Le migliori colonne sonore di videogiochi di tutti i tempi

La grafica nei videogiochi è migliorata drasticamente negli ultimi decenni, con personaggi e ambienti sempre più vicini al realismo, e può rendere la grafica più vecchia nintendo o i giochi per PlayStation 1 sembrano decisamente putridi. Le colonne sonore originali dei videogiochi (OST) non sono frequenti ha parlato dell'aspetto dei giochi, ma possono vivere bene dopo che i loro giochi diventano ingiocabili.

Mentre le colonne sonore dei giochi si sono evolute per utilizzare frequentemente orchestre e cori per aggiungere un'atmosfera più drammatica,

simile ai film ad alto budget, ci sono classici assoluti degli anni '80 e '90 che sono altrettanto divertenti e accattivanti oggi nonostante siano generati con bit limitati e audio sintetizzato.

Tuttavia, impostare i giochi sulla musica non è un'arte perduta: ci sono molte colonne sonore più recenti già pronte a diventare dei classici del futuro. Ecco le migliori colonne sonore di videogiochi di tutti i tempi o, almeno, le nostre preferite.

Super Mario Bros. (1985)

Quando senti la frase "musica per videogiochi", ci sono buone probabilità che la melodia di apertura sia l'originale Super Mario Bros. inizierà a suonare nella tua testa. Stravagante, vivace e con un ritmo perfetto per farti andare avanti, la musica si abbina perfettamente agli effetti sonori prodotti quando Mario salta in aria, rompe i blocchi e si deforma lungo i tubi. Quando ti dirigi sottoterra, il volume si abbassa e la musica passa a un ritmo minimalista che segnala il pericolo che ti aspetta. Fai un passo avanti nel tempo con il "do do do do do do" della musica, e potresti uscire vivo dall'altra parte.

Anche quando fallisci, non puoi fare a meno di strappare un sorriso, con quelle poche note che sottolineano la tua sconfitta. Quando inevitabilmente finisci le vite e devi ricominciare dall'inizio, il gioco ti prende in giro ancora di più con una rivisitazione in chiave bemolle delle note di apertura della sigla. Prima che tu abbia la possibilità di picchiarti pure molto, tuttavia, è tornato nel mondo 1-1 e nella melodia più memorabile nella storia dei videogiochi.

Mega Man 2 (1988)

I giochi di Mega Man sono notoriamente difficili, ma senza prendere in mano un controller o persino vedere filmati online, puoi dirlo Mega uomo 2 sarà implacabile solo dalla sua colonna sonora. La canzone di ogni fase è uno sprint vertiginoso e ansiogeno con cui farai fatica a tenere il passo, e anche le melodie più lente del gioco, che ascolterai in Il tema di Air Man, sono ancora più veloci della maggior parte della musica sul NES.

È solo quando finalmente sconfiggi il Dr. Wily e vedi i titoli di coda che finalmente hai la possibilità di respirare, mentre la musica passa a una melodia morbida e melodica come ricompensa per tutti i tuoi sforzi. Giochi successivi della serie, come Mega Man X, sono stati certamente in grado di costruire sulle fondamenta di Mega uomo 2 e fornire qualcosa di un po' più complesso, ma c'è qualcosa di affascinante nella semplicità della colonna sonora.

Super Castlevania IV (1991)

IL SuperNintendo era in grado di produrre audio di gran lunga superiore a quello che abbiamo ascoltato sul Nintendo Entertainment System originale, o anche sul Sega Genesis, e Super Castlevania IV potrebbe essere solo il miglior esempio di ciò che la console potrebbe fare. Combinando gli organi squillanti associati all'horror gotico con il ritmo ritmico della chiptune che i fan di Castlevania si aspettavano, la colonna sonora spesso eclissava le immagini del gioco, che sono Ancora bellissimo più di 25 anni dopo il rilascio iniziale del gioco.

