Si jamais on avait besoin d'une preuve que le monde cherche désespérément à revenir à The Way Things Were, on pouvait la trouver dans les heures d'ouverture du Festival international du film de Toronto. C'est pratiquement le thème officiel de la 47e année du festival, sa première édition entièrement en personne depuis le début de la pandémie en 2020. "Les films sont de retour et nous aussi" est la devise criée, en tant de mots, par la bobine habituelle de pare-chocs de présélection et les programmeurs traversant les étapes pour introduire chaque nouvelle sélection.
Ce message était reflété par une joie générale qui passait comme un courant électrique à travers chaque lieu, hall et ligne. Tout le monde semble ravi d'être de retour - et prêt à prétendre que tout est comme c'était le cas lors du plus grand rassemblement annuel d'amateurs de cinéma en Amérique du Nord. En espérant, bien sûr, que l'excitation soit la seule chose qui se propage sauvagement dans cette mer de visages souriants, pour la plupart sans masque; l’absence de mandats est une illustration moins réjouissante de la volonté de chacun de faire la fête comme en 2019.
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Pourtant, je suis excité aussi. Après deux années « hybrides » au cours desquelles j'ai vécu virtuellement le festival depuis la sécurité et le confort de mon salon, il est bon d'être de retour sur le terrain et de vivre à nouveau toutes les traditions tangibles de la fête. Les repas entre amis que vous ne voyez que quelques fois par an, voire moins fréquemment en ces temps inhabituels. Les déambulations sur les avenues de Toronto qui se brisent de longs tronçons dans des auditoriums obscurcis. Et le rite le plus singulier du passage TIFF: Monter cet escalator sans fin, souvent sur le fil à la Banque Scotia, qui a tendance à – selon les mots immortels de Mitch Hedberg – devenir des escaliers.
Et bien sûr, c'est incroyable de voir à nouveau autant de films projetés sur grand écran; Je monterais volontiers les marches d'un gratte-ciel pour arriver à une file de sièges en attente au sommet. L'attrait de l'expérience de cinéma temporairement inactive a fait son chemin dans les remarques de la soirée d'ouverture de Cameron Bailey, PDG éternellement prêt du festival et ambassadeur individuel de la flatterie. ("Le meilleur public de cinéma au monde", c'est ainsi qu'il nous a tous appelés hier soir, ce qui m'a fait penser à Waylon Smithers derrière le micro lors du rassemblement de camions monstres: "Ils sont déjà là, nous n'avons pas besoin de continuer à les bousculer comme ça.")
L'ironie de tout ce cheerleading "retour au cinéma" est que le festival a, pour la première fois, choisi un Netflix film comme sa sélection de la soirée d'ouverture. Et en mettant de côté la menace que le géant du streaming représente activement pour les salles de cinéma, le film lui-même, Les nageurs, était disgracieusement projeté sur l'immense écran du Roy Thomson Hall. Aussi lumineuse et plate qu'une carte postale, la cinématographie rappelle des productions moins prestigieuses comme La cabine des baisers, utilement contribuant à une théorie unifiée de "l'esthétique Netflix". Chaque image semble avoir été prise pour servir potentiellement de vignette d'aperçu.
Le film est tout aussi dramatiquement sans texture. Il raconte l'histoire vraie des sœurs Yusra et Sara Mardini, championnes de natation adolescentes de Damas, en Syrie, dont le rêve d'aller à les jeux olympiques ont été perturbés au milieu des années 2010, par la guerre de Syrie. Finalement, les deux ont fui vers l'Allemagne, dans l'espoir d'échapper à la violence et de continuer à poursuivre leurs aspirations sportives. Le voyage les emmènerait à travers terre et mer, à travers plusieurs pays, où leur vie et leur liberté étaient fréquemment menacés, jusqu'à ce que... eh bien, soit vous savez comment cette histoire vraie de persévérance s'est terminée, soit vous ne le faites pas. Je laisserai Wikipédia gâcher le résultat édifiant.
