Las mejores bandas sonoras de videojuegos de todos los tiempos

Las imágenes en los videojuegos han mejorado drásticamente en las últimas décadas, con personajes y entornos cada vez más cerca del realismo, y puede hacer que los gráficos sean más antiguos. nintendo o los juegos de PlayStation 1 se ven francamente podridos. Las bandas sonoras originales (OST) de los videojuegos no suelen habló sobre el aspecto de los juegos, pero puede vivir mucho después de que sus juegos se vuelven injugables.

Si bien las bandas sonoras de los juegos han evolucionado para usar orquestas y coros con frecuencia para agregar una atmósfera más dramática, similar a las películas de gran presupuesto, hay clásicos absolutos de los años 80 y 90 que son igual de entretenidos y pegadizos hoy a pesar de estar generados con bits limitados y audio sintetizado.

Sin embargo, poner juegos a la música no es un arte perdido de ninguna manera: hay muchas bandas sonoras más recientes que ya están listas para convertirse en futuros clásicos. Aquí están las mejores bandas sonoras de videojuegos de todos los tiempos o, al menos, nuestros favoritos personales.

Super Mario Bros. (1985)

Cuando escuche la frase "música de videojuegos", es muy probable que la melodía de apertura del original Super Mario Bros. simplemente comenzará a jugar en tu cabeza. Caprichosa, animada y con un tempo perfecto para que sigas avanzando, la música combina a la perfección con los efectos de sonido que se producen cuando Mario salta en el aire, rompe bloques y deforma las tuberías. Cuando te diriges a la clandestinidad, el volumen baja y la música cambia a un ritmo minimalista que indica el peligro que se avecina. Avanza en el tiempo con el "do do do do do do do" de la música, y es posible que logres salir con vida del otro lado.

Incluso cuando fallas, no puedes evitar esbozar una sonrisa, con esas pocas notas que marcan tu derrota. Cuando inevitablemente te quedas sin vidas y tienes que empezar de nuevo desde el principio, el juego te provoca aún más con una reinvención en clave plana de las notas iniciales de la canción principal. Antes de que tengas la oportunidad de vencerte a ti mismo también mucho, sin embargo, está de vuelta en World 1-1 y la melodía más memorable en la historia de los videojuegos.

Mega hombre 2 (1988)

Los juegos de Mega Man son notoriamente difíciles, pero sin levantar un controlador o incluso ver imágenes en línea, puedes darte cuenta de eso. Mega hombre 2 va a ser implacable solo por su banda sonora. La canción de cada etapa es un sprint vertiginoso que provoca ansiedad con el que te costará seguir el ritmo, e incluso las melodías más lentas del juego, que escucharás en El tema de Air Man, siguen siendo más rápidos que la mayoría de la música en NES.

No es hasta que finalmente derrotas al Dr. Wily y ves los créditos finales que finalmente tienes la oportunidad de respirar, ya que la música cambia a una melodía suave y melódica como recompensa por todos tus esfuerzos. Juegos posteriores de la serie, como mega hombre x, ciertamente fueron capaces de construir sobre la base de Mega hombre 2 y ofrecer algo un poco más complejo, pero hay algo encantador en la simplicidad de la banda sonora.

Súper Castlevania IV (1991)

El Súper Nintendo era capaz de producir un audio muy superior al que escuchamos en el Nintendo Entertainment System original, o incluso en el Sega Genesis, y Súper Castlevania IV podría ser el mejor ejemplo de lo que la consola podría hacer. Combinando los órganos a todo volumen asociados con el terror gótico con el ritmo rítmico de chiptune que los fanáticos de Castlevania esperaban, la banda sonora a menudo eclipsaba las imágenes del juego, que son aún hermosa más de 25 años después del lanzamiento inicial del juego.

Incluso si te encantó una canción en particular de la trilogía original de Castlevania NES, es muy probable que esté en Súper Castlevania IV, también. Las etapas posteriores usan versiones reinventadas de estas melodías, incluida la del primer juego. Asesino de vampiros, dándote una buena dosis de nostalgia mientras te adentras en Dracula's Lair. Nuestra canción favorita tiene que ser El tema de Simón, sin embargo, ya que su melodía contundente y su ritmo vertiginoso lo convierten en la música de fondo perfecta mientras recortas algunas criaturas macabras a medida.