Anche se hai adorato una canzone in particolare della trilogia originale di Castlevania per NES, ci sono buone probabilità che ci sia Super Castlevania IV, anche. Le fasi successive utilizzano versioni reinventate di questi brani, inclusi quelli del primo gioco Assassino di vampiri, dandoti una sana dose di nostalgia mentre entri nella tana di Dracula. La nostra canzone preferita deve essere Tema di Simone, tuttavia, poiché la sua melodia incisiva e il ritmo vertiginoso lo rendono la musica di sottofondo perfetta mentre ridimensioni alcune creature macabre.

crono grilletto (1995)

Capolavoro di Square Enix, grilletto crono, ha superato la prova del tempo, con alcuni che lo considerano il miglior gioco di ruolo mai concepito a causa della sua complessità storia, meccaniche di battaglia perfezionate e il caratteristico design dei personaggi di Akira Toriyama, e il bellissimo design di Yasunori Mitsuda punto. La schermata del titolo di apertura inizia con una melodia morbida e minacciosa che accenna a una musica più esplosiva in seguito, ma nel corso dell'avventura di Crono, ascoltiamo un'ampia varietà di musica. Tema della rana, ad esempio, è stoico come il cavaliere, ma con un sottotono tragico che allude alle lotte che ha dovuto affrontare dalla sua trasformazione.

La nostra musica preferita deve coinvolgere Magus, probabilmente il miglior personaggio del gioco. Prima creduto di essere un antagonista che non vuole altro che mandare il mondo in pericolo, lo è alla fine si rivela essere un personaggio più sfumato che forma un'alleanza difficile con il resto del gruppo. Il suo tema riflette questo, sembrando sempre che raggiungerà un punto di ebollizione senza mai arrivarci.

Star Fox 64 (1997)

L'idea collettiva del grande sottovalutato Hajime Wakai (Pikmin, Riscaldatore di vento, F-Zero X) e il leggendario Koji Kondo, il Stella Volpe 64 La colonna sonora è una colonna sonora esplosiva e drammatica per un'opera spaziale che aggiunge drammaticità a quello che avrebbe potuto essere uno sciocco gioco arcade con protagonisti animali parlanti. Considerando che ogni playthrough dura solo un'ora, la musica orecchiabile rende più piacevole ripetere il gioco più e più volte.

Ogni traccia cattura perfettamente l'atmosfera della missione e del pianeta. Il classico Zona 6 la colonna sonora evoca la disperazione di quattro piloti in una missione suicida attraverso lo sbarramento continuo di una flotta. Stella Lupo era lo sfondo perfetto per un teso combattimento aereo contro i tuoi malvagi rivali da cartone animato. Tracce più lente come il Distorsione meteorologica E Aqua ha catturato la bellezza mortale di una galassia pericolosa quanto le forze di Andross.

Cosa ha tenuto il Stella Volpe 64 la colonna sonora era costituita dai suoi strumenti MIDI, che non potevano essere all'altezza del suono orchestrato che Wakai e Kondo stavano cercando di ottenere. Ma salta avanti Assalto alla volpe stellare - che ha paralizzato gran parte della stessa musica - e il Super Smash Bros. riorchestrazioni dei giochi per il Stella Volpe livelli e scoprirai che la musica raggiunge il suo pieno potenziale hollywoodiano.

La leggenda di Zelda: Ocarina of Time (1998)

The Legend of Zelda: Ocarina of Time è spesso considerato uno dei più grandi videogiochi mai realizzati, e mentre questa lode deriva in gran parte dal suo fantastico mondo storia del design e del viaggio nel tempo, sarebbe assolutamente criminale ignorare il contributo del compositore Koji Kondo alla creazione del titolo successo. Dal momento in cui Link si sveglia da bambino e inizia a camminare per la foresta di Kokiri, la musica leggera e rilassante inizia l'umore: è rilassante quasi nascondere il fatto che presto la vicina area di Hyrule si tufferà buio.

