Battles gitáros, Ian Williams a La Di Da Di műsorában, élőben játszik

"Művészként az a feladatod, hogy olyan menővé és őrült zenévé tedd, amilyennek szeretnéd."

A végtelen hurok rögzítésének és manipulálásának művészete trükkös dolog. Csináld jól, és egy olyan utazásra viheted a hallgatót, amely soha nem ugyanaz egyik percről a másikra, az állandó ismétlési elem ellenére. Csináld rosszul, és ez egy egyirányú jegy Yawnsville-be.

Még jó, hogy a Brooklynban tenyésztett Battles trió megmutatja nekünk, hogyan kell ezt csinálni. Az új albumukon La Di Da Di, amely jövő pénteken jelenik meg a Warp Records-on különböző formátumokban, a Battles tetszés szerint hajlítja és alakítja hurkjait, kezdve a nyitó szám több mozgásos intenzitásával A Yabba ütős drámájához Erőszakmentesség a forrongó ping 'n' shuffle-ra Megatouch.

Amint már említettük, bár ezek a hurkok a szerkezetnek némi látszatát keltik, az, hogy egy dal melyik lesz a következő, az érintett játékosok kreativitásának függvénye – különösen, ha a színpadon vannak. „Ezekben az új dalokban nem feltétlenül vettük tudomásul a popdal formátumát” – jegyzi meg Ian Williams, a Battles gitárosa. „És ez elég nyitott ahhoz, hogy a dalokat úgy tudjuk értelmezni a színpadon, ahogy akarjuk. Lehet, hogy útközben felfedezek egy új beépülő modult, majd megcsinálom ezt, és létrehozok egy új részt a dalban, ahol őrült új gitárhangokat adok. Még mindig működik a dal kontextusában, és nem szűnik meg a dal lenni.”

A Digital Trends felhívta Williamst egy észak-karolinai turnéállomásra, hogy megvitassák a zenekar egyedi márkáját hurokmágia, birkózás a művészettel és a kereskedelemmel, és hogyan fejlődnek tovább a Battles dalok élőben beállítás.

Digitális trendek: Azt mondanám, ahogyan a hurkokkal dolgozik La Di Da Di azt mutatja, hogy gyakorlatilag egy tudományban van.

Ian Williams: Nos, zenekarként mindig is csináltunk hurkokat. És ha arról beszélünk, hogy élőben is megcsinálják, azonnali fénykép lesz. Már egy kicsit eltávolodott attól, hogy valójában „játszod”, és valamivel több lesz belőle ENSZ-emberi. Rengeteg lehetőséget teremt – manipulációt, és a zene más helyre vitelét, mint amennyit ténylegesen lejátszana.

Ez áldás és átok. Ennek megvannak a maga korlátai és árnyoldalai. Az egyik ez a monolitikus dolog, ami folyamatosan ismétlődik a dal során. De hát ez az, amivel mindig is küszködtünk ezen a csoporton belül – hogyan tartsuk érdekesen, és hogyan változtassuk meg. Meg tudjuk változtatni a dal kulcsát? Adhatunk szünetet a fülednek, hogy ne kelljen újra hallania ugyanazt? Ez az egyik olyan dolog, amivel dolgozunk, ami túl szorosan behálóz minket, de néha több helyre enged minket, mint amennyit játszhatnánk.

Ezt felszabadító koncepciónak látom az Ön számára. Hogyan fejlődött az évek során a hurkok készítéséhez használt felszerelés?

A legelején az Akai Head Rush-t használtam – azokat a régebbi, '90-es évekbeli pedálokat. Aztán elég gyorsan megkaptuk a Gibson Echoplexeket, a digitálisakat. Ezekkel szinkronizálhatja a pedálokat.

Dave [Konopka, gitáros/basszusgitáros] még mindig az övét használja; neki van belőlük egy pár. Eltávolodtam ettől, és Abletonná fejlődtem. Az Ableton számomra olyan volt, mint amikor van egy pedál, és azt gondolod: „Ó, meg tudom csinálni ez, tehát ha lenne két pedálom, kétszer annyit tudnék csinálni.” A kinyilatkoztatás számomra az Abletonnal az volt, hogy 300-szor annyit tudok csinálni, hogy hurkokat csináljak, és több dolgot csináljak egyszerre. És akkor egyszerűen elmegyek vele. Ezen a ponton én Digital Dude vagyok, Dave pedig Analog SoundWorld Pedal Dude.

