2017 fue el mejor año para las secuelas de ciencia ficción

Las buenas secuelas son raras. Nunca es fácil recrear la bebida original que se transformó en una gran película. Para un año determinado, producir incluso dos grandes secuelas es excepcional, por eso 2017 fue annus mirabilis para estos seguimientos. 2017 produjo cinco secuelas del mismo género (acción de ciencia ficción) que fueron tan buenas o mejores que cualquier otra cosa en sus respectivas franquicias.

Su éxito inicial, así como su permanencia, se debe a varios factores comunes, entre ellos el cine visionario, los especiales inspirados efectos y actuaciones comprometidas de actores famosos que no tenían miedo de parecer viejos o débiles mientras sus personajes luchaban con el deterioro. potestades. Pero, más que nada, su triunfo colectivo se reduce a un enfoque compartido. Todas fueron desviaciones audaces (narrativas, temáticas, estilísticas y estéticas) de las entradas típicas de las franquicias que las engendraron.

Logan (3 de marzo)

No es de extrañar que los cuidadores de la franquicia Indiana Jones se alistaran James Mangold para dirigir a Harrison Ford, de 79 años, en la próxima quinta entrada de la serie. No cualquiera va a sustituir a Steven Spielberg. Incluso si el célebre director de E.T. y La lista de Schindler tropezó con Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, sigue siendo uno de los grandes de todos los tiempos. La contratación de Mangold es un testimonio del fantástico trabajo que hizo con Logan— la última película de la trilogía de Wolverine, en sí misma un spin-off de la serie X-Men, que dirige dos leyendas envejecidas. interpretando a dos leyendas envejecidas: Hugh Jackman como Logan/Wolverine y Patrick Stewart como Charles Xavier/Profesor X.

Mangold había dirigido la película anterior de Wolverine, ambientada en Japón, que obtuvo críticas decentes y presenta algunas secuencias geniales, incluida una homenaje a Akira Kurosawa Trono de sangre, con Wolverine lleno de flechas. Pero la película todavía está en el ámbito del cómic, un ámbito del que logan decididamente se aleja escenificando y filmando sus eventos con un realismo descarnado (incluidas representaciones realistas de lo que les sucede a los cuerpos humanos cuando alguien los destroza con garras de adamantium).

En 2029, los mutantes están casi extintos y Logan, Xavier y Caliban (Stephen Merchant) están atravesando el final de sus días. Cuando una joven mutante en apuros (Dafne Keen) llega a su puerta, redescubren un propósito compartido. Mangold (que anteriormente había dirigido una nueva versión de 3:10 a Yuma) empinadas logan en Occidente evocando shane, la clásica meditación de George Stevens de 1953 sobre la brutalidad de la violencia que también narra la supervivencia de una familia improvisada.

Los tonos atrevidos y la iluminación de alto contraste de la película se veían tan bien que Mangold también la estrenó. una impresionante versión en blanco y negro de la película, que, en todo caso, evoca los temas crudos de la película de manera aún más dramática. logan es de lejos la mejor película de X-Men, lo cual no dice mucho, pero también es la rara secuela que puede valerse por sí sola.

Guerra por el planeta de los simios (14 de julio)

La principal razón del éxito del más reciente Planeta de los simios La serie, además de una realización cinematográfica espectacular, es que cada película encuentra un tono y un enfoque diferente a la que la precedió. El origen del planeta de los simios (2011) es una historia de origen clásica que presenta una conmovedora historia de amor familiar entre un hombre y un simio que contradice el horror de la sociedad que se deteriora a su alrededor.

La secuela, El amanecer del planeta de los simios (2014), está ambientado en un apocalipsis posviral en el que los caóticos restos de la civilización humana se yuxtaponen a los exuberantes bosques del norte de California, donde los simios solo quieren vivir en paz. Al presentar la civilización de los simios, Amanecer También permite que esta serie se reivindique como una de las hazañas de efectos visuales más impresionantes jamás comprometidas con el cine. También presenta a Andy Serkis, quien interpreta al líder simio, César, como uno de los mejores actores vivos de la pantalla.

