Interview: James Walsh von Starsailor über Indie Soul, All This Life Album

„Es müsste eine schreckliche, schreckliche Produktion erfordern, um einen unglaublichen Song zu ruinieren.“

Wie viel von deinem wahren Selbst bist du bereit, als Künstler zu teilen? Wenn Sie Ihre Wahrheit nicht direkt singen, sampeln oder rappen, weiß das Publikum es und wird Sie schneller beiseite werfen, als Sie sagen können: „Bis später, Kühlschrank.”

Vor allem moderne Sänger müssen den schwierigen Weg meistern, eine emotionale Verbindung zu den Zuhörern herzustellen, ohne in kitschiges/kitschiges Terrain zu verfallen. Sam Smith ist ein hervorragender Begründer der Kunst, es richtig zu machen, ebenso wie James Arthur, Maverick Sabre, Samm Henshaw und Leon Bridges. Sie alle wissen, wie sie ihre Seele entblößen und sich als Teil dessen, was ich die „Indie-Soul“-Bewegung nenne, mit zahlreichen Zuhörern auf der ganzen Welt verbinden können.

Ein Mann, der eindeutig ein Katalysator des Indie-Souls war, ist James Walsh, der stets einflussreiche Sänger/Gitarrist/Pianist des Kollektivs aus Wigan, England, das als bekannt ist

Sternensegler. Auf dem fünften Album der Band Das ganze Leben (jetzt in verschiedenen Formaten über Cooking Vinyl erhältlich) verbindet Walsh wieder alle richtigen Klangpunkte, aber es brauchte ein scharfes Ohr (oder zehn), um sicherzustellen, dass diese 11 Leben Die Songs hatten alle den richtigen Klang.

„Wir haben viel zugehört Michael Kiwanuka, Marvin Gaye und andere gefühlvolle Solokünstler, bei denen es viele Backing-Vocals gibt, die das Geschehen übertrieben untermauern“, erklärte Walsh gegenüber Digital Trends in Bezug auf den QC-Prozess der Band. „Manchmal hatten wir Mühe, Songs fertigzustellen, damit sie als Ganzes gut klingen ganz und nicht etwas, das wirklich großartig beginnt, dann aber vergeht.“

Eine ihrer eigenen Hauptinspirationen findet sich im Namen Starsailor selbst, der ausgewählt wurde nach dem Titel eines 1970 erschienenen Albums der Folk-Legende Tim Buckley, Vater des verstorbenen Alt-Folk-Helden Jeff Buckley. „Es ist natürlich schmeichelhaft, dass unsere Band zum Synonym für diesen Namen geworden ist“, gab Walsh zu, „und hoffentlich Wir führen sein Vermächtnis fort, indem wir die Emotionen und die Seele seiner Musik würdigen, anstatt sie in gewisser Weise zu verfehlen. Offensichtlich ist Tim Buckley ein fest Mein Held, und sein Sohn Jeff ist es auch.“

Digital Trends rief Walsh auf der anderen Seite des Teichs an, um zu besprechen, wie er seine besten Gesangsdarbietungen im Studio einfängt Der richtige Weg, die Melodien anderer Künstler zu covern, und das Geheimnis, wie Sie am besten neue Songs zu Ihrer Setlist hinzufügen (und wie viele).

Digitale Trends: Die Akustikversion gefällt mir sehr gut Mittendrin gefangen Ich habe Starsailor auf YouTube gesehen. Wurde auch das neue Album so aufgenommen, dass alle gleichzeitig im Raum waren?

James Walsh: Wir haben einen Großteil des Basses und des Schlagzeugs zusammen aufgenommen, weil sie offensichtlich recht intuitiv miteinander harmonieren. Aber wir fanden heraus, dass der Gesang und die Gitarren – und auch einige der Keyboards – viel besser klangen, wenn wir sie isolierten, damit es nicht zu viel Überstrahlung in die Mikrofone gab.

Ich war immer im Raum und habe gesungen und gespielt, während Schlagzeug und Bass gespielt wurden, sodass wir ein Bandgefühl bekommen konnten, anstatt dass ein Schlagzeuger alleine herumspielte. Dann würden meine Teile nachträglich ausgetauscht, nur um eine bessere Qualität meines Gesangs auf den Mikrofonen zu bekommen.

