Interview: Cut Copy DJ Dan Whitford spricht über Oceans Apart

„Ich möchte immer das Gefühl haben, dass ein DJ-Mix einen Bogen hat“, sagt Dan Whitford von der bahnbrechenden Elektronikband Cut Copy aus Melbourne, Australien.

Und Whitford setzt sein Geld dort ein, wo sein Mix ist, wie die Vielfalt der Künstler aus seiner Heimatstadt zeigt, die hier vertreten sind Cut Copy präsentiert: Oceans Apart, ab sofort in verschiedenen Formaten über das bandeigene Label Cutters Records erhältlich. Ozeane auseinander ist ein lebendiger, kontinuierlicher 80-minütiger DJ-Mix, zusammengestellt aus 19 Titeln, die Melbournes lokale Underground-Tanzmusikszene und die aufkeimende Clubkultur repräsentieren. Ozeane auseinander ist in Bezug auf Tempo und Gefühl unerbittlich lebendig und bewegt sich auf der gesamten Tanzkarte von Electro-Disco bis hin zu tiefen metallischen Grooves. manchmal werden sogar 80er-Jahre-Callbacks in wild perkussive Tribal-House-Passagen eingefädelt – und ja, da hört man ein oder zwei Digideroos zu.

Digital Trends durchquerte die Zeitzonen (also auf unsere eigene elektronische Art und Weise), um Whitford zu treffen, der sich in seiner Heimat Australien niedergelassen hatte, und über die Ursprünge von zu sprechen

Ozeane, warum Lo-Fi und High-Res in der Tanzmusik nebeneinander existieren können und was die Zukunft für die elektronische Szene bereithält. Befreien Sie Ihren Geist, und der Rest wird von selbst kommen.

Digitale Trends: Ich habe die nahtlose Natur von genossen Ozeane auseinander. Können Sie den Prozess beschreiben, wie Sie es zusammengestellt haben? Wie viel Musik musstet ihr durcharbeiten, um auf den 80-Minuten-Schnitt zu kommen?

Dan Whitford: Grundsätzlich wollte ich einen guten Mix machen, aber auch so viel wie möglich von Melbournes aktueller Szene dokumentieren. Ich kannte wahrscheinlich die überwiegende Mehrheit der Leute da draußen, die diese Art von Musik produzieren, also war es nur eine Frage, ob sie unveröffentlichtes Material hätten oder ob sie etwas Spezielles für die Veröffentlichung schreiben könnten inbegriffen. Als alle mit tollen Sachen zurückkamen, war es natürlich schwierig, die endgültige Auswahl zu treffen, weil ich viel mehr Einsendungen hatte, als ich in einen Mix passen konnte. Es war eine schwierige Entscheidung, aber ich denke, dass es letztendlich genau das ist, was den Mix zu einem wirklich fesselnden Erlebnis gemacht hat.

Ich weiß, es hat mich beschäftigt gehalten. Wie haben Sie sich für die Übergänge in Bezug auf Tempowechsel und Stimmungswechsel entschieden? Mussten Sie viel Level-Matching durchführen?

Immer wenn ich an einem Studio-Mix arbeite, steckt ziemlich viel Arbeit in der Sequenzierung und der Sicherstellung, dass alle Songs zusammenpassen. Einige der Songs bedurften einer subtilen Bearbeitung. Zum Beispiel Fantastic Man’s Roboter-Versuchung ist – wie der Name schon sagt – ein Track, der aus Drum-Machines und Synthesizer-Sounds erstellt wurde, während NO ZU’s Raw Vis Vision wird von einer Live-Band gespielt. Um diese zusammenzufügen, musste ich eine erweiterte Intro-Schleife erstellen Raw Vis Vision um die organische Percussion langsam in den Mix einzuführen, bevor ihr Track ausfällt.

Gibt es eine bestimmte Audioreise, die die Zuhörer mitmachen sollen? Ozeane auseinander? Was ist das beabsichtigte Mitnehmen?

