Letztes Jahr erschien ein riesiges Boxset mit 17 CDs, Zeitloser Flug, dokumentierte die legendäre sechs Jahrzehnte lange Karriere der Band. Es enthielt sechs herausragende 5.1-Mixe von Paschal Byrne und Mark Powell, die auf den frühen 70er Jahren basieren Quad-Mixe, die vom Original-Moodies-Produzenten Tony Clarke betreut und vom Ingenieur Derek erstellt wurden Varnals. Hayward, der die Gesamtmischungen überwachte Zeitloser Flug mit seinem langjährigen Produktionspartner Alberto Parodi war mit den Ergebnissen recht zufrieden: „Das hatte ich nicht „Ich habe den Mut, zu einem der Meister zurückzukehren und zu versuchen, diese schönen, echten Echos selbst nachzubilden“, sagte er Anmerkungen.
„Es gibt nichts Schöneres als nur einen Mann und seine Gitarre auf der Bühne.“
Der 67-jährige Hayward hat sich kürzlich mit Digital Trends zusammengesetzt, um die Anforderungen für den Mix zu besprechen Geister...leben, seine liebsten 5.1-Momente und warum er einige CD-Transfers aus den frühen 80ern aktualisieren musste. Wenn es eine Sache gibt, die Hayward im Laufe der Jahre gemeistert hat, dann ist es, Fragen der Ausgewogenheit zu beantworten.
Digitale Trends: Da Ihre Solo-Tour akustisch ausgerichtet ist, hatten Sie sicher andere Ziele hinsichtlich der Art und Weise, wie Sie sie abgemischt haben.
Justin Hayward: Ich habe nichts getan! (lacht) Nun, mein Front-of-House-Tontechniker, Steve Chant, gibt seinen Mix jeden Abend auf ProTools. Für diese spezielle Show hatten wir einen anderen Mann am Bühnenrand, der seinen Mix in eine spätere Version von ProTools einfügte. Steve hörte sich an, was der andere Mann gesammelt hatte, und schickte es dann zusammen mit seinem eigenen Rough-Mix-Rest des Abends an Alberto Parodi nach Genua (in Italien). Und das war es wirklich; nichts zu kompliziertes.
Am nächsten Tag sagte Alberto: „Ich habe einfach die Fader hochgefahren. Es hört sich toll an! Und ich habe auch ein paar nette kleine Echos drauf gesetzt. Ich weiß nicht, was Sie sonst noch tun möchten. Willst du etwas ändern?“ Und ich sagte: „Nun, das glaube ich nicht. Stimmt alles?“ Er sagte: „Ja, lass es. Wenn wir es stimmen, wird es wie wir klingen versucht etwas reparieren.“ Also haben wir es einfach gelassen. Für die CD hätte ich wahrscheinlich etwas tun sollen, aber für die DVD/Blu-ray habe ich es einfach gelassen. Alberto hat dem Sound ein wenig „Aura“ verliehen und klanglich noch ein paar andere Sachen gemacht, aber das ist alles.
Es gibt einen bemerkenswerten Unterschied zwischen Ihrer Präsenz in einem Moody Blues-Live-Mix und Ihrem Solo-Live-Mix. In dieser akustischen Umgebung sind Sie etwas nackter – Ihre Stimme ist sehr offen, nur mit akustischen Gitarren und Keyboards und ohne Percussion. Sie treffen hier bewusst unterschiedliche Regelungen.
Total. Ich kann jede Nuance darauf spüren. Die Gitarren sind anders, weil ich auf dieser Tour meine Gitarren zu Hause mitgebracht habe – das heißt, ich verwende dieselben Gitarren, auf denen ich geschrieben und meine ursprünglichen Demos gemacht habe. Das war das Gefühl, das ich bekommen wollte – wie es sich in meinem eigenen Musikzimmer anfühlt, genauso wie es war, als ich den Song beendet hatte und kurz davor stand, die Demo zu machen. Ich kannte alle Teile, sogar in den Moodies-Songs, die ich der Band erklären wollte, als es fertig war. Es ging also im Grunde darum, mein Wohnzimmergefühl auf die Bühne zu übertragen. Zu Hause nehme ich einfach zwei Spuren auf, und dann gehe ich in ein kleines Studio in Nizza in der Nähe meines Wohnortes in Südfrankreich und nehme meinen Gesang auf. Sie haben dort ein paar schöne alte [Neumann] 87er, die richtigen Mikrofone.
