Battles-Gitarrist Ian Williams bei La Di Da Di, live spielend

„Als Künstler besteht deine Aufgabe nur darin, die Musik so cool und verrückt zu machen, wie du sie haben möchtest.“

Die Kunst, die Endlosschleife einzufangen und zu manipulieren, ist eine knifflige Sache. Wenn Sie es richtig machen, können Sie den Zuhörer auf eine Reise mitnehmen, die trotz der ständigen Wiederholung nie ganz gleich ist. Wenn Sie es falsch machen, erhalten Sie ein One-Way-Ticket nach Yawnsville.

Gut, dass wir das aus Brooklyn stammende Trio Battles haben, das uns zeigt, wie es geht. Auf ihrem neuen Album La Di Da Di„Battles“, das nächsten Freitag über Warp Records in verschiedenen Formaten erscheint, biegen und formen ihre Loops nach Belieben, angefangen bei der vielstimmigen Intensität des Eröffnungstracks Der Yabba zum perkussiven Drama von Gewaltlosigkeit zum plätschernden Ping ’n’ Shuffle von Megatouch.

Wie bereits erwähnt, erzeugen diese Loops zwar den Anschein einer Struktur, wohin ein Song als nächstes geht, bleibt jedoch der Kreativität der beteiligten Spieler überlassen – insbesondere, wenn sie auf der Bühne stehen. „Bei diesen neuen Songs haben wir das Format des Popsongs nicht unbedingt berücksichtigt“, bemerkt Battles-Gitarrist Ian Williams. „Und es ist offen genug, dass wir die Songs auf der Bühne so interpretieren können, wie wir wollen. Vielleicht entdecke ich unterwegs ein neues Plug-In, und dann werde ich das in die Tat umsetzen, um einen neuen Abschnitt im Song zu erstellen, in dem ich einige verrückte neue Gitarrensounds erzeuge. Es funktioniert immer noch im Kontext des Liedes, und es hört nicht auf, das Lied zu sein.“

Digital Trends rief Williams zu einem Tourstopp in North Carolina an, um die einzigartige Marke der Band zu besprechen Loop-Magie, der Kampf zwischen Kunst und Kommerz und wie sich Battles-Songs in einem Live-Auftritt weiterentwickeln Einstellung.

Digitale Trends: Ich würde sagen, wie Sie mit Ihren Loops arbeiten La Di Da Di zeigt, dass Sie es praktisch mit einer Wissenschaft zu tun haben.

Ian Williams: Naja, wir haben als Band schon immer Loops gemacht. Und wenn man davon spricht, es live zu machen, ist da die Unmittelbarkeit, dass es sich um ein Sofortfoto handelt. Es ist bereits ein wenig von dem eigentlichen „Spielen“ entfernt, und es wird etwas, das etwas mehr ist un-menschlich. Es schafft viele Möglichkeiten – Manipulation und die Musik an einen anderen Ort zu bringen, als man es könnte, wenn man sie tatsächlich spielen würde.

Es ist ein Segen und ein Fluch. Es hat seine Grenzen und seine Nachteile. Eines davon ist dieses monolithische Ding, das sich im gesamten Song immer wieder wiederholt. Aber das ist das Problem, mit dem wir in dieser Gruppe immer zu kämpfen hatten – wie wir es interessant halten und wie wir es verändern können. Können wir tatsächlich die Tonart des Liedes ändern? Können wir Ihren Ohren eine Pause gönnen, damit Sie nicht noch einmal dasselbe hören müssen? Es ist eines der Dinge, mit denen wir arbeiten, die uns zu sehr einspannen, aber manchmal lässt es uns mehr erreichen, als wir durch Spielen erreichen könnten.

Ich sehe das als befreiendes Konzept für Sie. Wie hat sich die Ausrüstung, mit der Sie Ihre Loops hergestellt haben, im Laufe der Jahre entwickelt?

Ganz am Anfang habe ich den Akai Head Rush verwendet – diese älteren Pedale aus den 90ern. Und dann bekamen wir ziemlich schnell alle Gibson Echoplexes, die digitalen. Damit könnten Sie die Pedale miteinander synchronisieren.

Dave [Konopka, Gitarrist/Bassist] verwendet immer noch seine; er hat ein paar davon. Ich habe mich davon abgewendet und mich zu Ableton entwickelt. Ableton war für mich so, als hätte man ein Pedal und denkt: „Oh, das schaffe ich.“ DasWenn ich also zwei Pedale hätte, könnte ich doppelt so viel schaffen.“ Die Offenbarung für mich mit Ableton war, dass ich 300-mal so viel tun konnte, was das Erstellen von Schleifen und die gleichzeitige Ausführung mehrerer Dinge betrifft. Und dann mache ich einfach nur Blödsinn damit. Zu diesem Zeitpunkt bin ich Digital Dude und Dave ist Analog SoundWorld Pedal Dude.

