Ovviamente, le persone non ascoltano gli album dall’inizio alla fine come facevano una volta, ma c’è qualcosa dentro di noi che dobbiamo scolpire in quel modo.

Forse la nuova generazione a cui sta entrando vinile è imparare ad ascoltare gli album in ordine, perché anche loro devono interagire fisicamente con il mezzo in modo diverso. Il vinile è ancora importante per te?

Oh sì, adoro ascoltare i dischi in vinile. Lo indossi e poi te ne vai, e in un certo senso crea l'atmosfera. E penso ancora che anche ciascuna parte dovrebbe avere un certo stato d'animo.

Penso che il vinile tornerà perché ha una qualità davvero soddisfacente, sai? Le persone ascoltano più dischi perché manca qualcosa nell'infinito catalogo di MP3. E tendo a sentire molto strano aliasing nella fascia alta degli MP3. A volte mi distrae.

Ricordo che ero infastidito dal crepitio e dagli schiocchi dei dischi, e poi mi dava fastidio il sibilo dei lettori di cassette. Ogni mezzo avrà le sue insidie ​​e difetti acustici, come saltare i CD. Parte di esso diventa accattivante col tempo. Adesso io Amore il suono del disco crepita e il sibilo del nastro sembra riscaldare un mix per me!

Non è già qualcosa? Se sei cresciuto ascoltando un disco che conteneva un salto, lo senti ancora così, non importa come lo ascolti adesso.

(ridacchia) Sì! Ricordo ancora la mia copia di [internal-link post_id="NN"]The Beatles[/internal-link] L'Album Bianco (1968), dove Sono così stanco, c'è stato un salto in un punto. Non posso ascoltare la canzone senza sentire quel salto nella mia testa. Quindi penso che le persone che crescono ascoltando MP3 come prima esperienza di ascolto guarderanno indietro e avranno una passione per quello strano aliasing che entrambi odiamo! (entrambi ridono)

So che molte nuove band stanno mettendo in scena cassette ai loro tavoli del merchandising, ma è lì che traccio il limite per l'ascolto. L'unico motivo per cui avevamo le cassette era che erano portatili. Non appena siamo passati al supporto portatile successivo, come CD o file digitali, è stata una storia diversa.

Inoltre, puoi registrarne uno tuo. Potresti crearne uno tuo mixtape. E questo era importante. Questa è stata una parte importante della mia vita al liceo: creare mixtape per gli amici e ricevere mixtape dagli amici. Era così che condividevamo la nostra musica. C'è una nostalgia incorporata nel sibilo del nastro e nella portabilità.

E quando crei playlist di questi tempi sembra quasi troppo facile, vero? C'era una certa arte nel creare i passaggi tra le tracce di un mixtape. Hai fatto molti tentativi ed errori per ottenere le dissolvenze in chiusura e in apertura giuste.

Sì! Passeresti ore e ore a creare mixtape per gli amici. Forse è per questo che la gente ricomincia a produrre cassette e a venderle adesso. C’è una sorta di fascino nei limiti.

Potrebbe essere, sì! Infine, devo dire quando ho visto per la prima volta il titolo della canzone Abbraccio di tuono, sentivo che non poteva esserci titolo più perfetto per il disco. Hai capito subito che racchiudeva l'intero sentimento dell'album?

Beh, è ​​stato divertente. Leslie [Feist] ha inventato quella frase mentre scriveva i testi. Subito dopo, ci ha guardato e ha detto: "Titolo dell'album, proprio lì!" E noi tutti dicevamo: "Sì, forse!" (ridacchia)

Con il passare delle settimane e dei mesi non venne suggerito nient'altro. Non c’era un piano B, quindi è stato: “Va bene, immagino che sarà la traccia del titolo”. Sembrava appropriato che questo gruppo di persone presenti un album che sia fragoroso e, allo stesso tempo, Caldo. A quel tempo, andava bene, e noi sapevo si adattava. Quindi ci siamo attenuti.