Colby Brown's El pasaporte parece la lista definitiva de deseos del fotógrafo: la aurora boreal en Islandia, el interior de Australia, los jaguares en Brasil y los gorilas en Uganda. Pero en el primer viaje que le dio al fotógrafo de viajes el deseo de capturar el mundo, Brown era un joven de 17 años que se quejaba cada vez que podía.
Brown, que ahora tiene 12 años de experiencia en fotografía, ha abordado todo tipo de proyectos, desde dirigir dos años de estudios expediciones para National Geographic para fotografiar campañas publicitarias con marcas importantes como Google, Samsung y Microsoft. Un artesano de Sony, Brown viaja entre cinco y siete meses al año. Después de comenzar como un nómada soltero recién salido de la universidad, sus viajes ahora incluyen a veces a su esposa y su hijo de siete años.
El trabajo de Brown está menos centrado en un nicho que el de la mayoría de los fotógrafos. Mientras navegando por su Instagram revela ubicaciones en múltiples continentes, su trabajo abarca paisajes, vida silvestre y personas. Hoy en día, su trabajo profesional abarca marketing, viajes y educación fotográfica.
Después de dirigir talleres de fotografía de múltiples destinos, fundó La lente del don, una organización que colabora con organizaciones sin fines de lucro de todo el mundo que necesitan imágenes. A través de The Giving Lens Trips, los fotógrafos aprenden en lugares fuera de lo común, mientras que las organizaciones no gubernamentales obtienen fotografías para ayudar a promover su causa.
Durante un taller organizado por Adobe en las Islas Vírgenes, Brown se sentó recientemente con Digital Trends para compartir información sobre su viaje fotográfico, sus aventuras por todo el mundo y su inusual visión del estilo y edición. La siguiente entrevista ha sido editada para mayor claridad y extensión.
DT: ¿Cómo empezaste?
Marrón: Me metí en la fotografía únicamente por amor a los viajes. Literalmente me picó el virus de los viajes y me di cuenta de que viajar y la idea de estar fuera de mi zona de confort era algo así que era realmente emocionante para mí. Hice un viaje tipo Hábitat para la Humanidad (en realidad no fue con ellos, sino un viaje así) cuando tenía 17 años. Fue un gran desafío y estábamos construyendo escuelas y colocando concreto. Creo que me sentí bastante miserable durante el viaje; me quejé mucho. Pero en retrospectiva, incluso unas semanas después, me di cuenta de cuánto me cambió.
Compré billetes de ida y trabajé en proyectos y un proyecto llevaba al siguiente.
Cuando fui a la universidad, me tomé un semestre libre aquí y allá para viajar y cuando me gradué, sabía que quería volver a viajar. Me metí en la fotografía simplemente porque pensé que iba a ser un vehículo que me permitiría empezar a viajar de nuevo.
Yo era soltero y nómada en ese momento, así que no tenía ninguna conexión. No tenía anclas, nada que me retuviera en casa, así que comencé a viajar a todas partes. Compré billetes de ida y trabajé en proyectos y un proyecto llevaba al siguiente. Comencé en el sudeste asiático y viví allí durante varios años escribiendo para Sierra Club y algunos otros lugares y simplemente construí mi portafolio. Fue dos años después de que eso comenzara cuando Nat Geo me contrató para ayudar con sus programas de expedición.
DT: ¿Cómo ha cambiado tu proceso a medida que vas adquiriendo más experiencia?
Creo que cuanto más he fotografiado, más he podido descubrir qué me gusta fotografiar, cómo fotografío y cómo me gusta procesar. [He desarrollado la capacidad] de conceptualizar e imaginar una escena como quiero filmarla cuando estoy fuera. allí en el campo y tengo una idea de cómo podría querer procesarlo para que sea una pieza completa. Estoy encontrando historias interesantes en términos de lo que estoy capturando.
A menudo intento evocar emociones con mis imágenes. Siento que así es como hay que captar la atención de la gente estos días. Encuentro que cuanto más tiempo fotografío, mejor puedo afinar los diferentes elementos que me gusta buscar en una escena, los diferentes estilos de cómo me gusta Disparar como las velocidades de obturación para el agua y diferentes temas que encuentro más interesantes, más emocionantes o que capturan la mejor imagen posible con el objetivo dado. escena.
La tecnología también ha ayudado bastante en ese proceso, tanto en el postprocesamiento como en el trabajo de campo. Cosas como la mejora de los sensores: esos elementos ciertamente han ayudado a que mi proceso sea más fácil, más efectivo y más eficiente en el campo. Antes, tanto en términos de experiencia como de tecnología, es posible que no hubiera tenido la capacidad de crear tanto contenido como podría a partir de un proyecto o un viaje determinado. Después de 12 años, he afinado bastante bien el proceso. Ciertamente siempre estoy buscando formas de mejorar, pero aprendes en el camino y descubres lo que quieres y cómo quieres disparar.