Es ist ein schöner Kontrast, wenn man bedenkt, wo die Band angefangen hat.

Die Leute verbringen ewig damit, herauszufinden, was digitaler und was analoger Ton ist. Wir haben die Diskussion, dass Dave sich vielleicht Ableton zulegen sollte, weil man damit technisch gesehen mehr Dinge machen kann. Aber das ist eigentlich eine schlechte Idee – wenn wir uns in beiden Welten bewegen, bleibt das Spektrum unseres Klangs größer und wir bekommen manchmal das Beste aus beiden Welten. Das analoge Zeug hat eher einen bulligen Aspekt, aber es gibt diese verrückte Präzision, die man mit dem Digitalen erreichen kann.

Da Sie ein autodidaktischer Spieler sind und Dave über einen Design-Hintergrund verfügt, kämpfen Sie oft mit Struktur und der Frage: „Mal sehen, wohin es führt.“

Ja ja. Dave ist musikalisch gesehen ein bisschen minimalistisch und ich ein bisschen Maximalist: „Lass es uns intensiver machen!“

Ich weiß, dass es manchmal gut für mich ist, mich zurückzuziehen, denn für den Zuhörer ist es wahrscheinlich ein besseres Erlebnis, das konzentrierter und weniger verrückt ist.

Irgendwann kommen wir zum Kern dessen, was ein Lied ist. Für uns gibt es keinen Bandleader. Es ist ein Ausschuss, in dem wir drei uns einig sein müssen, dass etwas gut ist. Aber manchmal ist es schwierig, uns alle zu einer Einigung zu bewegen.

Mir, Sommerkochen scheint das perfekte Ineinandergreifen aller Ideen zu sein – und gegen Ende hat man diesen großartigen Windout.

Ja Ja Ja. Bei diesem Song habe ich den Ableton Push verwendet, um im Intro zu dieser wiederholten Sechzehntelnoten-Einstellung zu gelangen. The Push hat diesen Song möglich gemacht.

Wie sollen sich die Leute dieses Album anhören? Betrügt uns MP3 um die Erfahrung, alle Texturen der Loops und Kompositionen zu bekommen?

Ähm, Mann, es ist heutzutage so seltsam. Meiner Meinung nach würde ich bei der Beantwortung Ihrer Frage davon ausgehen, dass ich umso verwirrter darüber bin, wie sie verbreitet wird und je länger ich Musik spiele konsumiert, und desto mehr konzentriere ich mich darauf, Musik zu machen und die Menschen um mich herum entscheiden zu lassen, ob sie auf eine Spotify-Playlist und ähnliches kommt Das.

Je mehr Wert wir auf die „richtige“ Präsentation legen, desto mehr kann es dazu führen, dass es vermasselt wird. Ich glaube, dass man als Künstler die Verantwortung hat, das Beste zu machen, was man machen kann. Aber andererseits ist die Verbreitung von Musik heutzutage so seltsam – die Leute hören Musik auf ihren Mobiltelefonen und nicht einmal mit ihnen Kopfhörer. (lacht) Aber ich weiß, wenn Sie sagen: „Nein, das ist nicht für dieses Format“, werden Sie sich von so vielen Leuten abgrenzen.

Ich weiß nicht, ob es eine gute oder eine schlechte Sache ist, aber vieles davon veranlasst einen dazu, zum Live-Konzert zu gehen. Da war ein Artikel der New York Times vor ein paar Wochen in der Rubrik Medien über die neue digitale Wirtschaft und wie sie tatsächlich gut für Künstler ist. Darin wurde viel darüber gesprochen, dass die Konzertkartenverkäufe in den letzten 20 Jahren stark gestiegen sind, während die Plattenverkäufe stark zurückgegangen sind. Das aufgezeichnete Ding ist jetzt nur noch eine Art zu sagen: „Hey, komm und schau dir die Show an.“ Vielleicht ist es jetzt so.

Das ist das genaue Gegenteil der 60er und 70er Jahre, als das Album das A und O war. Das Album wird jetzt als Vorgeschmack auf das betrachtet, was Sie erwarten werden, wenn Sie zur Show kommen. Aber das Live-Erlebnis ist einer der wenigen Bereiche, in denen wir heutzutage Menschen auf einer Seite über dasselbe Thema zusammenbringen können.