Consegnandoti un'ocarina, il gioco ti fa dare vita ad alcuni dei temi più iconici della serie: Zelda, Epona e Saria i temi non solo resistono alla prova del tempo, ma svolgono anche importanti ruoli di gioco man mano che avanzi nei sotterranei o esplori Lost Boschi. Il tema di Ganondorf, d'altra parte, ha ritratto così bene il minaccioso pericolo del cattivo che è ricomparso in diversi sequel.

Certo, poche cose sono più esaltanti della carica attraverso Campo di Hyrule su Epona mentre la musica cresce in un ritornello rumoroso e in piena espansione che ti dà la sicurezza di cui hai bisogno per sconfiggere Ganondorf. Tranne, ovviamente, per l'infiltrazione Valle di Gerudo, con la sua colonna sonora spesso remixata che evoca euforia e pericolo mentre si è lontani da casa.

Lo skater professionista di Tony Hawk (1999)

Il punk rock e lo skateboard sono cresciuti insieme, e Lo skater professionista di Tony Hawk riflette ciò, impostando un tono ottimista con pop, punk e ska che hanno trovato un nuovo pubblico e una popolarità che si è estesa oltre il gioco. Con melodie di band acclamate come Suicide Machines, Dead Kennedys e Vandals, il gioco aveva l'atmosfera perfetta colonna sonora da ascoltare per ore mentre cercavi di padroneggiare il tuo "McTwist" o di replicare il 900 che hai visto completo di Mr. Hawk in tv. Una canzone è arrivata a rappresentare il THPS l'impronta culturale del franchise più di ogni altra: la traccia ska infusa di corno di Goldfinger Superuomoè così inesorabilmente ottimista e orecchiabile, è praticamente impossibile arrabbiarsi quando lo ascolti. Gli altri giochi della serie presentano tutti colonne sonore forti, ma senza Superuomo, a tutti sembra che manchi qualcosa.

Alone 2 (2004)

L'originale Alone ci ha fatto conoscere la sigla della serie, la sigla ricca di cori, e il terzo gioco si è concluso con un numero di pianoforte emozionante che ha offerto quella che pensavamo fosse la chiusura definitiva della storia di Master Chief. Ma nessuno dei due può essere paragonato allo shredding della chitarra elettrica di Aureola 2. All'inizio del gioco, ritroviamo familiarità con i letali nemici Hunter del Patto, che in genere incutono paura nei nostri cuori nel momento in cui irrompono sulla scena. Ma con l'assolo di Steve Vai che risuonava nelle nostre orecchie, abbiamo avuto la sicurezza di caricare con le nostre pistole in fiamme. Quando cambiamo prospettiva e prendiamo il controllo dell'Arbiter, la musica assume una sfumatura horror, condita da momenti cupi e tragici che ci ricordano l'impossibile missione che deve completare.

Ovviamente, i giocatori che hanno trascorso ore nel matchmaking di Halo 2 ricorderanno il gioco tanto per la sua musica da menu straziante come Prezzo pesante pagato E Indimenticato. Presumibilmente chiamato "unforgotten" perché il compositore Marty O'Donnell si era dimenticato di averlo scritto fino a quando Halo 2 non è stato quasi fuori, evoca davvero la tragedia e il ricordo di tutti gli umani e Covenant ingannati che muoiono in modo insensato guerra. Il tema non sorprende che sia tornato Halo 3 E Halo 4.

Anche il controverso finale del gioco è stato reso più sopportabile dalla colonna sonora. Mentre Master Chief pronuncia la sua famosa frase "Signore, finisci questo combattimento", la colonna sonora di Marty O'Donnell cresce e lo schermo diventa nero. I fan dovrebbero aspettare tre anni per scoprire come si è conclusa la guerra tra gli umani e Covenant, con il punteggio che risuona nelle loro orecchie.