„Ich verwende dieselben Gitarren, auf denen ich geschrieben und meine ursprünglichen Demos gemacht habe.“
Ein weiterer großer Unterschied besteht darin, dass man auf der Bühne keinen Schlagzeuger dabei hat.
Ja, es gibt kein Schlagzeug. Gott bewahre, ich liebe Schlagzeuger und einige meiner besten Freunde sind Schlagzeuger. (lacht) Aber Schlagzeug und Akustikgitarre sowie Schlagzeug und Gesangsmikrofone – das passt nicht zusammen. Ich habe in den letzten 25 Jahren ungefähr fünf Moody Blues-Live-DVDs für Universal gemischt, und ich habe festgestellt, dass man beim Schlagzeugsound der Gesangsmikrofone hängen bleibt. Das ist der große Unterschied. Und bei The Moodies können Sie mehr als 76 Titel haben, und das erfordert eine viel von Aussortieren, Reparieren und Reparieren. Ich habe nicht viele Tracks auf meinen Solo-Live-Aufnahmen, mit denen ich arbeiten könnte. Es war also eine ganz andere Erfahrung.
Gibt es in diesem Live-Set einen bestimmten Moody-Blues-Song, der Ihrer Meinung nach einen dramatischen Unterschied zwischen der Moodies-Version und der Justin Hayward-Version aufweist?
Zu Beginn der Show machen wir ein kleines Medley – Es liegt an Ihnen/Schön, Sie zu sehen – Das wirkt genau so, wie ich die Demos für diese Songs in den frühen Tagen, 1968 oder 1969, zum ersten Mal in den Decca Studios [in West Hampstead, London] aufgenommen habe, wann immer das war. [Schön dich zu sehen wurde am 14. Januar 1969 für aufgenommen Auf der Suche nach dem verlorenen Akkord, Und Es liegt an Ihnen wurde Anfang 1970 für aufgenommen Eine Frage der Balance.]
Mir ist aufgefallen, dass Sie die Silben in bestimmten Wörtern verlängern, wie zum Beispiel „da-ay“. Dienstag Nachmittag und „he-ere“ in Für immer Herbst. Ist das eine bewusste Entscheidung?
Ja. Ich denke, das passiert, wenn man eine Synergie mit der Akustikgitarre und der Art und Weise hat, wie sie durch den Körper schwingt. Es scheint einfach richtig, diese Worte so zu singen. Das hatte ich vergessen Für immer Herbst ist so ein kraftvolles Lied. [Für immer Herbst ist ein Lied, das Hayward auf dem Album von 1978 gesungen hat Jeff Waynes Musicalversion von War of the Worlds, das in Großbritannien zu den Top 5 gehörte] Ich komme so selten dazu. Tatsächlich habe ich es nur auf einer Moodies-Tour gemacht, und selbst dann brauchte ich eine schriftliche Genehmigung. (beide lachen) Es ist so ein tolles Lied, und es kommt bei den Leuten wirklich gut an. Ich bin so dankbar, dass ich es tun kann.
Bitte machen Sie weiter so. Es ist ein schöner Moment des Übergangs, bevor Sie zum Endlauf des Hauptsatzes und der Zugabe übergehen.
Oh ja. Es ist ein Gewinner. Es ist wie Nächte in weißem Satin. Ich finde, dass es ein paar Lieder gibt, die man überall auf der Welt hingehen und auf der Akustikgitarre spielen kann, und die Leute werden sagen: „Oh, das weiß ich; das ist großartig." Für immer Herbst Und Nächte sind da oben so.
Nacht in weißem Satin ist einer dieser Songs, der davon profitiert, wenn er in hoher Auflösung angehört wird, sei es über einen 96/24-Download von HDtracks oder seinen erstaunlichen Surround-Sound-Mix. Die Bandbreite dieser Aufnahme wird in hochauflösender Qualität noch deutlicher.
„Mir wurde klar, dass wir fast 30 Jahre mit einer digitalen Version verbracht hatten, die einfach nicht sehr gut war.“
Würden Sie zustimmen, dass 96/24 oder sogar 192/24 die beste Möglichkeit ist, Ihre aufgenommene Ausgabe zu hören?