Ich denke, das hängt vom einzelnen Zuhörer ab. Ich möchte immer das Gefühl haben, dass ein DJ-Mix einen Bogen hat, sei es live oder etwas, das für eine Platte wie diese erstellt wurde. Mir gefällt, dass der Mix in der ersten Hälfte langsam an Energie gewinnt, bis er bei Tracks wie dem von Coober Pedy University Band einen echten Höhepunkt erreicht Kookaburra und Nildeltas Äther. Aber am Ende geht es dann doch noch weiter in seltsamere, nachdenklichere Gebiete. Ich denke immer, dass ein paar Curveballs in einer Mischung gut sind!

Ja, diese Curveballs machen es auf jeden Fall interessant. Haben Sie das Gefühl, dass die Underground-Szene Melbournes von Ihrem eigenen internationalen Erfolg beeinflusst wurde?

Ich denke, Melbournes Tanzmusikszene ist in den letzten fünf Jahren langsam gewachsen, wobei sich Künstler und DJs hier immer beliebter fühlen mehr Vertrauen in ihre Fähigkeit, einzigartige Musik zu schaffen und sicher sein, dass sie sowohl hier als auch hier ein Publikum finden wird international. In der Vergangenheit hatte Australien manchmal das Gefühl, in Bezug auf Musiktrends dem Rest der Welt hinterherzuhinken, aber jetzt habe ich Ich denke, diese Idee wurde verworfen und unsere Unterschiede wurden gefeiert, anstatt uns wie ein Hindernis.

Ich bin mir sicher, dass es ermutigend ist, zu sehen, wie andere Künstler aus Melbourne internationalen Erfolg haben, aber ich kann mir nicht zutrauen, dass die Tanzszene derzeit so stark ist. Dies ist auf eine Menge harter Arbeit und die Bereitschaft der Künstler zurückzuführen, abenteuerlustig zu sein und sich grundsätzlich einen Dreck darum zu scheren.

Zu Beginn des Mixes – genau genommen etwa sechs Minuten später – hören wir den Satz „Musik ist meine Leidenschaft“ einige Male wiederholt. Ist das eine Erklärung, der Sie zustimmen? Mir kommt es auf jeden Fall so vor.

Musik ist mein Leben ist ein Andras- und Oscar-Track. Ich denke, es wurde mit einem kleinen Augenzwinkern geschrieben, aber es ist sicherlich einer meiner Favoriten im Comp.

Warum glauben Sie, dass Sie eine solche Leidenschaft für Musik haben? Was treibt Sie dazu, es zu machen und es mit Menschen zu teilen?

Ich weiß nicht wirklich, warum ich kreativ sein will. Musik ist einfach etwas, das ich schon immer gemocht habe, daher schien es ein logischer Schritt zu sein, sie zu verwirklichen. Da sich Cut Copy mittlerweile zu einer bekannten und erfolgreichen Band entwickelt hat, bietet sich die Möglichkeit, an einmaligen Ideen zu arbeiten Ozeane auseinander, und hoffentlich noch mehr Dinge in der Zukunft.

Ich weiß, dass Lo-Fi für Sie als Hörer und Schöpfer wichtig ist, aber sind Sie ein Fan der hochauflösenden Wiedergabe – hören Sie Musikdateien in 96 kHz/24 Bit oder höher?

Eigentlich bin ich nicht so streng, wenn es darum geht, High-Fidelity-Musik zu hören. Offensichtlich sind die klanglichen Qualitäten von Tanzmusik im Clubumfeld enorm wichtig, insbesondere im Hinblick darauf, wie sie Subwoofer aktivieren, wenn Sie sich auf einer Tanzfläche befinden. Das ist unbestreitbar. Allerdings sind viele der Sachen, die ich wirklich mag, Super-Lo-Fi, etwa Vierspuraufnahmen oder Musik, die Samples mit niedriger Bitrate enthält.

Beim Hören zu Hause ist es manchmal so, dass die Unschärfe oder der Mangel an Schärfe von Aufnahmen mit geringerer Wiedergabetreue Ihre Fantasie dazu bringt, die Lücken zu füllen, und manchmal lässt Sie das Hören eines … zu Eine minderwertige YouTube-Aufnahme eines Titels kann tatsächlich eine seltsame Energie haben, die fehlt, wenn man denselben Song schließlich im kalten, grellen Licht eines Titels hört 96/24 Aufnahme. Ich denke, was ich damit sagen will, ist: Es gibt sie NEIN Regeln. Es gibt Gründe dafür, dass sowohl Lo-Fi als auch High-Res funktionieren können. Es bleibt dem Künstler überlassen, wie er es macht.