Uncharted: Drake's Fortune (2007)

La serie Uncharted può essere descritta come una diretta discendente dei giochi originali di Tomb Raider. La musica del gioco, tuttavia, è uno dei pochi elementi che hanno aiutato Nathan Drake a uscire dall'ombra di Lara Croft. La sua sigla può essere descritta solo come "epica". Ascoltarlo ci trasporta in uno dei tanti panorami meravigliosi e pieni di tesori della serie. La fortuna di Drake sa anche quando riprendere le cose per creare una tensione drammatica, specialmente tra gli scontri a fuoco. "Ho una brutta sensazione su questo" non inizia nemmeno a descrivere queste sezioni spettrali, altrimenti silenziose, dove solo una mossa falsa potrebbe far precipitare Nathan in un mucchio di scheletri o in un gruppo di armati mercenari.

Minecraft: Volumi Alpha e Beta (2011–2013)

Non è un'affermazione troppo audace per farlo Minecraft probabilmente non avrebbe venduto 200 milioni di copie, diventando il secondo gioco più venduto di tutti i tempi, a meno che il compositore tedesco C418 non abbia dato ai giocatori una colonna sonora rilassante ma aliena per riempire il vuoto mentre esploravano la sua ambientazione quasi deserta e infinita.

I pacifici assoli di pianoforte creano un'atmosfera un po' malinconica mentre navighi in un mondo pieno di creature spaventate e mostri violenti. Poi, l'elettronica allegra ti dà un'esplosione di energia, ascoltando di più l'umore dei giocatori che costruiscono edifici a blocchi e si preparano a dirottamenti nel gioco con Minecraft mod.

Maggior parte Minecraft I fan dell'OST gravitano verso i semplici classici del primo album come Mog City, Svezia, E Subwoofer ninna nanna. Non dormire Volume beta, tuttavia, poiché va oltre i pezzi che sono semplicemente "pacifici" o "tristi" e crea tracce come Taswell E Kyoto che sembrano esibizioni distinte, ognuna delle quali evoca il proprio strano nuovo mondo.

Viaggio (2012)

Il compositore Austin Wintory ha trascorso tre anni a creare la colonna sonora di Viaggio, e questa dedizione è stata ripagata da un'incredibile colonna sonora che è stata la prima e unica ad essere nominata per un Grammy Award. Wintory ha reso la violoncellista Tina Guo il centro della colonna sonora e ha detto in un colloquio che il gioco è “come un grande concerto per violoncello dove tu sei il solista e tutti gli altri strumenti rappresentano il mondo intorno a te." Alla fine, mentre sali sulla montagna, il violoncello emerge dall'orchestra per rappresentare il completamento del tuo viaggio. Inoltre, la colonna sonora cambia per aggiungere nuovi strumenti quando incontri altri giocatori.

Aggiungi il suo lavoro su Sindacato di Assassin's Creed, Abzu e la trilogia di Banner Saga, Wintory sostiene con forza di essere il miglior compositore di giochi dell'ultimo decennio.

Leggende di Rayman (2013)

A parte i giochi ritmici come Tippete E Eroe della chitarra dal vivo, è raro vedere uno sviluppatore inserire la sua musica direttamente nelle meccaniche del suo gioco, ma è esattamente quello che ha fatto Ubisoft Montpellier in Leggende di Rayman. Dopo diverse fasi platform tradizionali, ognuna completa delle proprie canzoni spensierate, ogni mondo termina con una sequenza platform fulminea impostata su una famosa canzone rock o pop.

Classici come Betty nera E Occhio di tigre sono ricreati con lo strano umorismo di Rayman (quest'ultimo è giocato interamente su kazoo) mentre l'eroe senza arti corre verso il traguardo, e i suoi salti sono in perfetta sincronia con le canzoni. Gli arresti anomali dei simboli, ad esempio, risuonano ogni volta che Rayman sta per essere colpito da un'esplosione di cannone, e questo tutto accade all'interno del mondo di gioco, con i nemici che si uniscono per eseguire un concerto mentre cercano di uccidere il nostro eroe. Non rovinare i tempi: rovinerai la canzone!