Manchmal gibt es ein wenig Echo in Ihren Vocals, und manchmal wirken sie direkt und nackt – wie im letzten Titel. Kein anderer, was emotional verdammt roh ist. Wie haben Sie entschieden, wie Ihre Stimme bei jedem Song rüberkommt?

Ich denke, es war eine Kombination meiner Ideen und denen von Richard McNamara, der das Album produziert hat [McNamara ist auch der Gitarrist der britischen Alternative-Rock-Band Embrace]. Ich hätte eine Idee für die Emotion, die ich vermitteln wollte, und er ist der Typ, der genau weiß, welches Mikrofon er verwenden muss, um das zu erreichen.

Tracks wie Am besten am Sonntag Und Kein anderer, es sind die wahren Geschichtenlieder, und sie sollten so intim und so nackt und so nackt wie möglich sein. Während Dinge wie Nehmen Sie sich etwas Zeit Und Das ganze Leben sind etwas filmischer und klingender.

Das ist eine gute Art, es auszudrücken. Dieses eingängige, harmonische Intro Nehmen Sie sich etwas Zeit – kam das zuerst, als Sie das Lied geschrieben haben, oder erst später im Prozess?

Das kam später. Wir haben eine Demo von aufgenommen Nehmen Sie sich etwas Zeit im eher 90er-Jahre-Indie-Stil – viel treibender und tänzerischer. Als es anfing, klang es großartig, aber es schwankte irgendwie ein wenig, und wir brauchten eine Weile, um es zu rekonstruieren. Wir entschieden uns für diesen Ansatz, bei dem wir alles zurücknahmen und es eher zu einem Soul-Song machten, statt zu dem Indie-Stück, als das es angefangen hatte.

Und dann gibt es da noch diese Pause, in der man ein kurzes Falsett singt. Wie kam es zu dieser Wahl?

Offensichtlich ist der Klang des Refrains wichtig und wichtig für den Track, also ist er eigentlich nur eine Fortsetzung davon. Wir haben leider verloren Prinz vor kurzem [im April 2016], und ich habe viel von seiner Musik gehört, auch von The Charlatans [2001] Wunderland Album, auf dem Tim Burgess sein Falsett ausstreckt – vielleicht war dort also ein unterschwelliger Einfluss von ihnen zu spüren.

Ich kann sehen, dass. Wenn du die Chance hättest, ein Prince-Cover aufzunehmen, würdest du eines machen?

Wenn ich in einer entspannten Umgebung bin, schnappe ich mir vielleicht eine Gitarre und spiele Himbeer-Barett [die Hitsingle aus Princes Album von 1985, An einem Tag um die Welt]. Aber ich bin mir nicht sicher, ob ich es bei einem großen Auftritt machen oder es auf irgendetwas veröffentlichen würde, weil er ein so wegweisender Künstler ist und es sehr schwer wäre, ihn zu übertreffen.

Ich denke, das ist immer die Frage, wenn man Cover macht. Machen Sie eine direkte Hommage oder versuchen Sie, daraus Ihr eigenes Ding zu machen?

Wir versuchen immer, dem Original treu zu bleiben, aber am Ende klingt es immer mehr nach uns. (lacht)

Ich würde sagen, die Reihenfolge ist heutzutage immer noch ein wichtiger Teil der Präsentation einer Platte. Würden Sie nicht zustimmen?

Ja, absolut! Im Studio gibt es viele Diskussionen darüber, weil jeder seine eigenen Vorstellungen davon hat, was sein sollte Es beginnt und was sollte es beenden, aber es ist im Grunde eine demokratische Sammlung der Meinungen aller. Wirklich. Wir hören uns das Ganze gemeinsam noch einmal an, bis wir zu dem Punkt kommen, an dem es eine Geschichte erzählt und uns auf eine schöne Reise entführt.

Das ist ein Satz, den ich mag – „eine schöne Reise.“ Ich habe die ersten drei Starsailor-Alben auf Vinyl, bis 2006 Draußen, und es gibt Vinyl dafür Das ganze Leben. Ist Vinyl für Sie als Hörer immer noch wichtig?

Ja, absolut. Wir haben definitiv ein großes Comeback mitbekommen Vinyl. Es ist irgendwie lustig, dass wir etwa 15 Jahre später mehr Vinyl vom neuen Album verkaufen als vom ersten! (lacht) Früher war es für Sammler eher ein Novum, jetzt sind die Vinyl-Charts wieder ein Thema und die Leute kaufen Plattenspieler in Scharen. Es ist fast eine Rebellion gegen das digitale Zeitalter.