DT: ¿Qué consejo le darías a los nuevos fotógrafos que recién comienzan?
Si estás empezando te daría dos consejos. La primera que daría es no tener miedo de fracasar. Creo que muchas personas no lo intentan y no se unen al redil, no prueban cosas nuevas porque les preocupa no ser buenos en eso o no poder tener éxito. En cualquier industria, generalmente, las personas que tienen más éxito, ya sea emocional o emocionalmente. financieramente, generalmente su éxito se basa en una serie de ideas fallidas y han aprendido de ellas. errores. Pero estaban dispuestos a intentar esforzarse.
Aprende de las malas imágenes que tomas.
El siguiente consejo que te daría sería que intentaras aprender de las malas imágenes que tomas. Es un concepto difícil de entender para algunas personas porque siempre queremos mostrar el lado bello de las cosas. Si miras nuestros Instagram, son miradas seleccionadas de nuestras vidas, pero en realidad, cuando comencé, aprendí muchísimo más de Las 99 imágenes que tomé fueron una mierda que la imagen que resultó genial porque tuve suerte, porque, en ese momento, no sabía lo que era. haciendo.
Volvería y estudiaría los que no me gustaban y trataría de descubrir por qué. ¿Fue algo obvio como estar desenfocado o tener una mala composición? ¿Fue la colocación del sujeto? ¿Fue la tonalidad del color? ¿Hice la exposición bien o mal? Dentro de ese espectro, ¿a quién no le gusta? Al hacerlo y profundizar realmente en los errores que pensé que estaba cometiendo, me ayudó a afinar mi visión o el hilo conductor de lo que me gusta fotografiar, cómo me gusta fotografiar y cómo me gusta fotografiar proceso. Pude aprender de esos errores en lugar de centrarme únicamente en los ganadores o los trofeos con los que tuve suerte porque todavía lo estaba descubriendo en ese momento. No deseche imágenes ni elimine imágenes que no crea que son buenas. En su lugar, trate de pensar en formas de maximizar su potencial. Aprenda de sus errores y trate de no cometerlos la próxima vez.
DT: La mayoría de los fotógrafos tienen un estilo específico que los caracteriza. Pero lo abordas de manera diferente, imagen por imagen.
Absolutamente. Al mismo tiempo, si te gustan la mayoría de los fotógrafos, la mayoría de las personas que hacen esto profesionalmente, se especializan. Así que fulano de tal será un fotógrafo de paisajes que se fija en las montañas y alguien más que simplemente hace retratos de estudio y tal vez dentro de eso solo estén fotografiando mujeres. Personalmente, encuentro que la coherencia dentro del espectro creativo parece un poco limitante. Siempre quise fotografiar una amplia variedad de cosas y, dentro de ese espacio, quiero que cada una de ellas diferentes sujetos se mantengan solos, se aparten y cuenten su propia pieza para que esas imágenes se sientan único.
Creo que si miras retrospectivamente el alcance de mi portafolio, siento que podría haber algún tipo de hilo común que de alguna manera esté conectado a través de ellos, pero no es tan obvio a primera vista. Ciertos fotógrafos, cada una de sus imágenes tiene la misma estilización. Para mí, eso es como si el fotógrafo imprimiera su estilo en el mundo natural o en cualquier cosa que estuviera experimentando.
Intento abstenerme un poco de eso, al menos equilibrar el sentimiento o la idea de la realidad y lo que recuerdo haber sentido cuando estaba allí... No quiero crear imágenes falsas, pero sí quiero dejar que la gente al menos tiene una oportunidad, una oportunidad, un vistazo de lo que se siente al mirar a un gorila de espalda plateada o ver una cascada en Islandia o presenciar una hermosa puesta de sol en la Virgen de los EE. UU. Islas. Si puedo resumir eso, entonces prefiero renunciar a la idea de que necesito imprimir mi único estilo sólo porque podría ser gratificante desde un punto de vista empresarial o desde el punto de vista de los algoritmos de las redes sociales.
DT: ¿Puedes contarnos sobre tu proceso de posedición?
Es algo diferente para cada imagen. Me gusta mirar cada imagen y pensar, está bien, ¿cuál es esa historia que estaba tratando de contar? ¿Qué es lo que me cautivó al principio? ¿Por qué tomé esta fotografía? Siento que eso dicta cómo proceso y qué me gusta usar.
Probablemente hay algunas cosas que son similares o que busco cuando empiezo a procesar mis imágenes, como jugar con las sombras y ajustar un poco el rango dinámico. Pero en su mayor parte, estoy tratando de mantener una estrecha vigilancia sobre el pulso o la noción de lo que estaba tratando de capturar en el campo y lo que sentí allí cuando lo estaba capturando, y cuál es la mejor manera de encapsular eso[Yo] uso el posprocesamiento y esas herramientas para ayudar a acentuar esos sentimientos iniciales, el propósito inicial para hablar.