Bioshock infinito (2013)

Se Leggende di Rayman è riuscito a legare la sua colonna sonora al suo gameplay in un modo che nessun altro gioco aveva mai fatto prima, Bioshock infinitoha raggiunto una fusione simile di musica e storia. Dal momento in cui Booker DeWitt mette piede nella città galleggiante della Columbia, viene accolto da una musica che ancora non esiste. I ragazzi da spiaggia' Solo Dio sa, è cantata da un quartetto da barbiere, anche se la canzone non sarebbe stata scritta per circa 50 anni. Mentre il continuum spazio-temporale si disintegra ulteriormente attorno a Booker, ascolta brani di band come Creedence Clearwater Revival e persino leggende della new wave Tears for Fears.

Forse il momento più memorabile dell'intero gioco può effettivamente essere saltato se i giocatori non sono abbastanza ficcanaso. Dopo essere entrato in uno scantinato, Booker può prendere una chitarra ed esibirsi Il cerchio sarà ininterrotto? in duetto con la sua compagna, Elizabeth. Senti le loro emozioni attraverso gli altoparlanti e la canzone ci ha lasciato pensare a come i suoi testi fossero collegati all'universo, o al multiverso, per settimane dopo.

Figlia della luce (2014)

Il cantautore canadese Cœur de pirate ha creato una colonna sonora commovente che ben si sposa con l'atmosfera del gioco, pesante con violino malinconico e assoli di piano premurosi prima di aumentare il tempo in una battaglia pesante di percussioni ballate. Per lo più ambientato in un mondo fantasy portale e interpretato da una giovane ragazza che cerca disperatamente di tornare a casa per salvare il padre morente e contrastarla cattiva matrigna, questa svolta oscura su una storia di Cenerentola con violenza e nessun principe azzurro brilla in parte grazie alla sua bellezza musica. Anche se Aurora guadagna poteri e amici, la combinazione di tristezza e fantasia ci ricorda che questo viaggio non è piacevole per lei come lo è per noi.

Transistor (2014)

La maggior parte dei giocatori sceglierebbe l'eccellente di Darren Korb Bastione colonna sonora per questa lista, ma per i nostri soldi, Transistor rappresenta di gran lunga il miglior lavoro di Korb. Vesti i panni di Red, un cantante la cui voce è stata sigillata all'interno di una spada misteriosa e che deve combattere per sconfiggere l'intelligenza robotica che sta assorbendo in sé gli abitanti della città. Incapace di parlare, Red può canticchiare la musica di ogni livello e ascolterai anche diverse sue precedenti esibizioni nel corso del gioco.

Korb descritto il genere della colonna sonora come "post-rock elettronico del vecchio mondo", che in realtà si traduce solo in un'intensa atmosfera cyberpunk che si abbina al gameplay ricco di azione e al mondo desolato e futuristico. Aggiungi la straordinaria voce della cantante Ashley Lynn Barrett, usata con grande effetto in canzoni come Diventiamo tutti E La spinae ottieni una colonna sonora che vale la pena ascoltare più e più volte.

Ori e la foresta cieca (2015)

La bellezza grafica del franchise di Ori è eguagliata solo dalla sua splendida colonna sonora, che è stata eseguita da un intera orchestra e coro e presenta molteplici esibizioni soliste di Aeralie Brighton, Rachel Mellis e Tom Boyd. Le armonie dei cantanti suonano come se l'ambientazione della foresta del gioco stesse facendo una serenata a Ori mentre avanza nella sua ricerca, con l'assolo esibizioni che spesso sorgono durante i filmati quando Ori ha fatto un ulteriore passo avanti nella pulizia della sua casa dalla malattia che infetta Esso.

Il suo eccellente valore di produzione a parte, il Ori e la foresta cieca la colonna sonora ha successo grazie alla ponderata composizione di Gareth Coker, che crea un nuovo, melodia dal suono magico per ogni nuova area che incontri e leitmotiv che riflettono sul ricorrente personaggi che incontri.