Les Nageurs | Bande-annonce officielle | Netflix
Il faudrait être sans cœur pour ne pas être ému par les détails du sort des sœurs Mardini, mais aussi très indulgent pour ignorer ce qu'est un scénariste-réalisateur de compte benoîtement vertueux Sally El Hosaini (Mon frère le diable) en a fait, sans perspective particulière au-delà de la simple admiration. Elle n'arrête pas de distribuer de petits moments d'inspiration en cours de route, comme un concurrent olympique qui vient prendre l'air dans la piscine; on se demande si ces montages incongrus de musique pop ont été mandatés par des algorithmes, car ils donnent l'impression concessions à l'hypothèse que les abonnés cliqueront loin s'ils sont confrontés à trop de lutte pour deux heures et demi. Il n'y a guère de moment dans le film qui n'a pas été conçu pour tirer sur la corde sensible, ce qui est dommage parce que les stars du film, les vraies soeurs Nathalie et Manal Issa, ne semblent pas avoir besoin de l'orchestre nerveux sauvegarde. Ils pourraient porter l'émotion sans elle.
Tant sur le plan narratif que stylistique, Les nageurs tendances constamment vers des clichés collants, comme les éclairs de tutelle en voix off du père / entraîneur des filles ("Trouvez votre voie. Swim your race. ») alors qu'ils sont obligés de mettre leurs talents dans l'eau au service de la vie ou de la mort lors d'une traversée agitée de la Méditerranée. Pendant ce temps, les 45 dernières minutes environ sont un drame sportif générique en miniature, tous les montages d'entraînement en route vers un grand match culminant. Les histoires sur l'expérience des migrants, et plus particulièrement sur le déplacement de millions de réfugiés pendant la guerre en cours en Syrie, valent absolument la peine d'être racontées. Mais il n'y a rien dans ce récit qui ne semblerait pas à sa place dans un segment d'intérêt humain de NBC Sports pendant les Jeux olympiques.
Voici cependant ce qui est cool avec le format TIFF: quelque chose de mieux attend presque toujours dans le couloir. Pour un portrait moins sentimental et plus compliqué des personnes traversant les frontières vers l'Europe à la recherche d'une vie meilleure, regardez plutôt R.M.N., le dernier-né du cinéaste roumain incisif et fiable Cristian Mungiu (4 mois, 3 semaines et 2 jours). Le film se déroule principalement dans un village de Transylvanie qui pourrait, à première vue, ressembler à une publicité pour le rêve d'une Europe harmonieusement multiculturelle. Après tout, il est composé d'un échantillon représentatif de résidents hongrois, roumains et allemands, chacun avec ses propres coutumes et religions, coexistant pacifiquement. Mais des tensions existent entre ces sous-cultures, et il y a des limites à la diversité que tout le monde acceptera, ce qui devient clair lorsque le la plus grande entreprise de la ville, une boulangerie d'entreprise, embauche plusieurs immigrants sri-lankais - un développement qui expose le cœur raciste caillé du communauté.
C'est clairement le film de Mungiu sur la xénophobie et le nationalisme blanc qui se sont propagés à travers l'Europe (et au-delà) ces dernières années. Il ne faut pas confondre l'austérité observationnelle de son cinéma avec un œil neutre; c'est un film enragé, avec beaucoup de mépris pour la façon dont la religion et les grandes entreprises échouent souvent les plus vulnérables. La séquence de la pièce maîtresse est un tour de force dans le centre culturel local, où Mungiu tient et tient une réunion de plus en plus controversée alors que les habitants de la ville baissent complètement leurs masques et expriment leurs griefs intolérants, criant les voix de la raison dans la salle, comme Csilla (Judith State), responsable compatissante du boulangerie.
R.M.N. (2022) - Bande-annonce (sous-titres anglais)
Ce qui est délicat et captivant R.M.N. est la façon dont Mungiu contraste et complique cette intrigue en ne lui donnant pas moins de place qu'un récit parallèle: retour à la maison de Matthias (Marin Grigore), l'amant de Csilla et une brute imposante et méprisante qui semble au bord de la violence à chaque fois. Thématiquement, il pourrait remplir quelques fonctions – il est souligné qu'il est assis au centre du cadre pendant cette remarquable one-shot, et effectivement au centre de l'histoire, tout en restant assez fondamentalement désintéressé du drame qui engloutit ce communauté. Quelle que soit la façon dont vous lisez son importance (ou la fin purement allégorique), Mungiu renforce la tension de tout le film avec ses zigzags lourds autour de la ville, faisant tic tac comme une bombe à retardement humaine. C’est une alternative bénie à la simple noblesse biopic de Les nageurs: Matériau important donné une forme inquiétante insoluble.
Notre couverture du Festival international du film de Toronto se poursuit toute la semaine. Pour plus d'A.A. l'écriture de Dowd, s'il vous plaît visitez son Page d'auteur.
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