Guter Punkt. Ich sehe zwei Vinyl-EPs von Ozeane auseinander Highlights wurden veröffentlicht. Sie müssen weiterhin eine Affinität zum LP-Format haben.

Ja, ich liebe Vinyl und sammle schon seit langer Zeit Platten! Seien wir ehrlich – es ist das klassische Aufnahmeformat und das beste Format für Kunstwerke. Und es ist auch ein sehr schmeichelhaftes Format für den Klang. Es ist erstaunlich, eine 12-Zoll-Vinylversion eines Songs neben einer digitalen Version zu hören, und ich würde sagen, in 9 von 10 Fällen müsste man sagen, dass man sich die Vinylversion besser anhört.

Welche Art von System haben Sie zum Musikhören?

Außerhalb meines Studio-Setups habe ich einen Technics SL1200 [Plattenspieler], der an einen Yamaha CA-810 [integrierter Verstärker] angeschlossen ist, um zu Hause zu hören, mit einigen maßgeschneiderten Lautsprechern, die ich in einem Fachgeschäft gekauft habe. Ich habe eigentlich keine Ahnung, wer sie gemacht hat, aber sie klingen großartig!

Ich wette! Ich habe ein Interview aus dem Jahr 2013 gelesen, in dem Sie sagten, das Anhören eines vollständigen Albums sei „wie ein Marathonlauf“ –

Haha, ja, ich meinte „einen Marathon laufen“ positiv!

Oh ja, so habe ich es verstanden. Ich liebe es, Alben von Anfang bis Ende so anzuhören, wie es der Künstler beabsichtigt hat. Klingt so, als ob Sie das auch tun.

Ja. Ich denke einfach, dass es viel mehr Möglichkeiten gibt, eine Geschichte zu erzählen und den Menschen ein Erlebnis zu bieten, wenn man 40 oder mehr Minuten dafür hat. Für mich besteht ein Teil der Kunst des Plattenmachens darin, wie ein Titel neben einem anderen klingt. Wenn man sich also immer nur einen Titel auf einmal anhört, wird man die Dinge nie so hören, wie der Künstler es beabsichtigt hat. Die Hörgewohnheiten der Leute haben sich definitiv geändert, aber ich denke immer noch, dass es einen Platz für das Albumformat gibt.

Ich auch, absolut. Haben Sie Lieblingsalben, die Sie von Anfang bis Ende gerne hören? Welche Alben haben Ihrer Meinung nach noch immer einen Einfluss auf Sie?

Viele dieser Datensätze sind tatsächlich gleich. Beruhige dich von The KLF (1990) ist ein erstaunliches Stück, das die Geschichte eines fiktiven Roadtrips durch Amerika erzählt. Es ist eine Platte, die nur dann Sinn ergibt, wenn man sie von Anfang bis Ende anhört. Ich liebe auch „The Avalanches“ Seit ich dich verlassen habe (2000). Diese Platte hatte einen massiven Einfluss auf mich als jungen australischen Elektronikmusiker.

Was können Sie mir über die Zusammenarbeit mit Dave Fridmann am Cut Copy-Album 2013 erzählen? Befreie deinen Geist? Er ist ein Produzent, der ein ausgeprägtes Gespür für hochauflösende und Surround-Sound-Aufnahmen hat. Was hat er für Sie an den Klangtisch gebracht?

Dave ist ein ziemlich einzigartiger Produzent und Mischtechniker und es war großartig, mit ihm an dieser Platte zusammenzuarbeiten. Er hat offensichtlich eine Vorliebe für psychedelische Musik, und das war ein Teil des Themas unserer letzten Platten, also schien es gut zu passen. Er mixt tatsächlich sehr leise, was manche Leute überraschen dürfte. Beim Abhören mit geringer Lautstärke erkennt man ziemlich schnell, ob im Mix alles richtig hörbar ist. Ich denke, es ist ihm hervorragend gelungen, so viele kleine Details einzufangen und ihnen die Möglichkeit zu geben, ihren Platz zu finden.