Nier: Automata (2017)

Gli orari di apertura di Nier: automisono accompagnati da una colonna sonora malinconica e occasionalmente allegra che esiste per lo più in sottofondo mentre ti muovi nel mondo aperto. La canzone Raggi di luce ha una melodia di pianoforte memorabile e semplice che ti ritroverai spesso a canticchiare, dato che c'è poco rumore nelle rovine della città del gioco, ma il finale poche note del jingle si spostano verso un tono più deprimente che evoca la tortura emotiva che stai per sopportare nel corso del gioco.

Emi Evans, la vocalist di molti dei brani, ha studiato la linguistica per creare un convincente, finto linguaggio di gioco, Chaos, poi armonizzato con le melodie composte da Keiichi Okabe in quel finto lingua. Oltre ad avere una bella voce, Evans ha aggiunto autenticità e immersione al mondo stravagante del gioco creando e cantando parole che suonavano come se fossero Potevo essere una vera lingua del lontano futuro.

I momenti finali del gioco sono quelli in cui la fantastica colonna sonora raggiunge davvero il suo apice. Una melodia inizialmente calma e cupa, Il peso del mondo, inizia con un'esibizione da solista prima di lasciare il posto a un inno orchestrale, con un intero coro di voci che si unisce mentre ti fai strada verso la toccante conclusione del gioco. Anche dopo che 2B e 9S hanno terminato il loro viaggio, volevamo ancora "gridarlo forte".

Persona 5 (2017)

Le colonne sonore jazz di Persona sono le preferite dagli audiofili dei videogiochi e il Persona 5 OST è pieno di musica energica che ti incoraggia a farlo "svegliati, alzati, esci". Il compositore Shoji Meguro usa spesso il piano elettrico e la chitarra nella musica del gioco, aggiungendo un tono sintetizzato che rende la routine quotidiana di Tokyo del tuo personaggio eccitante quanto il Metaverso.

I momenti salienti della colonna sonora provengono dalla cantante Lyn Inaizumi, che esegue una dozzina di canzoni pop / R&B che ti rimarranno impresse nel cervello e ti faranno canticchiarle bene dopo aver finito il gioco. Appaiono sia come versioni vocali che strumentali a seconda dell'ora del giorno, il che è un bel tocco. Inoltre, il gioco aggiunge anche testi ad alcune delle musiche di combattimento, una scelta che pochi altri giochi hanno mai avuto il coraggio di provare.

Celeste (2018)

Celesteè un gioco impegnativo, non solo in termini di gameplay, ma anche di argomenti. La colonna sonora tiene perfettamente il tono impostato dal gioco, svolgendo il doppio compito di musica di sottofondo e sound design. Seguendo perfettamente i tuoi eventi, Celeste'La colonna sonora di S sembra quasi un personaggio del gioco, che ti accompagna nel lungo e spesso solitario viaggio su Celeste Mountain.

Inoltre, CelesteLa colonna sonora di adatta perfettamente l'atmosfera del gioco alla sua volontà, con l'apertura Primi passi offrendo un tono di speranza nei primi momenti del gioco e canzoni come Riflessione offrendo un tono più profondo e metodico mentre il tuo viaggio fisico e psicologico continua in un luogo più oscuro.

Celeste ha anche livelli "B-Side" con maggiore difficoltà e remix frenetici sui temi del livello originale. Mentre tutti trippy e adrenalinici a modo loro, Riflessione (Centro della Terra Mix) è un'incredibile traccia di spicco, con il canto discordante che riflette sull'ambiente assurdamente mortale in cui il tuo personaggio continua a tuffarsi a capofitto.