Gatillo crono (1995)

La obra maestra de Square Enix, Gatillo crono, ha resistido la prueba del tiempo, y algunos lo consideran el mejor juego de rol jamás concebido debido a su complejo historia, mecánicas de batalla afinadas y el diseño de personajes característico de Akira Toriyama, y ​​el hermoso estilo de Yasunori Mitsuda. puntaje. La pantalla de título de apertura comienza con una melodía suave y ominosa que insinúa más música rimbombante más adelante, pero en el transcurso de la aventura de Crono, escuchamos una amplia variedad de música. Tema de la rana, por ejemplo, es tan estoico como el caballero, pero con un trasfondo trágico que insinúa las luchas que ha enfrentado desde su transformación.

Nuestra música favorita tiene que involucrar a Magus, posiblemente el mejor personaje del juego. Primero se cree que es un antagonista que no quiere nada más que poner al mundo en peligro, es eventualmente se revela como un personaje más matizado que forma una alianza incómoda con el resto de los grupo. Su tema refleja esto, siempre pareciendo que alcanzará un punto de ebullición sin llegar nunca a llegar allí.

Zorro estrella 64 (1997)

La creación colectiva del subestimado gran Hajime Wakai (Pikmin, Wind Waker, F-Zero X) y el legendario Koji Kondo, el Zorro estrella 64 OST es una partitura de ópera espacial grandilocuente y dramática que agrega drama a lo que podría haber sido un tonto juego de arcade protagonizado por animales parlantes. Teniendo en cuenta que cada juego solo dura una hora, la música pegadiza hace que volver a jugar el juego una y otra vez sea más agradable.

Cada pista captura perfectamente el estado de ánimo de la misión y el planeta. El clásico Área 6 La puntuación evoca la desesperación de cuatro pilotos en una misión suicida a través del bombardeo continuo de una flota. lobo estrella fue el escenario perfecto para las tensas peleas de perros contra tus caricaturescamente malvados rivales. Temas más lentos como el Deformación meteorológica y Aguas capturó la belleza mortal de una galaxia tan peligrosa como las fuerzas de Andross.

¿Qué sostuvo el Zorro estrella 64 La parte posterior de la banda sonora eran sus herramientas MIDI, que no podían estar a la altura del sonido orquestado que Wakai y Kondo estaban tratando de lograr. Pero salta a Asalto de zorro estelar - que copió gran parte de la misma música - y Super Smash Bros. reorquestaciones de juegos para el Zorro estrella niveles, y encontrará que la música alcanza todo su potencial al estilo de Hollywood.

La leyenda de Zelda: Ocarina of Time (1998)

La leyenda de Zelda: Ocarina of Time es a menudo considerado como uno de los mejores videojuegos jamás creados, y aunque ese elogio proviene en gran parte de su fantástico mundo diseño e historia de viajes en el tiempo, sería francamente criminal descartar la contribución del compositor Koji Kondo al título. éxito. Desde el momento en que Link se despierta de niño y comienza a caminar por el bosque de Kokiri, la música suave y relajante se pone a el estado de ánimo: es relajante casi ocultar el hecho de que el área cercana de Hyrule pronto se sumergirá en oscuridad.

Entregándote una ocarina, el juego te hace dar vida a algunos de los temas más icónicos de la serie: Zelda, Epona y Saria. Los temas no solo resisten el paso del tiempo, sino que también juegan un papel importante en el juego a medida que avanzas a través de las mazmorras o navegas por Lost. Bosque. El tema de Ganondorf, por otro lado, retrató el peligro amenazante del villano tan bien que reapareció en varias secuelas.

Por supuesto, pocas cosas son más emocionantes que cargar a través Campo de Hyrule en Epona mientras la música crece hasta convertirse en un estruendoso coro que te da la confianza que necesitas para derrotar a Ganondorf. Excepto, por supuesto, para infiltrarse Valle de Gerudo, con su partitura a menudo remezclada que evoca alegría y peligro mientras está lejos de casa.

