2017 a été la meilleure année pour les suites de science-fiction

Les bonnes suites sont rares. Il n’est jamais facile de recréer le breuvage original qui s’est transformé en un grand film. Pour une année donnée, produire ne serait-ce que deux grandes suites est exceptionnel, c'est pourquoi 2017 a été annus mirabilis pour ces suivis. 2017 a produit cinq suites dans le même genre – action de science-fiction – qui étaient toutes aussi bonnes ou meilleures que tout le reste dans leurs franchises respectives.

Leur succès initial, ainsi que leur pérennité, sont dus à plusieurs facteurs communs, notamment un cinéma visionnaire, des films spéciaux inspirés effets et performances engagées d'acteurs célèbres qui n'avaient pas peur de paraître vieux ou faibles alors que leurs personnages luttaient contre le déclin pouvoirs. Mais plus que tout, leur triomphe collectif se résume à une approche commune. Ils constituaient tous des départs audacieux – sur le plan narratif, thématique, stylistique et esthétique – par rapport aux entrées typiques des franchises qui les ont engendrées.

Logan (3 mars)

Il n’est pas étonnant que les gardiens de la franchise Indiana Jones se soient enrôlés James Mangold pour diriger Harrison Ford, 79 ans, dans le cinquième opus à venir de la série. N’importe qui ne remplacera pas Steven Spielberg. Même si le célèbre réalisateur de E.T. et La liste de Schindler j'ai trébuché avec Indiana Jones et le royaume du crâne de cristal, il est toujours l’un des plus grands de tous les temps. L’embauche de Mangold témoigne du travail fantastique qu’il a accompli Logan — le dernier film de la trilogie Wolverine, elle-même un spin-off de la série X-Men – mettant en scène deux légendes vieillissantes incarnant deux légendes vieillissantes: Hugh Jackman dans le rôle de Logan/Wolverine et Patrick Stewart dans le rôle de Charles Xavier/Professeur X.

Mangold avait réalisé le précédent film Wolverine, qui se déroule au Japon, qui a reçu de bonnes critiques et présente de superbes séquences, dont un hommage à Akira Kurosawa Trône de sang, avec Wolverine se remplissant de flèches. Mais le film reste dans le domaine de la bande dessinée, un domaine d'où Logan décide décidément de mettre en scène et de filmer ses événements avec un réalisme réaliste (y compris des représentations réalistes de ce qui arrive aux corps humains lorsque quelqu'un les déchire avec des griffes d'adamantium).

En 2029, les mutants sont pratiquement éteints et Logan, Xavier et Caliban (Stephen Merchant) dérivent vers la fin de leurs jours. Lorsqu'une jeune mutante en détresse (Dafne Keen) arrive à leur porte, ils redécouvrent un objectif commun. Mangold (qui avait déjà réalisé un remake de 15h10 pour Yuma) raides Logan dans le Western en évoquant Shane, la méditation classique de George Stevens de 1953 sur la brutalité de la violence qui raconte également la survie d’une famille de fortune.

Les teintes vives et l'éclairage très contrasté du film étaient si beaux que Mangold a également sorti une superbe version en noir et blanc du film, ce qui, au contraire, évoque les thèmes bruts du film de manière encore plus dramatique. Logan est de loin le meilleur film X-Men, ce qui ne veut pas dire grand-chose, mais c'est aussi la rare suite qui peut se suffire à elle-même.

Guerre pour la planète des singes (14 juillet)

La principale raison du succès du plus récent Planète des singes série - en plus d'une réalisation cinématographique spectaculaire - est que chaque film trouve un ton et une approche différents de celui qui l'a précédé. L'avènement de la planète des singes (2011) est une histoire d'origine classique présentant une histoire d'amour familiale touchante entre l'homme et le singe qui dément l'horreur de la détérioration de la société qui l'entoure.

La suite, L'aube de la planète des singes (2014), se déroule dans une apocalypse post-virale dans laquelle les vestiges chaotiques de la civilisation humaine sont juxtaposés aux forêts luxuriantes du nord de la Californie où les singes veulent juste vivre en paix. En présentant la civilisation des singes, Aube permet également à cette série de revendiquer sa place comme l’une des prouesses d’effets visuels les plus étonnantes jamais consacrées au cinéma. Il met également en vedette Andy Serkis, qui incarne le chef des singes, César, comme l'un des plus grands acteurs du cinéma vivant.