Szép kontraszt, tekintve, honnan indult a zenekar.

Az emberek örökké azzal próbálkoznak, hogy rámutassanak arra, hogy mi a digitális és mi az analóg hang. Arról beszélünk, hogy talán Dave-nek meg kellene szereznie az Abletont, mert technológiailag több dolgot lehet vele csinálni. De ez valójában egy rossz ötlet – ha mindkét világban tartunk, a hangzás spektruma nagyobb marad, és néha mindkét világból a legjobbat hozzuk ki. Az analóg cuccból inkább van egy marha aspektus, de van ez az őrült precizitás, amit ki lehet hozni a digitálisból.

Mivel autodidakta játékos vagy, és Dave tervezői háttérrel rendelkezik, gyakran harcoltok a struktúra ellen: „Lássuk csak, hová megy.”

Igen igen. Dave zeneileg kicsit minimalista, én pedig maximalista vagyok: „Tegyük intenzívebbé!”

Tudom, hogy néha jót tesz, ha visszahúzom magam, mert a hallgató számára valószínűleg jobb élmény, ha koncentráltabb és kevésbé ciki.

Végül eljutunk a dal középpontjához. Számunkra nincs zenekarvezető. Ez egy olyan bizottság, ahol hármunknak meg kell értenünk, hogy valami jó. De néha nehéz mindannyiunkat egyetértésre bírni.

Nekem, Summer Simmer úgy tűnik, hogy mindenki ötleteinek tökéletes hálója – és a végéhez közeledik ez a nagyszerű szél.

Igen igen igen. Ezen a dalon az Ableton Push-t használtam, hogy elérjem azt az ismétlődő 16. hang beállítást, a bevezetőben. A Push lehetővé tette ezt a dalt.

Hogyan hallgassák az emberek ezt az albumot? Az MP3 megcsal minket attól az élménytől, hogy megkapjuk a hurkok és a kompozíciók összes textúráját?

Hm, ember, ez olyan furcsa manapság. A kérdésedre az lenne a válasz, hogy minél hosszabb ideig zenélek, annál zavartabb vagyok az elterjedését illetően, és elfogyasztják, és minél jobban összpontosítok a zenélésre, és hagyom, hogy a körülöttem lévő emberek döntsenek arról, hogy felkerül-e a Spotify lejátszási listára, stb. hogy.

Minél értékesebbek vagyunk a „helyes” bemutatásban, annál jobban felfoghatjuk. Meggyőződésem, hogy művészként felelősséggel tartozik, hogy a lehető legjobbat hozza létre. De akkor a zene terjesztése olyan furcsa manapság – az emberek mobiltelefonjukon hallgatnak zenét, és még csak nem is fejhallgató. (kuncog) De tudom, ha azt mondod: „Nem, ez nem erre a formátumra való”, akkor annyi embertől elzárod magad.

Nem tudom, hogy ez jó vagy rossz, de sok minden arra késztet, hogy elmenj az élő koncertre. Volt egy New York Times cikk néhány héttel ezelőtt a Média rovatban az új digitális gazdaságról, és arról, hogy ez valójában hogyan jó a művészeknek. Ebben sok szó esett arról, hogy az elmúlt 20 év koncertjegy-eladásai hogyan emelkedtek, míg a lemezeladások jelentősen csökkentek. A rögzített dolog most csak egy módja annak, hogy kimondja: "Hé, gyere, nézd meg a műsort." Lehet, hogy ez most így megy.

Ez a '60-as és '70-es évek szó szerinti ellentéte, ahol az album volt a mindenekelőtt. Az albumra most úgy tekintenek, mint egy kis ízelítőre abból, hogy mit fogsz kapni, ha eljössz a bemutatóra. De az élő élmény azon kevés területek egyike, ahol manapság az embereket ugyanarról az oldalról tudjuk összehozni ugyanarról a dologról.