Si miras mi portafolio, si lees mi Instagram, probablemente habrá algunos puntos en común en términos de los esquemas de colores y las cosas que me gusta fotografiar, pero el procesamiento de cada uno de ellos es diferente. Algunas serán bastante oscuras, otras serán más claras y brillantes. La singularidad de esas escenas que sentí requería esas piezas que sentí que creaban los elementos más atractivos para esa fotografía.
DT: Usas Adobe Lightroom para editar. ¿Cuáles son las herramientas de referencia, especialmente para los nuevos usuarios?
Hay un par de ellos. Creo que el panel HSL en general, el panel de tono, saturación y luminancia, es probablemente uno que la mayoría de la gente no comprende del todo y por eso no lo utiliza.
Si piensas en la mayoría de los fotógrafos que están emergiendo o recién comenzando, las dos cosas que más comúnmente se exageran son la nitidez y la saturación. Generalmente, con la saturación, toman el control deslizante de saturación o intensidad y lo mueven hacia la derecha hasta que creen que resalta o se ve hermoso. El problema con esto es que generalmente estás aumentando la saturación en todo el pliegue o al menos en la mayoría de los tonos de la imagen, y no necesariamente quieres eso.
Personalmente uso el control deslizante HSL porque puedo decir, oye, los verdes deberían resaltar un poco más porque son una parte importante de la escena, de esta persona o de este paisaje. O tal vez la tristeza, tal vez quiera atenuarla un poco. Personalmente creo que la tonalidad del color, así como la exposición general, el brillo de la imagen o ciertos elementos de la imagen, pueden dictar la atmósfera o cómo se representa la imagen. Si piensas en un retrato, súper oscuro y lleno de contraste es una sensación muy diferente que si no tienes contraste. Si estás fotografiando una cascada y crees que es demasiado oscura o demasiado brillante, eso desprende sensaciones diferentes.
La tonalidad de color de los tonos azules te hará sentir frío, los tonos más anaranjados te harán sentir más cálido, por lo que el control deslizante HSL me da un control más limitado. Puedo decir que en estos tonos de color quiero ajustar el tono o la tonalidad, quiero aumentar la saturación, que es más golpe, o quiero aumentar el brillo o la luminosidad de esos tonos específicos para enfatizarlos o restarlos dentro de ese tono dado. escena. Creo que una vez que comienzas a experimentar con esas cosas, se abre una puerta completamente nueva para mirar tus imágenes y llevar las cosas al siguiente nivel, para comenzar a Tome decisiones más subjetivas sobre su estilo de procesamiento y cómo puede acentuar el sujeto o el motivo por el cual tomó esa fotografía para empezar.
DT: ¿Cuáles son algunas de las cosas más locas que te han pasado mientras viajabas?
Nuestras redes sociales crean la apariencia seleccionada. No sabes las veces que he estado ahí donde contraje Giardia cuatro veces o contraje Malaria dos veces. Me resbalé de cascadas y apenas pasé por salientes que me habrían lastimado drásticamente. Cosas así solían pasar con más frecuencia que ahora que tengo un hijo.
Ahora bien, las experiencias más impactantes o locas que más me conmueven personalmente generalmente tienen que ver con la vida silvestre. Hay algo único en esa conexión que tengo con un animal, ya sea que esté en Namibia fotografiando guepardos, en Uganda fotografiando gorilas de espalda plateada o en Brasil fotografiando jaguares. Tener esos momentos en los que el animal se acerca demasiado para sentirse cómodo o hay ese tipo de momento íntimo en el que puedo capturar algo, te da un poco de control. Tal vez debería haberlo hecho un poco más inteligente o tal vez no debería estar tan cerca. Me da una sensación de perspectiva, lugar y mi papel en este mundo gigante en el que vivimos. Estas suelen ser las más transformadoras y, para mí, personalmente son algunas de mis mejores imágenes que miro hacia atrás y recuerdo los desafíos de lo que fue necesario para llegar a esos lugares. El solo momento de estar en su presencia es bastante humillante.
DT: ¿Tienes algo más que quieras agregar?
Una de las cosas de las que me arrepiento desde los primeros días, cuando comencé, fue no aprovechar la conexión con la comunidad. No teníamos mucho de eso. Creo que hoy en día es un buen momento para ser fotógrafo, no solo por las herramientas y la tecnología disponibles, sino también por la comunidad. La fotografía solía ser una forma de arte aislada que generalmente hacías pero, en general, ninguno de tus otros amigos o colegas lo hacía. Ahora tienes estas comunidades masivas, reuniones de Instagram y paseos fotográficos. Aprovecha eso, aprende de tus compañeros. Trate de no ver a todos como competencia y disfrute realmente el hecho de que somos afortunados de poder hacer esto ahora. Compartir con otras personas a través de cosas como las redes sociales es simplemente increíble.
