El líder de Moody Blues, Justin Hayward, habla sobre audio HD y grabación en solitario

Justin Hayward no es alguien que se detenga en los días del futuro pasado, pero seguro que sabe cómo contribuir a un legado histórico. Desde 1966, Hayward ha liderado The Moody Blues, una banda sinónimo de arreglos embriagadores y progresivos, arrolladores armonías y un estándar exigente para la calidad del sonido en sus mezclas, especialmente cuando se trata de grabaciones en vivo y sonido envolvente.

El año pasado, se lanzó una enorme caja de 17 discos, Vuelo sin tiempo, documentó la legendaria carrera de seis décadas de la banda. Incluía seis mezclas estelares 5.1 realizadas por Paschal Byrne y Mark Powell que se crearon a principios de los años 70. mezclas cuádruples supervisadas por el productor original de Moodies, Tony Clarke, y construidas por el ingeniero Derek Varales. Hayward, quien supervisó las mezclas generales para Vuelo sin tiempo con su socio de producción Alberto Parodi, estaba bastante satisfecho con los resultados: “No tenía el coraje de volver a cualquiera de los maestros y tratar de recrear esos hermosos y reales ecos yo mismo”, dijo. notas.

Pero de vez en cuando, Hayward siente el deseo de salir de The Moodies y hacerlo solo, una desafío que disfruta bastante: “No hay nada como la belleza de un hombre y su guitarra en el escenario”. él dice. “Y tienes que decirlo en serio también. Si no sale del corazón, no funciona”. Sin percusión ni guitarras eléctricas al fondo Después de levantarlo, Hayward y un trío se embarcaron en una gira en solitario el año pasado para apoyar su excelente solo de 2013. liberar, Espíritus del cielo occidental. Esa gira está magníficamente documentada en HD en Spirits…Live – En vivo en el Buckhead Theatre, Atlanta, lanzado hoy en Blu-ray y otros formatos. La nítida mezcla envolvente de Parodi captura la hermosa combinación de guitarra acústica entre Hayward y el segundo guitarrista Mike Dawes, mejor ejemplificada por Los golpes de percusión de Dawes en su diapasón se contrarrestan con los furiosos acordes del propio Hayward durante los siempre duros Moodies. clásico, Pregunta.

Hayward, de 67 años, se sentó recientemente con Digital Trends para discutir los requisitos para la combinación de Espíritus… en vivo, sus momentos favoritos de 5.1 y por qué necesitaba actualizar algunas transferencias de CD de principios de los 80. Si hay algo que Hayward ha dominado a lo largo de los años es cómo responder preguntas de equilibrio.

Tendencias digitales: dado que tu gira en solitario está orientada a lo acústico, debes haber tenido objetivos diferentes en términos de cómo la mezclaste.

Justin Hayward: ¡No hice nada! (risas) Bueno, mi ingeniero de sonido de sala, Steve Chant, pone su mezcla en ProTools todas las noches. Para este espectáculo en particular, tuvimos a otro chico al costado del escenario que puso su mezcla en una versión posterior de ProTools. Steve escuchó lo que el otro chico había recopilado y luego se lo envió a Alberto Parodi en Génova [en Italia] junto con su propia mezcla preliminar de la noche. Y eso fue todo, de verdad; nada demasiado complicado.

Al día siguiente, Alberto dijo: “Simplemente subí los faders. ¡Suena grandioso! Y también le puse algunos pequeños ecos agradables. No sé qué más quieres hacer. ¿Quieres cambiar algo? Y dije: “Bueno, no lo creo. ¿Está todo en sintonía? Él dijo: “Sí, déjalo. Si lo sintonizamos, sonará como si intentó arreglar algo”. Así que simplemente lo dejamos. Para el CD, probablemente debería haber hecho algunos ajustes, pero para el DVD/Blu-ray, simplemente lo dejé. Alberto le dio un poco de “aura” al sonido e hizo algunas otras cosas sonoras, pero eso es todo.

Hay una diferencia notable entre tu presencia en una mezcla en vivo de Moody Blues y tu mezcla en vivo en solitario. Estás un poco más desnudo en este ambiente acústico: tu voz es mucho más directa, con solo guitarras y teclados acústicos y sin percusión. Aquí estás optando deliberadamente por diferentes arreglos.