Baloldaliak vagyunk és kísérletezők a barkácsolás hagyományai szerint. Igyekszem nem túl értékes lenni ezzel kapcsolatban. A 60-as és 70-es években volt az Egyesült Államokban egy buddhista szerzetes, Chögyam Trungpa, aki a hippik és Allen Ginsberg divatja volt. Az volt a lényege, hogy amikor a buddhizmust tanította, az nem csak egy szent szöveg volt, amelyet csak nyelven szabad tanítani. a templomot, de mindenki számára hozzáférhetőnek kell lennie, mint egy magazin, amelyet a szupermarket folyosóján árulnak. Rendben volt, hogy ez az áru mindenhol elérhető.

Néha eszembe jut a zene. Ha felteszed egy TV-reklámba, akkor ezzel rendben vagyok, mert így többen hallják a munkádat. Nem arról van szó, hogy múzeumban vagyunk. Művészként csak az a feladatod, hogy a zenét olyan menővé és őrültté tedd, amilyennek szeretnéd. Ezt követően hogyan terjesztik el a világban, nos – hogyan kereshetsz pénzt a zenédből? Okos üzletember vagy, vagy nem? Tudom, hogy ez egy teljesen más beszélgetés, mint a „menő zenét csinálsz?” Inkább arra koncentrálok, hogy klassz és érdekes zenét csináljak.

Beszéljünk erről az élő élményről. Az összes elem mellett, amivel a színpadon foglalkozol, hogyan fog megváltozni ez a dinamika most, hogy új lemezed van?

Dobosként John mindig kick drum, pergő, hi-hat és crash-t csinált, és ez az, amit csinál. Ő a zenekar akusztikusan követhető eleme. Látod, ahogy megüti a pergőt, és megérted ezt a hangot.

Aztán Dave a pedáljai fölé hajol, szűrőt söpör, vagy visszakap egy hurkot egyik pedálról a másikra. Aztán a cuccaimmal egyszerre indítok el egy szintetizátort és gitározom. Általában egyszerre gitározom és billentyűzöm – a jobb kezemmel billentyűt, a bal kezemmel pedig a gitárt. Vagy szintetizátorokat és mintákat indítok el a gitárommal. 50/50-es keverékeket csinálok, ahol a szintetizátor és a gitárom keveredik.

Sokkal nehezebb nyomon követni, mit csinálunk az elbeszélésben. Látsz más előadásokat, és azt mondod: "Ó, igen, a gitáros játszik, és én gitárt hallok." Most nálunk ez sokkal zavaróbb, de szórakoztató ezzel játszani. Sok a manipulálnivaló.

Úgy érzed, hogy az új dalok fejlődnek a színpadon, minél többet játszod őket?

Számunkra a turné menetrendünktől függ, és attól, hogy van-e két hét szabadságunk, amikor mindannyian ugyanabban a városban lehetünk egyszerre, és valóban próbálhatnánk, mert valószínűleg a lemez felét nem tudjuk, hogyan kell helyesen játszani Most. Még gyakorolnunk kell ezeket a dalokat, és még mindig szeretném kitalálni, hogyan játsszam el őket élőben. Már alig várom, hogy megtanuljak játszani velük. Jelenleg csináljuk A Yabba, és ez egyre szorosabb. mi is csináljuk FF Bada, és ez nagyon játszható.

Amilyen mértékben elektronikus banda vagyunk, az elektronikus zenészről az a helyzet, hogy „Épp most láttad, hogy megnyomok egy gombot.” Ott ennyi az előadó-tömeg kapcsolat mértéke. A tömeg azt mondja: „Rendben, megnyomtál egy gombot; és akkor mi van?" Amit nem értesz, az az: „Egész nap nem láttad, amikor nagyon okosnak kellett lennem, hogyan programoztam be ezt a dolgot, hogy megtörténjen! A gombnyomás mögött minden olyan dolog van, amit nem láthattál. Nagyon ügyesen kitaláltam, hogyan kell mindezt megtenni, és felhoztam magammal a színpadra, hogy megtörténjen.”

Ez nem olyan, mint: „Istenem, most láttam Eddie Van Halen-t játszani ezt a csodálatos 15 perces gitárszólót.” Most olyan, mint: „Igen, ő az a srác aki megnyomja a gombot – de fiú, ez zseniális volt, ahogy kellett csinálnia!” Furcsa, ahogy ez jön vagy nem.