El patinador profesional de Tony Hawk (1999)

El punk rock y el skate crecieron juntos y Patinador profesional de Tony Hawk refleja eso, estableciendo un tono optimista con gusanos de pop, punk y ska que encontraron una nueva audiencia y una popularidad que se extendió más allá del juego. Con melodías de bandas aclamadas como Suicide Machines, Dead Kennedys y Vandals, el juego tenía la perfecta banda sonora para escuchar durante horas mientras intenta dominar su "McTwist" o replicar el 900 que vio completar al Sr. Hawk en TV. Una canción ha llegado a representar la THPS la huella cultural de la franquicia más que cualquier otra: la pista de ska con cuernos de Goldfinger Superhombrees tan implacablemente optimista y pegadizo que es prácticamente imposible enfadarse cuando lo escuchas. Los otros juegos de la franquicia cuentan con fuertes bandas sonoras, pero sin Superhombre, a todos parece que les falta algo.

Halo 2 (2004)

El original aureola nos presentó el tema principal característico de la serie, con mucho coro, y el tercer juego terminó con un emotivo número de piano que ofreció lo que pensamos que era el cierre definitivo de la historia de Master Chief. Pero tampoco se puede comparar con la guitarra eléctrica triturada de aureola 2. Al principio del juego, nos volvemos a familiarizar con los mortales enemigos cazadores del Pacto, que normalmente infunden miedo en nuestros corazones en el momento en que irrumpen en escena. Pero con el solo de Steve Vai a todo volumen en nuestros oídos, teníamos la confianza para cargar con nuestras armas encendidas. Cuando cambiamos de perspectiva y tomamos el control del Inquisidor, la música adquiere un matiz de terror, salpicado de momentos trágicos y sombríos que nos recuerdan la misión imposible que debe completar.

Por supuesto, los jugadores que pasaron horas en el emparejamiento de Halo 2 recordarán el juego tanto por su música de menú desgarradora como alto precio pagado y inolvidable. Supuestamente llamado "inolvidable" porque el compositor Marty O'Donnell olvidó que la había compuesto hasta que se lanzó Halo 2. casi fuera, realmente evoca la tragedia y la memoria de todos los humanos y el engañado Covenant muriendo en un sin sentido guerra. Como era de esperar, el tema volvió en aureola 3 y Halo 4.

Incluso el controvertido final de suspenso del juego se hizo más llevadero gracias a la banda sonora. Mientras el Jefe Maestro pronuncia su famosa línea "Señor, terminando esta pelea", la puntuación de Marty O'Donnell crece y la pantalla se vuelve negra. Los fans tendrían que esperar tres años para descubrir cómo llegó a su fin la guerra entre los humanos y el Covenant, con el marcador resonando en sus oídos.

Uncharted: La fortuna de Drake (2007)

La serie Uncharted se puede describir como un descendiente directo de los juegos originales de Tomb Raider. La música del juego, sin embargo, es uno de los pocos elementos que ayudaron a Nathan Drake a salir de la sombra de Lara Croft. Su tema principal solo puede describirse como “épico”. Escucharlo nos transporta a una de las muchas vistas hermosas y llenas de tesoros de la serie. La fortuna de Drake también sabe cuándo hacer retroceder las cosas para acumular tensión dramática, especialmente entre tiroteos. "Tengo un mal presentimiento sobre esto" ni siquiera comienza a describir estas secciones espeluznantes, por lo demás silenciosas, donde un solo movimiento en falso podría hacer que Nathan cayera en picado sobre una pila de esqueletos o un grupo de hombres armados. mercenarios

Minecraft: Volúmenes Alfa y Beta (2011–2013)

No es una afirmación demasiado audaz hacer eso Minecraft probablemente no habría vendido 200 millones de copias, convirtiéndose en el segundo juego más vendido de todos los tiempos, a menos que el compositor alemán C418 les diera a los jugadores una banda sonora relajante pero extraña para llenar el vacío mientras exploraban su entorno casi desierto e interminable.

Los pacíficos solos de piano crean un ambiente algo melancólico mientras navegas por un mundo lleno de criaturas asustadas y monstruos violentos. Luego, la música electrónica alegre te da una explosión de energía, escuchando más el estado de ánimo de los jugadores que construyen edificios de bloques y se ponen a hacer travesuras en el juego con Minecraft modificaciones.

Mayoría Minecraft Los fanáticos de la OST gravitan hacia los clásicos simples del primer álbum como Ciudad Moog, Suecia, y Subwoofer canción de cuna. no duermas Volumen Beta, sin embargo, a medida que va más allá de las piezas que son simplemente "pacíficas" o "tristes" y crea pistas como Taswell y Kioto que se sienten como actuaciones distintas, cada una evocando su propio mundo nuevo y extraño.