Totalmente. Puedo sentir cada matiz en él. Las guitarras son diferentes porque traje las guitarras de mi casa a esta gira; es decir, estoy usando las mismas guitarras con las que escribí y en las que hice mis demos originales. Esa era la sensación que quería tener: cómo se siente en mi propia sala de música, tal como era cuando terminé la canción y estaba a punto de hacer la demostración. Conocía todas las partes, incluso en las canciones de Moodies, que quería explicarle a la banda tal como estaban hechas. Así que básicamente se trataba de trasladar mi sensación de sala de estar al escenario. En casa, simplemente hago una doble pista y luego voy a un pequeño estudio en Niza, cerca de donde vivo en el sur de Francia, y pongo mi voz. Tienen unos viejos y encantadores 87 [Neumann] allí, los micrófonos adecuados.

Es al revés de la forma en que haríamos un disco de Moodies, donde trabajaríamos durante varios días en la pista de acompañamiento y luego trabajaríamos en los teclados y las guitarras eléctricas. Aquí, primero dejo mis cosas con mi voz, tratando de capturar los momentos en los que realmente pensé que había terminado la canción, y luego puse los otros elementos a su alrededor.

Otra gran diferencia es que no tienes un baterista contigo en el escenario.

Sí, no hay tambores. Dios no lo quiera, me encantan los bateristas y algunos de mis mejores amigos son bateristas. (Risas) Pero la batería, la guitarra acústica, la batería y los micrófonos vocales no se mezclan. He mezclado unos cinco DVD en vivo de Moody Blues para Universal durante los últimos 25 años y descubrí que te quedas con el sonido de batería que suena en los micrófonos vocales. Esa es la gran diferencia. Y con The Moodies, puedes tener más de 76 pistas, y eso necesita una mucho clasificar, reparar y arreglar. No tengo muchas pistas en mis grabaciones en vivo en solitario con las que trabajar. Entonces fue una experiencia muy diferente.

¿Hay alguna canción de Moody Blues en particular en este set en vivo que, para ti, muestra una diferencia dramática entre la versión de Moody y la de Justin Hayward?

Hay un pequeño popurrí que hacemos al comienzo del programa. Depende de ti/Encantado de verte – Eso suena exactamente igual a cuando grabé por primera vez las demos de esas canciones en los estudios Decca [en West Hampstead, Londres] en los primeros días, en el 68 o 69, cuando fuera eso. [Encantado de verte fue grabado el 14 de enero de 1969, para En busca del acorde perdido, y Tu decides fue grabado a principios de 1970 para Una cuestión de equilibrio.]

Noté que extiendes las sílabas en ciertas palabras, como “da-ay” en Martes en la tarde y "aquí" en Por siempre otoño. ¿Es esa una elección consciente?

Sí. Creo que eso sucede cuando tienes una sinergia con la guitarra acústica y la forma en que resuena en tu cuerpo. Parece correcto cantar esas palabras de esa manera. lo habia olvidado Por siempre otoño Es una canción tan poderosa. [Por siempre otoño es una canción que Hayward interpretó en el álbum de 1978. La versión musical de Jeff Wayne de La guerra de los mundos, que llegó al Top 5 en el Reino Unido] Rara vez puedo hacerlo. De hecho, sólo lo hice en una gira de Moodies, e incluso entonces necesité un permiso por escrito. (Ambos se ríen) Es una gran canción y realmente resuena en la gente. Estoy muy agradecido de poder hacerlo.

Por favor sigue haciéndolo. Es un buen momento de transición antes de pasar al final del set principal y al bis.

Oh sí. Es un ganador. Es como Noches en blanco satinado. Encuentro que hay un par de canciones que puedes ir a cualquier parte del mundo y tocar con una guitarra acústica, y la gente dice: “Oh, ya lo sé; genial." Por siempre otoño y Noches están ahí arriba así.

Noche en raso blanco es una de esas canciones que se beneficia de ser escuchada en alta resolución, ya sea mediante una descarga 96/24 desde HDtracks o su increíble mezcla de sonido envolvente. La amplitud de esa grabación es aún más evidente en la alta resolución.

Esa mezcla la hice yo mismo. Pero no puedo atribuirme todo el mérito, porque todo lo que tenía era la versión cuádruple realizada por Tony Clarke, el productor original, y Derek Varnals, el ingeniero. Lo habían hecho en 1971 en el estudio Threshold, por lo que tenían exactamente los mismos ecos. Decca nunca tiró nada, por lo que pudieron traer una sección completa de la mesa de mezclas original, alrededor de 12 atenuadores, para obtener exactamente el mismo ecualizador y mezclar en él. Así que no hice nada en esas mezclas de sonido envolvente excepto agregar algunas cosas de ambiente en el canal 5.

¿Estaría de acuerdo en que 96/24 o incluso 192/24 es la mejor manera de escuchar su producción grabada?