Super Smash Bros. Ultimo (2018)

Super Smash Bros. Ultimo ha aiutato Nintendo a trasformare Nintendo Switch nel lettore MP3 più grande e poco pratico di tutti i tempi. I giocatori possono accedere a oltre 30 ore di tracce originali e remix da una grande varietà di franchise di videogiochi dal menu Suoni del gioco e attraverso i suoi oltre 100 livelli. Il gioco te lo consente Ascoltare ai tuoi franchise preferiti e crea playlist personalizzate. Oppure seleziona semplicemente shuffle e rivivi alcune delle migliori musiche per videogiochi della storia, incluse le composizioni di molte delle nostre altre migliori scelte di tutti i tempi.

Gli Smash Bros. la serie ha portato un divertente mix di vecchi classici e nuove orchestrazioni che i fan adoravano. Come con Stella Volpe 64, Nintendo ha utilizzato la tecnologia musicale e le librerie di suoni per remixare completamente le colonne sonore MIDI. Questo lavoro meticoloso ha portato una nuova interpretazione della musica di franchise come Mario, Zelda, Fire Emblem, Metroid e Kirby. Un altro giro divertente è che i nuovi personaggi DLC, come Joker in Persona 5, ottenere la loro musica a tema.

Destino eterno (2020)

I giochi Doom sono spesso paragonati alla copertina di un album heavy metal, solo riproducibile. Naturalmente, nella serie è sempre stata presente una colonna sonora heavy metal, ma è stato solo con il reboot nel 2016 che abbiamo Veramente sentito l'impatto della musica sul gioco. Composta da Mick Gordon, questa colonna sonora si adatta dinamicamente alla tua forza e al tuo ritmo strappando le orde demoniache per punteggiare perfettamente ogni colpo di fucile e proiettile di mitragliatrice licenziato. Il risultato è un metal apologeticamente esagerato, e mentre sembrerebbe quasi un cliché in qualsiasi altro contesto, si adatta alla brutalità di Destino eternoperfettamente.

La musica è così reattiva che diventa praticamente una meccanica del gioco stesso. Come notato, più duramente stai uccidendo, più le chitarre suonano e la batteria suona più forte, ma ti indica anche quando determinate abilità sono pronte, quando si stanno generando nuovi demoni o quando la tua salute è bassa. Sfortunatamente Mick ha avuto un litigio con gli sviluppatori dopo il lancio di questo gioco, quindi questo potrebbe essere l'ultimo gioco in cui possiamo goderci i suoi talenti musicali demoniaci.

Menzioni d'onore

Il NES è nelle famiglie da oltre 35 anni, quindi la nostra lista dei primi 20 non copre tutti gli anni. Dal momento che c'è una tale ricchezza di grandi colonne sonore, stiamo elencando i nostri secondi classificati qui. Vale la pena ascoltarli, anche se non sono entrati nella top 20.

• Mondo di Super Mario (1990) di Koji Kondo
• Terrestre (1994) di Keiichi Suzuki e Hirokazu Tanaka
• Final Fantasy VI (1994) di Nobuo Uematsu
• Segreto di Mana (1994) di Hiroki Kikuta
• Donkey Kong Country 2: La ricerca di Diddy Kong (1995) di David Wise
• Banjo-Kazooie (1998) di Grant Kirkhope
• Cronocroce (1999) di Yasunori Mitsuda
• Final Fantasy VIII (1999) di Nobuo Uematsu
• Super Mario Sole (2002) di Koji Kondo
• The Legend of Zelda: The Wind Waker (2003) di Kenta Nagata, Hajime Wakai, Toru Minegishi e Koji Kondo
• Super Mario Galassia (2007) di Mahito Yokota e Koji Kondo
• Persona 4 (2008) di Shoji Meguro
• Assassin's Creed 2 (2009) di Jesper Kyd
• Alone 3: ODST (2009) di Martin O'Donnell e Martin Salvatori
• Bastione (2011) di Darren Korb
• Generazioni soniche (2011) di Jun Senoue
• La vita è strana (2015) di Jonathan Morali
• Undertale (2015) di Toby Fox
• Tinta (2016) di Alkis Livathinos
• Dio della guerra (2018) di Bear McCreary

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