Viaje (2012)

El compositor Austin Wintory pasó tres años creando la banda sonora de Viaje, y esta dedicación valió la pena en una increíble banda sonora que fue la primera y única nominada a un premio Grammy. Wintory hizo de la violonchelista Tina Guo el centro de la banda sonora y dijo en un entrevista que el juego es “como un gran concierto de violonchelo donde tú eres el solista y el resto de los instrumentos representan el mundo alrededor tuyo." Eventualmente, mientras subes la montaña, el violonchelo emerge de la orquesta para representar la finalización de tu viaje. Además, la banda sonora cambia para agregar nuevos instrumentos cuando te encuentras con otros jugadores.

Añade su trabajo sobre Sindicato de Assassin's Creed, Abzu y la trilogía de Banner Saga, Wintory presenta argumentos sólidos para ser el mejor compositor de juegos de la última década.

Leyendas de Rayman (2013)

Aparte de los juegos de ritmo como golpeador y Héroe de la guitarra en vivo, es raro ver a un desarrollador trabajar su música directamente en la mecánica de su juego, pero eso es exactamente lo que hizo Ubisoft Montpellier en Leyendas de rayman. Después de varias etapas de plataformas tradicionales, cada una completa con sus propias canciones alegres, cada mundo termina con una secuencia de plataformas ultrarrápida con una canción popular de rock o pop.

Clásicos como betty negro y Ojo del tigre se recrean con el extraño humor de Rayman (este último se toca completamente con kazoo) mientras el héroe sin extremidades corre hacia la línea de meta, y sus saltos están en perfecta sincronización con las canciones. Los bloqueos de símbolos, por ejemplo, suenan cada vez que Rayman está a punto de ser alcanzado por un disparo de cañón, y esto todo sucede dentro del mundo del juego, con enemigos que se unen para realizar un concierto mientras intentan matar a nuestro héroe. No arruines el tiempo: ¡arruinarás la canción!

Bioshock infinito (2013)

Si Leyendas de rayman logró vincular su banda sonora a su juego de una manera que ningún otro juego había hecho antes, Bioshock infinitologró una fusión similar de música e historia. Desde el momento en que Booker DeWitt pone un pie en la ciudad flotante de Columbia, es recibido con música que aún no existe. Los chicos de la playa' Sólo Dios sabe, es cantada por un cuarteto de barbería, aunque la canción no se escribiría hasta dentro de unos 50 años. A medida que el continuo espacio-tiempo se desintegra aún más alrededor de Booker, escucha melodías de bandas como Creedence Clearwater Revival e incluso leyendas de la nueva ola Tears for Fears.

Quizás el momento más memorable de todo el juego se pueda omitir si los jugadores no son lo suficientemente entrometidos. Después de ingresar a un sótano, Booker puede tomar una guitarra y tocar ¿Se mantendrá intacto el círculo? a dúo con su compañera, Elizabeth. Sientes sus emociones a través de los parlantes, y la canción nos dejó pensando en cómo su letra se relacionaba con el universo, o el multiverso, durante semanas.

Hijo de la luz (2014)

El cantautor canadiense Cœur de pirate creó una banda sonora conmovedora que combina bien con el estado de ánimo del juego. cargado de violín melancólico y solos de piano bien pensados ​​antes de subir el tempo a una batalla cargada de percusión baladas Ambientada principalmente en un mundo de portal de fantasía y protagonizada por una joven desesperada por regresar a casa para salvar a su padre moribundo y frustrarla. madrastra malvada, este giro oscuro en una historia de Cenicienta con violencia y sin príncipe azul brilla en parte gracias a su hermosa música. Aunque Aurora gana poderes y amigos, la combinación de tristeza y fantasía nos recuerda que este viaje no es tan agradable para ella como lo es para nosotros.

Transistor (2014)

La mayoría de los jugadores elegirían la excelente de Darren Korb Bastión banda sonora por esta lista, pero por nuestro dinero, Transistor representa el mejor trabajo de Korb con diferencia. Juegas como Red, un cantante cuya voz ha sido sellada dentro de una espada misteriosa y que debe luchar para derrotar a la inteligencia robótica que está absorbiendo a los habitantes de la ciudad. Incapaz de hablar, Red puede tararear la música de cada nivel, y también escucharás varias actuaciones anteriores de ella en el transcurso del juego.