Tout – les effets visuels, la construction du monde, les performances, celles de Serkis en particulier – se surpasse une fois de plus dans le troisième film, qui s'appuie davantage sur la beauté presque picturale, ainsi que sur politique progressiste sous la forme d'une critique acerbe de la xénophobie belliciste et de la construction de murs aux États-Unis (tout cela peut expliquer pourquoi ce film a eu moins de succès au box-office national que son précédent film). prédécesseurs.).

Le film poursuit également la tendance des séries consistant à s’appuyer sur différents genres pour donner une nouvelle tournure à la narration. Guerre est un film de voyage, un film d'évasion de prison et un riff sur Apocalypse maintenant, avec Woody Harrelson faisant écho au colonel Kurtz meurtrier de Marlon Brando dans ce film. Enfin, le film est une allégorie biblique, avec César dans le rôle de Moïse conduisant son peuple vers la terre promise, un voyage d'une trilogie qui se termine par un joli tableau au pastel annonçant l'espoir.

Blade Runner 2049 (6 octobre)

Si quelqu’un n’en était pas convaincu il y a cinq ans, il est clair que ce film est tout sauf un chef-d'œuvre pour ses visuels extraordinaires et son thèmes émouvants sur le sacrifice et la nature de l'identité humaine. Ridley Scott original Coureur de lame (1982) était devenu si distinctif, influent et célèbre au cours des décennies qui ont suivi son premier échec, il a fallu beaucoup de courage pour Pensez à y donner suite, d'autant plus que la star du film, Harrison Ford, s'est plaint à plusieurs reprises des moments misérables qu'il a vécus. le faire. Le réalisateur Denis Villeneuve a avoué marcher sur un « territoire sacré » même s'approcher d'une suite, et cela aurait sûrement pu être une grande folie. Au lieu de cela, lui et ses collaborateurs (en particulier le directeur de la photographie Roger Deakins, qui a remporté un Oscar tant attendu pour le film) ont apporté une œuvre majeure au cinéma.

En accord avec notre thème, Coureur de lame 2049 a fait deux écarts clés par rapport à l'original qui ont assuré son succès artistique. Il a élargi les environnements, s'éloignant des profondeurs urbaines sombres du centre-ville pluvieux de Los Angeles pour révéler bien plus de l'univers de l'histoire, y compris un film réalisé à Las Vegas. invivable à cause de l'explosion d'une bombe sale, d'une digue gargantuesque retenant la montée de l'océan et de la ville anciennement connue sous le nom de San Diego servant désormais d'énormes déchets décharge.

Le deuxième départ était de lancer Ryan Gosling dans le film en tant que Blade Runner de nouvelle génération, l'agent K, chassant des réplicateurs de modèles plus anciens (comme celui joué par Dave Bautista), et que le récit retrace son arc pour devenir humain. Pendant ce temps, Ford en tant qu'OG Rick Deckard apparaît si tard sur la photo qu'on oublie presque qu'il est dedans. Cependant, lorsqu'il apparaît, le film relie élégamment l'histoire de Deckard à celle de K et livre une fin profonde et émouvante dans laquelle Villeneuve rend hommage à les scènes finales de Kurosawa Ikiru, aussi sur un homme qui découvre son humanité avant de mourir dans la neige. (Comme avec Le glouton, mentionné ci-dessus, évoquant Kurosawa doit être le geste par défaut pour signaler une ambition artistique sérieuse.)

Comme l'original Coureur de lame, BR 2049 a été un « échec » financier, mais comme son prédécesseur, il est destiné à occuper une place importante dans le canon de la science-fiction sérieuse, atteignant les générations à venir.

Thor: Ragnarok (3 novembre)

Si personne n’a encore dit: « Si vous voulez une nouvelle version de quelque chose, donnez-le à un Kiwi », alors je le dis ici! Quel heureux hasard pour Marvel Studios que le scénariste/réalisateur néo-zélandais, et merveilleux homme de la ville Taika Waititi était à la hausse au moment même où ils avaient besoin d'une nouvelle voix pour donner vie à une série turgescente qui avait pratiquement échoué avec les léthargiques. Thor: Le Monde des Ténèbres.