Ich würde. Ich war überwältigt von der Qualität all dieser frühen Mixe – Die Tage der Zukunft sind vergangen, insbesondere. Ich saß gerade mit Alberto im Studio und arbeitete an der 5.1 für das Boxset und dachte: „Wie zum Teufel haben wir das gemacht?“ Wie zum Teufel wurde das gemacht?“ Aber ich kann das nicht für mich in Anspruch nehmen, denn damals wurde man nicht in den Kontrollraum eingeladen. Es waren wirklich Tony und Derek, die es geschafft haben – und ich bin so froh, dass sie die Quad-Version in so schöner Qualität gemacht haben, weil es mir viel Zeit und Schmerz erspart hat. Es war eine Verantwortung, die ich nicht gerne übernommen hätte.
Mir gefällt, dass einige der, sagen wir mal, „veralteteren“ Mixe von früher aktualisiert wurden Zeitloser Flug.
Es gab ein paar Dinge, von denen ich wusste, dass sie Anfang der 80er Jahre in den digitalen Bereich vorgedrungen waren und die ich Ihnen bereits erwähnt habe, und zwar ziemlich schlecht. Mir ist es bei [1968] wirklich aufgefallen Auf der Suche nach dem verlorenen Akkord, mit Graeme [Edge]s Ride-Becken. Zuerst hatte ich einfach angenommen, dass es nicht sehr gut aufgenommen worden war, bis ich zum Originalmaster zurückgekehrt bin und es mir noch einmal angehört habe. Und ich dachte: „Nein, es ist wunderschön.“ Und dann wurde mir klar, dass wir fast 30 Jahre mit einer digitalen Version verbracht hatten, die einfach nicht sehr gut war.
Ich weiß, dass ich, wie jeder, der im Studio arbeitet, die Schuld habe, mich an aktuelle Klangtrends zu orientieren und daran, wie die Dinge klingen und was gut klingt. Alberto und ich haben einige gehört: „Wie kannst du es wagen, das zu tun? Du lässt es klingen, als wäre es aus dem Jahr 2011!“ Art von Kommentaren. „Du hättest es so lassen sollen, wie es war!“ Es ist eine große Versuchung, es ein wenig anzuheben und es an die Art und Weise anzupassen, wie die Ohren der Menschen jetzt sind. Die Zeit in einer Aufnahme ist jetzt viel wichtiger. Man kann kein schlampiges Schlagzeugspiel oder eine schlampige Zeitmessung haben wie in den 60ern. Die Leute werden das nicht mehr akzeptieren. Wir sind also schuldig, einigen klanglichen Trends zu folgen, die dazu führen könnten, dass es etwas anders klingt. Aber in einigen Jahren könnte es etwas wärmer oder härter klingen.
Können Sie mir zwei Beispiele dafür nennen, was Ihrer Meinung nach klanglich übersehen wurde, aber wenn man heute zuhört, könnten die Leute etwas anderes herausbekommen, sei es gut oder schlecht? Geben Sie mir eines von The Moodies und eines aus Ihrem Solokatalog.
„Von oben bis unten ist der Klang genau richtig und schön.“
Und dann ist da noch eines meiner Soloalben, Berge bewegen [1985], was ich war total hinein, aber wenn ich es mir jetzt anhöre, denke ich: „Vielleicht waren es einfach ein paar Überaufnahmen zu viel.“ Vielleicht wurde in meinem Wohnzimmer etwas zu viel gemacht. Vielleicht habe ich danach zu viel daran gekuschelt.“ Ein Zeichen der Zeit, ja, wirklich.
Haben Sie einen Lieblingsmix, den Alberto für Sie gemacht hat und den Sie als den besten seines Goldohrs bezeichnen würden?
Ich muss „Eines Tages, eines Tages“ sagen Geister des westlichen Himmels. Das war wirklich die Spitze seines Spiels. Er und Anne Dudley haben das zusammen gemacht. Sie übernahm die Orchestrierung und er war für den Mix verantwortlich. Er ließ mich die ganze Zeit durchspielen, und dann entledigte er sich der Sachen, die ihm nicht gefielen, und behielt die Sachen, die ihm gefielen. Ich kam am nächsten Morgen an, nachdem ich am Abend zuvor ins Hotel in Genua gefahren war und ihn noch im Studio arbeiten ließ. Er trank eine Tasse Tee und sagte: „Komm und hör dir das an“, und es war wie „Wow.“ Der Klang ist von oben bis unten genau richtig und schön.
Mein Lieblingstext in diesem Lied ist: „Ich versuche, in jedem Lied ‚Ich liebe dich‘ unterzubringen.“
Ja, das stimmt – ich versuche immer noch, „Ich liebe dich“ in jeden Song zu bringen! (lacht)