Korb descrito el género de la banda sonora como "post-rock electrónico del viejo mundo", que en realidad se traduce en un ambiente ciberpunk intenso que combina con el juego lleno de acción y el mundo desolado y futurista. Agregue la increíble voz de la cantante Ashley Lynn Barrett, utilizada con gran efecto en canciones como Todos nos convertimos y La espina, y obtienes una banda sonora que vale la pena escuchar una y otra vez.

Ori y el bosque ciego (2015)

La belleza gráfica de la franquicia de Ori solo se compara con su banda sonora verdaderamente hermosa, interpretada por un toda la orquesta y el coro y cuenta con múltiples actuaciones en solitario de Aeralie Brighton, Rachel Mellis y Tom Boyd. Las armonías de los vocalistas suenan como si el escenario del bosque del juego le estuviera dando una serenata a Ori a medida que avanza en su búsqueda, con un solo. actuaciones que a menudo surgen durante las escenas cuando Ori ha dado un paso más en la limpieza de su hogar de la enfermedad que infecta él.

Aparte de su excelente valor de producción, el Ori y el bosque ciego banda sonora tiene éxito gracias a la cuidada composición de Gareth Coker, que crea una nueva, melodía que suena mágica para cada nueva área que encuentras y leitmotivs que reflejan la recurrencia personajes que conoces.

Nier: Autómatas (2017)

El horario de apertura de Nier: Autómatasvan acompañados de una banda sonora melancólica y ocasionalmente alegre que en su mayoría existe en el fondo a medida que te mueves por el mundo abierto. La canción Rayos de luz tiene una melodía de piano simple y memorable que a menudo te encontrarás tarareando, ya que hay poco ruido en las ruinas de la ciudad del juego, pero el final algunas notas del jingle cambian hacia un tono más deprimente que evoca la tortura emocional que está a punto de soportar en el transcurso del juego.

Emi Evans, la vocalista de muchas de las pistas, investigó la lingüística con el fin de hacer un convincente, lenguaje falso del juego, Chaos, luego armonizado con las melodías compuestas de Keiichi Okabe en ese falso idioma. Además de tener una hermosa voz, Evans agregó autenticidad e inmersión al extravagante mundo del juego creando y cantando palabras que sonaban como si podría ser un verdadero lenguaje del futuro lejano.

Los momentos finales del juego son donde la fantástica banda sonora realmente alcanza su punto más alto. Una melodía inicialmente tranquila y sombría, El peso del mundo, comienza con una actuación en solitario antes de dar paso a un himno orquestal, con un coro completo de voces que se unen a medida que avanzas hacia la conmovedora conclusión del juego. Incluso después de que 2B y 9S terminaron su viaje, todavía queríamos "gritarlo fuerte".

Persona 5 (2017)

Las bandas sonoras jazzísticas de Persona son las favoritas de los audiófilos de los videojuegos, y la persona 5 OST está lleno de música enérgica que te anima a "despierta, levántate, sal de ahí". El compositor Shoji Meguro usa con frecuencia el piano eléctrico y la guitarra en la música del juego, agregando un tono sintetizado que hace que la rutina diaria de Tokio de tu personaje se sienta tan emocionante como la Metaverso.

Los aspectos más destacados de la banda sonora provienen de la cantante Lyn Inaizumi, quien interpreta una docena de canciones pop/R&B que se te quedarán grabadas en la cabeza y te harán tararearlas bien después de terminar el juego. Aparecen como versiones vocales e instrumentales dependiendo de la hora del día, lo cual es un buen toque. Además, el juego incluso agrega letras a parte de la música de lucha, una elección que pocos otros juegos han tenido la audacia de probar.

celeste (2018)

celestees un juego desafiante, no solo en términos de jugabilidad, sino también en el tema. La banda sonora sigue perfectamente el tono establecido por el juego, cumpliendo una doble función como música de fondo y diseño de sonido. Siguiendo perfectamente tus eventos, celesteLa banda sonora casi se siente como un personaje en el juego, acompañándote en el largo y a menudo solitario viaje a la Montaña Celeste.

Además, celesteLa banda sonora dobla perfectamente el estado de ánimo del juego a su voluntad, con la apertura Primeros pasos ofreciendo un tono esperanzador en los primeros momentos del juego y canciones como Reflexión ofreciendo un tono más profundo y metódico a medida que su viaje físico y psicológico continúa hacia un lugar más oscuro.

celeste también tiene niveles de "Lado B" con mayor dificultad y remixes de ritmo rápido en los temas del nivel original. Si bien todos son alucinantes y llenos de adrenalina a su manera, Reflexión (Centro de la Mezcla de la Tierra) es una pista increíble y destacada, con el canto discordante que refleja el entorno absurdamente mortal en el que tu personaje se sumerge de cabeza.