Waititi a jeté un coup d'œil au matériel, a décidé que cela devrait être beaucoup plus amusant, et chacun de ses instincts s'est avéré être exactement ce dont il avait besoin. Ragnarök est hilarant, visuellement époustouflant, sexy, campy, réconfortant, plein d'action et au rythme soutenu. Il embrasse de manière significative les relations héritées – entre Thor (Chris Hemsworth) et Loki (Tom Hiddleston); les deux fils et leur père, Odin (Anthony Hopkins); et Thor et Hulk (Mark Ruffalo) – tout en introduisant de nouveaux personnages formidables.

Cate Blanchett est une huée en mode vamp entièrement vêtue de cuir dans le rôle du Big Bad, tandis que Tessa Thompson dans le rôle de Valkyrie arrosée et apathique est immédiatement devenue l'un des personnages les plus attrayants du MCU. Ajoutez Jeff Goldblum en train de faire des trucs goldblumiens avec un fard à paupières sombre et vous venez de rayer neuf des 12 choses que chaque film devrait contiennent presque toujours - à tel point que chaque fois que je regarde ce film, je me pose la même question: pourquoi n'y a-t-il pas plus de superproductions comme Thor: Ragnarök ? Il n'est pas surprenant que Marvel ait ramené Watiti pour la quatrième entrée,Thor: Amour et Tonnerre.

Star Wars: Les Derniers Jedi (15 décembre)

Il n’y a pas grand-chose de nouveau à dire sur ce film qui n’ait été exposé à l’infini au cours des cinq dernières années dans la lutte acharnée des opinions dissidentes entre les camps de fans, parmi lesquels les opinions de cet écrivain. Étant donné que les films Star Wars ont tendance à être comparés exclusivement entre eux, plutôt qu'au cinéma en général, le le débat sur la valeur a tendance à porter moins sur les notions conventionnelles du bien et du mal que sur les meilleurs épisodes. exprimer le Star Wars de Star Wars. Certes, le tumulte suscité Le dernier Jedi – et les suites en général – se sont concentrés sur cela.

Quels éléments traduisent le mieux le caractère Star Wars de Star Wars peuvent être difficiles à identifier. La magie qui génère Star Wars, qui fait battre notre cœur même à moitié en l'apercevant sur un téléviseur alors que nous nous promenons dans un Best Buy, réside dans la fusion, et non dans les ingrédients individuels. J.J. Abrams évoque le breuvage à des moments occasionnels, et même pendant une ou deux séquences prolongées, dans le réveil de la force. Malheureusement, sa sorcellerie naissante n'était pas à la hauteur du véritable pouvoir obscur de l'univers Disney Star Wars: les impératifs commerciaux qui appelaient à une intrigue aussi calculée et dérivée.

Le dernier Jedi est également dérivé. C’est juste un dérivé d’une manière beaucoup plus réfléchie, originale et subversive que le réveil de la force. Star Wars est désormais un genre à part entière. Et la clé de la popularité soutenue de tout genre est la nouvelle évocation des tropes du genre. L’un des tropes que le réalisateur Rian Johnson met à jour avec rapidité est les influences du film Samurai qui ont inspiré Star Wars depuis le début. Et oui, nous sommes de retour à Kurosawa! Le maître japonais a eu une influence majeure sur George Lucas, notamment avec son film, La forteresse cachée.

Le design du samouraï est évident partout Le dernier Jedi, dans le duel Snoke/Rey/Kylo Ren dans la salle du trône, avec ses masques, ses robes fluides et ses fonds rouge sang rappelant le drame japonais Nô que Kurosawa avait évoqué dans Trône de sang. L’esthétique du samouraï prédomine également dans les scènes Jedi/moine entre Luke Skywalker (Mark Hamill) et Rey (Daisy Ridley), ainsi que dans la confrontation culminante de Luke avec Kylo Ren (Adam Driver). L'île d'Ahch-to, bien que tourné au large de la côte ouest de l’Irlande, pourrait facilement doubler pour le Japon. Son terrain rocheux et balayé par la pluie et ses structures en ruine rappellent l'ouverture du musée de Kurosawa. Rashomon, tandis que les triples petits pains de Rey évoquent Toshiro Mifune de plusieurs de ses films de samouraï.

Comme pour tous les films de notre tant vantée année de suites de science-fiction, à la fois le succès initial et l'acclamation continue de Le dernier Jedi sont dus à son écart audacieux par rapport au matériel source sur des points clés. L’approche commune de ces films en a fait de formidables expériences cinématographiques à part entière, ainsi que des exemples supérieurs de leurs franchises respectives.

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