Im Himmel spazieren gehen ist wahrscheinlich mein Favorit Befreie deinen Geist Schiene. Es ist so unglaublich Auswirkungen.

Dave verwendet in seinen Mixen auch viele verschiedene Arten von Verzerrungen, und im Fall von Im Himmel spazieren gehen, hat er mit kreativer Zauberei ein sehr unauffälliges Schlaflied in eine bombastische, seltsame Hymne verwandelt. Die Trommeln setzen wie eine Art biblisches Ereignis ein und donnern durch die Lautsprecher. Es war nie das, was wir für diesen Track vorgesehen hatten, aber am Ende hat es mir sehr gut gefallen.

Kürzlich habe ich mit Vince Clarke von Erasure und Gary Numan gesprochen, und beide haben die aktuelle elektronische/Tanzmusik gespürt Die Szene – die sie beide sehr bewundern – hat viel den bahnbrechenden Sounds und Künstlern der späten 70er und frühen 70er Jahre zu verdanken 80er Jahre. Stimmen Sie dieser Einschätzung zu? Haben Sie selbst eine Affinität zu dieser Musikepoche?

Ich stimme definitiv zu. Ich glaube, in den 70er und 80er Jahren war die Idee von Synthesizern noch etwas ziemlich Futuristisches, und das war Teil der Ästhetik. Ich denke, Synthesizer haben mittlerweile eher einen etablierten Sound mit eigenen Assoziationen. Sie können Synthesizer-Sounds haben, die vertraut oder nostalgisch wirken. Ich habe auf jeden Fall eine Vorliebe für diese Ära der Musik, sei es elektronische Musik, Disco, Punk, Experimentalmusik oder etwas ganz anderes.

Die Menschen suchen immer noch nach einzigartigen und unentdeckten Klängen, daher ist diese Idee nicht verschwunden, aber ich denke einfach, dass die Synthese als musikalische Form langsam reift. Und das ist nicht zuletzt Künstlern wie Yaz, Brian Eno, Telex, Tangerine Dream und unzähligen anderen zu verdanken.

Wohin entwickelt sich Ihrer Meinung nach die Elektronik-/Dance-Szene?

Hoffentlich entwickelt es sich weiter und überrascht. Eines der Dinge, die ich an einigen der neuen Generation von Tanzproduzenten mag – darunter auch viele der darin enthaltenen Ozeane auseinander – liegt darin, dass sie ihren Musikgeschmack in einer Zeit geformt haben, in der das Internet einen viel besseren Zugang selbst zu der obskuren Musik ermöglicht. Die Musik, die sie am Ende machen, ist viel abenteuerlicher. Ich glaube nicht, dass Künstler noch vor 10 Jahren das gleiche Wissen über so viele seltsame Musikgenres hatten.

Sogar am Wochenende war ich in einem Club und habe den DJ gefragt, welchen Titel er spielt. Es stellte sich heraus, dass es sich um eine südafrikanische Proto-House-Platte in limitierter Auflage handelte, von der es wahrscheinlich nie mehr als 500 Exemplare gab. Das ist es, was ich an modernen Möglichkeiten, Musik zu entdecken, liebe – Sie können es finden irgendetwas! Und als Musiker kann das keine schlechte Sache sein.

Für mich bedeutet das Entdecken neuer Klänge stets eine gute Sache. Was zeichnet sich in diesem Zusammenhang für Cut Copy ab? Welche Geräusche können wir als nächstes von Ihnen erwarten?

Es ist schwer zu sagen. Nachdem ich etwa 12 Monate lang unterwegs war, freue ich mich nun darauf, wieder darüber nachzudenken, Musik zu machen. Ich habe mir viele neue Sachen angehört, darunter auch Platten, die ich auf Reisen gekauft hatte, aber keine Gelegenheit hatte, mich zurückzulehnen und in mich aufzunehmen. Außerdem beginnt hier in Australien der Sommer, was ich immer ziemlich inspirierend finde.

Ich habe auch ein paar Wochen damit verbracht, mein Studio zu Hause umzubauen. Laut Aphex Twin ist dies der wichtigste Teil des Aufnahmeprozesses. Wenn das stimmt, kann ein neuer Rekord nicht mehr weit sein. (lacht)