Me gustaría. Me sorprendió la calidad de todas esas primeras mezclas. Días del futuro pasados, particularmente. Estaba sentado en el estudio con Alberto trabajando en el 5.1 para la caja, pensando: “¿Cómo diablos hicimos esto? ¿Cómo diablos se hizo? Pero no puedo atribuirme ningún mérito por ello, porque en aquellos días no te invitaban a la sala de control. Realmente fueron Tony y Derek quienes lo hicieron, y estoy muy contento de que hayan hecho la versión cuádruple con una calidad tan hermosa, porque me ahorró mucho tiempo y dolor. Era una responsabilidad que no creo que me hubiera gustado asumir.

Resulta que me gustan algunas de las mezclas más, digamos, "anticuadas" de antaño que se actualizaron en Vuelo sin tiempo.

Había un par de cosas que sabía que habían entrado precipitadamente en el dominio digital a principios de los 80 y que les mencioné antes, y bastante mal. Realmente lo noté en [1968] En busca del acorde perdido, con el platillo ride de Graeme [Edge]. Al principio, simplemente asumí que no había sido grabado muy bien, hasta que volví al master original y lo escuché de nuevo. Y pensé: "No, es hermoso". Y luego me di cuenta de que habíamos pasado casi 30 años con una versión digital que simplemente no era muy buena.

Sé que soy culpable, como todos los que trabajan en el estudio, de complacer las tendencias sonoras actuales y cómo suenan las cosas, y qué cosas suenan bien. Alberto y yo hemos recibido algunos "¿Cómo te atreves a hacer esto? ¡Haces que parezca que es de 2011!" tipo de comentarios. “¡Deberías haberlo dejado como estaba!” Es una gran tentación elevarlo un poco y alinearlo con la forma en que son los oídos de la gente ahora. El tiempo en una grabación es mucho más importante ahora. No se puede tocar la batería o mantener el tiempo de forma descuidada como en los años 60. La gente ya no aceptará eso. Así que somos culpables de seguir algunas tendencias sonoras que pueden hacer que suene un poco diferente. Pero dentro de unos años, las cosas pueden parecer un poco más cálidas o más difíciles.

¿Puedes darme dos ejemplos de lo que sentiste que se pudo haber pasado por alto sonoramente pero, escuchado hoy, la gente podría sacar algo diferente, bueno o malo? Dame uno de The Moodies y otro de tu catálogo solista.

Creo A los hijos de nuestros hijos [1969] es el único álbum de Moodies que no apareció en la radio. No saltó; era suave, estaba silencioso. Todo el mundo fue muy delicado con ello y lo manejó con guantes de seda. La forma en que se masterizó fue silenciosa y la forma en que se transfirió al disco fue delicada. Al final acabó perdiéndose un poco. Observando y esperando – cuando escuchamos esa canción en su belleza de estudio, pensamos: “¡Esto es! Todas esas personas que nos habían estado diciendo durante los últimos 3 o 4 años: "Probablemente hagas otro Noches en blanco satinado con eso” - ¡no! Teníamos escalofríos en la columna y ese tipo de cosas. Pero cuando salió y lo escuchaste en la radio, seguías diciendo: “¡Sube el volumen! Convertirlo arriba!! Oh no, no lo logrará”. Entonces no sucedió.

Y luego está uno de mis álbumes en solitario, Moviendo montañas [1985], que yo era totalmente pero cuando lo escucho ahora pienso: “Tal vez fueron demasiadas grabaciones. Quizás se hizo demasiado en mi salón. Quizás lo acurruqué demasiado después”. Signo de los tiempos, sí, de verdad.

¿Tienes una mezcla favorita que Alberto haya hecho para ti, una que considerarías su mejor mezcla?

Tengo que decir "Un día, algún día", en Espíritus del cielo occidental. Esa fue realmente la cima de su juego. Él y Anne Dudley hicieron eso juntos. Ella hizo la orquestación y él se encargó de la mezcla. Me dejó tocarlo todo y luego se deshizo de las cosas que no le gustaban y se quedó con las que sí le gustaban. Llegué a la mañana siguiente, después de haber ido la noche anterior al hotel de Génova y haberlo dejado todavía trabajando en el estudio. Estaba tomando una taza de té y dijo: "Ven y escucha esto", y fue como, "Guau". De arriba a abajo, el sonido es perfecto y encantador.

Mi letra favorita de esa canción es: "Tratando de poner 'Te amo' en cada canción".

Sí, es cierto, ¡todavía estoy tratando de incluir "Te amo" en cada canción! (risas)