Wir sind linksorientiert und experimentierfreudig in der DIY-Tradition. Ich versuche, nicht zu sehr darauf zu achten. In den 60er und 70er Jahren gab es in den Vereinigten Staaten einen buddhistischen Mönch namens Chögyam Trungpa, der bei den Hippies und Allen Ginsberg angesagt war. Als er den Buddhismus lehrte, ging es ihm vor allem darum, dass es sich nicht nur um einen heiligen Text handelte, der nur gelehrt werden sollte der Tempel, sondern dass er für jedermann zugänglich sein sollte, wie eine Zeitschrift, die im Supermarktregal verkauft wird. Es war in Ordnung, dass diese Ware überall verfügbar war.

Bei der Musik denke ich manchmal darüber nach. Wenn Sie es in einem Fernsehwerbespot veröffentlichen, bin ich damit einverstanden, weil dadurch mehr Menschen Ihre Arbeit hören. Es geht nicht darum, in einem Museum zu sein. Als Künstler besteht deine Aufgabe nur darin, die Musik so cool und verrückt zu machen, wie du sie haben möchtest. Wie wird es danach in der Welt verbreitet? Wie verdienst du mit deiner Musik Geld? Sind Sie ein kluger Geschäftsmann oder nicht? Ich weiß, das ist eine völlig andere Konversation als die Frage: „Machst du ‚coole‘ Musik?“ Ich konzentriere mich lieber darauf, coole und interessante Musik zu machen.

Lassen Sie uns über dieses Live-Erlebnis sprechen. Wie wird sich diese Dynamik bei all den Elementen, mit denen Sie auf der Bühne zu tun haben, ändern, jetzt, da Sie eine neue Platte spielen müssen?

Als Schlagzeuger hat John schon immer Kickdrum, Snare, Hi-Hat und Crash gespielt, und genau das macht er. Er ist das akustisch nachvollziehbare Element der Band. Sie sehen, wie er die kleine Trommel schlägt, und Sie verstehen dieses Geräusch.

Und dann beugt sich Dave über seine Pedale, macht einen Filter-Sweep oder fängt einen Loop von einem Pedal zum anderen ein. Und dann steuere ich mit meinen Sachen einen Synthesizer an und spiele gleichzeitig Gitarre. Normalerweise spiele ich gleichzeitig Gitarre und Keyboard – Taste mit der rechten Hand und Gitarre mit der linken Hand. Oder ich triggere Synthesizer und Samples mit meiner Gitarre. Ich mache 50/50-Mischungen, bei denen der Synthesizer und meine Gitarre miteinander verschmelzen.

Es ist viel schwieriger, in der Erzählung nachzuvollziehen, was wir tun. Du siehst andere Auftritte und denkst: „Oh ja, der Gitarrist spielt und ich höre eine Gitarre.“ Bei uns ist es jetzt viel verwirrender, aber es macht Spaß, damit zu spielen. Es gibt viel zu manipulieren.

Finden Sie, dass sich die neuen Songs auf der Bühne weiterentwickeln, je mehr Sie sie spielen?

Für uns kommt es auf unseren Tourplan an und darauf, ob wir zwei Wochen frei haben, in denen wir alle in derselben Stadt sein können sofort und wir könnten tatsächlich proben, denn wahrscheinlich wissen wir bei der Hälfte der Platte nicht, wie man sie richtig spielt Jetzt. Wir müssen diese Lieder noch üben und ich möchte immer noch herausfinden, wie man sie live spielt. Ich freue mich darauf, zu lernen, wie man sie spielt. Im Moment machen wir es Der Yabba, und das wird immer enger. Das machen wir auch FF Bada, und das ist ziemlich spielbar.

Da wir eine elektronische Band sind, gilt für den elektronischen Musiker: „Du hast gerade gesehen, wie ich einen Knopf gedrückt habe.“ Das ist das Ausmaß der Beziehung zwischen Künstler und Publikum. Die Menge sagt: „Okay, Sie haben einen Knopf gedrückt; Na und?" Was Sie nicht verstehen, ist: „Sie haben den ganzen Tag nicht miterlebt, wie ich dieses Ding sehr geschickt programmieren musste, um es möglich zu machen!“ Es sind all die Dinge hinter dem Knopfdruck, die man nicht zu sehen bekam. Ich habe sehr geschickt herausgefunden, wie man das alles macht, und habe es mit auf die Bühne gebracht, um es zu verwirklichen.“

Es ist nicht so: „Oh mein Gott, ich habe gerade Eddie Van Halen dieses erstaunliche 15-minütige Gitarrensolo spielen sehen.“ Jetzt ist es so: „Ja, er ist der Typ Wer drückt den Knopf – aber Junge, war das genial, so wie er es machen musste!“ Es ist seltsam, wie das rüberkommt oder nicht.