Todo (los efectos visuales, la construcción del mundo, las actuaciones, especialmente la de Serkis) vuelve a superarse en la tercera película, que se inclina aún más hacia la belleza casi pictórica, así como la política progresista en forma de una crítica mordaz de la xenofobia belicista y constructora de muros de Estados Unidos (todo lo cual puede explicar por qué esta entrada obtuvo menos taquilla nacional que su antecesores.).

La película también continúa la tendencia de la serie de inclinarse hacia diferentes géneros para darle un nuevo giro a la narración. Guerra es una película de viajes, una película de fuga de prisión y una riff en Apocalipsis ahora, con Woody Harrelson haciéndose eco del coronel Kurtz homicida de Marlon Brando en esa película. Finalmente, la película es una alegoría bíblica, con César como Moisés guiando a su pueblo a la tierra prometida, un viaje de una trilogía que concluye con un hermoso cuadro en colores pastel que anuncia la esperanza.

Blade Runner 2049 (6 de octubre)

Si alguien no estaba convencido de ello hace cinco años, está bastante claro que esta película es casi una obra maestra por sus extraordinarios visuales y su Temas conmovedores sobre el sacrificio y la naturaleza de la identidad humana.. Ridley Scott original Cazarecompensas (1982) se había vuelto tan distintivo, influyente y famoso en las décadas transcurridas desde que se declaró por primera vez un fracaso, que se necesitó mucho coraje para considere seguirlo, especialmente porque la estrella de la película, Harrison Ford, se ha quejado repetidamente de lo miserable que lo pasó. haciendolo. El director Denis Villeneuve confesó a pisar “territorio sagrado” siquiera acercarme a una secuela, y seguramente podría haber sido una gran locura. En cambio, él y sus colaboradores (en particular el director de fotografía Roger Deakins, que ganó un Oscar muy esperado por la película) contribuyeron con un trabajo importante al cine.

De acuerdo con nuestro tema, Blade Runner 2049 hizo dos desviaciones clave del original que aseguraron su éxito artístico. Amplió los entornos, alejándose de las oscuras profundidades urbanas del lluvioso centro de Los Ángeles para revelar mucho más del mundo de la historia, incluido un hecho en Las Vegas. inhabitable por la detonación de una bomba sucia, un gigantesco malecón que frena el aumento del océano y la ciudad antes conocida como San Diego que ahora sirve como un enorme vertedero de basura. vertedero.

La segunda salida fue para echar ryan gosling en la película como un Blade Runner de próxima generación, el Agente K, cazando Replicantes de modelos más antiguos (como el interpretado por Dave Bautista) y para que la narrativa rastree su arco hasta convertirse en humano. Mientras tanto, Ford como OG Rick Deckard aparece tan tarde en la imagen que casi olvidamos que está en ella. Sin embargo, cuando aparece, la película vincula elegantemente la historia de Deckard con la de K y ofrece un final profundo y conmovedor en el que Villeneuve rinde homenaje a Las escenas finales de Kurosawa. Ikiru, también sobre un hombre que descubre su humanidad antes de morir en la nieve. (Al igual que con El Tejon, mencionado anteriormente, evocar a Kurosawa debe ser el movimiento predeterminado para señalar una ambición artística seria).

Como el original Cazarecompensas, BR 2049 fue un “fracaso” financiero, pero también, al igual que su predecesor, está destinado a ocupar un lugar destacado dentro del canon de la ciencia ficción seria, llegando a las generaciones venideras.

Thor: Ragnarok (3 de noviembre)

Si nadie ha dicho todavía: “Si quieres una versión nueva de algo, dáselo a un kiwi”, ¡entonces lo digo aquí! Qué casualidad para Marvel Studios que el escritor y director neozelandés, y maravilloso hombre de ciudad Taika Waititi estaba en ascenso justo cuando necesitaban una voz fresca para darle vida a una serie turgente que casi había encallado con el letargo. Thor: El Mundo Oscuro.