Super Smash Bros. Último (2018)

Super Smash Bros. Último ayudó a Nintendo a transformar el Nintendo Switch en el reproductor de MP3 más grande y poco práctico de todos los tiempos. Los jugadores pueden acceder a más de 30 horas de pistas originales y remixes de una gran variedad de franquicias de videojuegos desde el menú Sonidos del juego y en sus más de 100 etapas. El juego te permite escuchar a tus franquicias favoritas y crea listas de reproducción personalizadas. O simplemente selecciona la reproducción aleatoria y revive algunas de las mejores canciones de videojuegos de la historia, incluidas composiciones de varias de nuestras otras mejores selecciones de todos los tiempos.

Los hermanos Smash. La serie trajo una mezcla divertida de viejos clásicos y nuevas orquestaciones que a los fanáticos les encantó. como con Zorro estrella 64, Nintendo usó tecnología musical y bibliotecas de sonido para remezclar bandas sonoras MIDI por completo. Este meticuloso trabajo trajo una nueva versión de la música de franquicias como Mario, Zelda, Fire Emblem, Metroid y Kirby. Otro giro divertido es que los nuevos personajes DLC, como Joker en persona 5, obtener su tema musical.

Destino eterno (2020)

Los juegos de Doom a menudo se comparan con la portada de un álbum de heavy metal, solo jugable. Por supuesto, una banda sonora de heavy metal siempre ha estado presente en la serie, pero no fue hasta el reinicio en 2016 que en realidad sintió el impacto de la música en el juego. Compuesta por Mick Gordon, esta banda sonora se adapta dinámicamente a lo duro que estás rasgando y atravesando las hordas demoníacas para puntuar perfectamente cada disparo de escopeta y proyectil de ametralladora despedido. El resultado es un metal extravagante que se disculpa, y aunque se sentiría casi un cliché en cualquier otro contexto, encaja con la brutalidad de fatalidad eternaperfectamente.

La música es tan receptiva que básicamente se convierte en una mecánica en el juego mismo. Como se señaló, cuanto más duro estés matando, más fuerte sonarán las guitarras y la batería, pero también te indica cuándo están listas ciertas habilidades, cuándo aparecen nuevos demonios o cuándo tu salud es baja. Desafortunadamente, Mick tuvo una pelea con los desarrolladores después del lanzamiento de este juego, por lo que este puede ser el último juego que podamos disfrutar de sus talentos musicales demoníacos.

Menciones honoríficas

NES ha estado en los hogares durante más de 35 años, por lo que nuestra lista de los 20 principales no cubre todos los años. Dado que hay una gran cantidad de excelentes bandas sonoras, enumeramos a nuestros finalistas aquí. Vale la pena escucharlos, incluso si no llegaron al top 20.

• El mundo de Super Mario (1990) de Koji Kondo
• Terrestre (1994) de Keiichi Suzuki y Hirokazu Tanaka
• Fantasía final VI (1994) de Nobuo Uematsu
• secreto de mana (1994) de Hiroki Kikuta
• Donkey Kong Country 2: La búsqueda de Diddy Kong (1995) de David sabio
• Banjo-Kazooie (1998) de Grant Kirkhope
• crono cruz (1999) de Yasunori Mitsuda
• Fantasía final VIII (1999) de Nobuo Uematsu
• super mario sol (2002) de Koji Kondo
• La leyenda de Zelda: Wind Waker (2003) de Kenta Nagata, Hajime Wakai, Toru Minegishi y Koji Kondo
• Súper mario galaxia (2007) de Mahito Yokota y Koji Kondo
• persona 4 (2008) de Shoji Meguro
• credo del asesino 2 (2009) de Jesper Kyd
• Halo 3: ODST (2009) de Martin O'Donnell y Martin Salvatori
• Bastión (2011) de Darren Korb
• Generaciones sónicas (2011) de Jun Senoue
• La vida es extraña (2015) de Jonathan Moralí
• Debajo del cuento (2015) de Toby Fox
• Matiz (2016) de Alkis Livathinos
• Dios de la guerra (2018) de Bear McCreary

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