Waititi echó un vistazo al material, decidió que debería ser mucho más divertido y todos sus instintos demostraron ser exactamente lo que se necesitaba. ragnarök es hilarante, visualmente impresionante, sexy, cursi, conmovedor, lleno de acción y de ritmo rápido. Abarca de manera significativa las relaciones heredadas: entre Thor (Chris Hemsworth) y Loki (Tom Hiddleston); los dos hijos y su padre, Odin (Anthony Hopkins); y Thor y Hulk (Mark Ruffalo), al mismo tiempo que presenta nuevos personajes fantásticos.

Cate Blanchett es divertidísima en modo vampiro vestida de cuero como el Gran Malo, mientras que Tessa Thompson como la borracha y apática Valquiria se convirtió inmediatamente en uno de los personajes más atractivos del MCU. Agregue a Jeff Goldblum haciendo el truco de Goldblum con sombra de ojos oscura y acaba de tachar nueve de las 12 cosas que toda película debería tener. Casi siempre contienen, hasta el punto de que cada vez que veo esta película, me hago la misma pregunta: ¿Por qué no hay más éxitos de taquilla? como Thor: ¿Ragnarok? No sorprende que Marvel haya traído de regreso a Watiti para la cuarta entrada.Thor: amor y trueno.

Star Wars: Los últimos Jedi (15 de diciembre)

Hay pocas cosas nuevas que decir sobre esta película que no hayan sido expuestas hasta el infinito durante los últimos cinco años en el tira y afloja de opiniones disidentes entre los fanáticos, que incluyen las opiniones de este escritor. Dado que las películas de Star Wars tienden a compararse exclusivamente entre sí, y no con el cine en general, la El debate sobre el valor tiende a centrarse menos en las nociones convencionales de bien y mal y más en qué episodios son mejores. expresar el Star Wars-ness de Guerra de las Galaxias. Sin duda, el revuelo por El último Jedi – y las secuelas en general – se ha centrado en esto.

Puede ser difícil determinar qué elementos transmiten mejor el carácter Star Wars de Star Wars. La magia que genera Star Wars, que hace que se nos acelere el corazón incluso al vislumbrarla en un televisor mientras paseamos por un Best Buy, está en la fusión, no en los ingredientes individuales. J.J. Abrams evoca el brebaje en momentos ocasionales, e incluso durante una secuencia prolongada o dos, en La fuerza despierta. Desafortunadamente, su naciente hechicería no fue rival para el verdadero poder oscuro en el universo de Disney Star Wars: los imperativos comerciales que requerían una trama tan calculada y derivada.

El último Jedi también es derivado. Es simplemente un derivado de una manera mucho más reflexiva, original y subversiva que La fuerza despierta. Star Wars ya es un género propio. Y la clave para la popularidad sostenida de cualquier género es la nueva evocación de tropos de género. Uno de los tropos que el director Rian Johnson actualiza vivamente son las influencias cinematográficas de Samurai que inspiraron Star Wars desde el principio. Y sí, ¡volvemos a Kurosawa una vez más! El maestro japonés fue una gran influencia para George Lucas, especialmente con su película, La fortaleza escondida.

El diseño samurái es evidente en todas partes. El último Jedi, en el duelo Snoke/Rey/Kylo Ren en la Sala del Trono, con sus máscaras y túnicas sueltas y fondos rojo sangre que recuerdan el drama japonés Noh que Kurosawa había evocado en Trono de Sangre. La estética samurái también predomina en las escenas Jedi/monjes entre Luke Skywalker (Mark Hamill) y Rey (Daisy Ridley), así como en el enfrentamiento culminante de Luke con Kylo Ren (Adam Driver). La isla de Ahch-to, aunque filmada frente a la costa occidental de Irlanda, fácilmente podría duplicarse para Japón. Su terreno rocoso barrido por la lluvia y sus estructuras en ruinas recuerdan la apertura de la obra de Kurosawa. Rashomón, mientras que los moños triples de Rey evocan a Toshiro Mifune de muchas de sus películas de Samurai.

Como ocurre con todas las películas de nuestro año tan cacareado de secuelas de ciencia ficción, tanto el éxito inicial como la continua aclamación de El último Jedi se deben a su audaz desviación del material original en aspectos clave. El enfoque compartido de estas películas las convirtió en grandes experiencias cinematográficas por derecho propio, así como en ejemplos superiores de sus respectivas franquicias.

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