Haben Sie selbst zufällig eine Lieblingsschallplatte?

Nick Drakes Fünf Blätter übrig [das Debütalbum der verstorbenen Folk-Legende von 1969] klingt auf Vinyl großartig. Und nicht so sehr auf Vinyl, aber ich habe mir [1997er] noch einmal angesehen. Urbane Hymnen, von The Verve; das ist wirklich gut. Ich weiß, dass sie kürzlich ein Boxset dafür herausgebracht haben, also muss ich mir das bald genug zulegen.

Mir gefällt, dass bestimmte Alben auf diese Weise besonders behandelt werden. Wir haben vorhin über Cover gesprochen. Ich habe den Auftritt beim Isle of Wight Festival im Juni für Absolute Radio gesehen, wo Sie ein Solo-Cover von The Beatles gemacht haben. Hier kommt die Sonne. War das Ihre Entscheidung, oder haben sie Sie darum gebeten?

Um ganz ehrlich zu sein, war es unser Manager/Agent John Giddings. Ich war ein paar Mal bei ihm zu Hause, habe die Gitarre herausgeholt und ein paar Cover gecovert – und er ist ziemlich herrisch! (lacht) Es war tatsächlich ein Auftritt im Hyde Park [in London] vor ein paar Jahren, bei dem ich Solo spielte, und John bat mich, mit ihm die Hauptbühne zu eröffnen Hier kommt die Sonne, weil er mir den Job besorgt hatte. Zum Glück war es ein sonniger Tag, sodass es sehr gut lief. Daher kommt es, dass man das Lied weiterhin spielt.

Ich glaube mich zu erinnern, dass wir auch eine gemacht haben Live aus Abbey Road Sitzung und Hier kommt die Sonne war in diesem Set. Es ist einer meiner Lieblingssongs von einem extrem unterschätzten Songwriter, George Harrison.

Ich bin froh, dass George letztendlich einmal das bekommen hat, was ihm zusteht Alle Dinge müssen vergehen (1970) erschien, und in den späteren Jahren mit Wolke neun (1987), The Travelling Wilburys und ähnliches.

Ja. Das allein zeigt, wie unübertrefflich die Beatles waren. Ein Songwriter seiner Qualität wurde von [John] Lennon und [Paul] McCartney, diesen beiden absoluten Genies, in den Schatten gestellt!

Ich bin eher ein Lyrik- und Melodie-Typ. Natürlich spielen Rhythmus und Harmonie eine große Rolle, aber für mich ist das eher unterschwellig. Ich bin auf die Melodie und den Text fixiert. Die Leute sagen Dinge wie: „Dieses Album wäre besser gewesen, wenn die Produktion besser gewesen wäre“, aber ich denke, das Songwriting muss auch vorhanden sein. Um es so auszudrücken: Es müsste einer schrecklichen, schrecklichen Produktion bedürfen, um einen unglaublichen Song zu verderben.

Wie viele Songs des neuen Albums können Sie derzeit Ihrer Meinung nach in das Live-Set integrieren?

Ich glaube, etwa die Hälfte des Albums – vier, fünf oder sechs Songs, aber darüber müssen wir abstimmen. Es gibt einige Lieder, die wir gerne spielen – wie zum Beispiel Beste von mir kommt richtig gut an. Nehmen Sie sich etwas Zeit ist jetzt für das Set vorbereitet; so ist es auch Das ganze Leben. Aber wenn es andere Songs gibt, die bei den Fans beliebt sind, müssen wir sie uns anhören und in das Set integrieren.

Ich finde Am besten am Sonntag wäre eine gute Tonpause. Und das könntest du auf jeden Fall tun Fallout / FIA / Niemand sonst in Richtung der hinteren Hälfte des Sets fließen.

Absolut! Ich würde unserem Set gerne noch mehr Sachen hinzufügen, wie zum Beispiel … (kurze Pause) Ich wollte eigentlich Bruce Springsteen sagen, aber seine Sets dauern eher drei oder vier Stunden! (beide lachen) Oder U2, die auch etwas länger spielen, weil sie mehr zum Ausschöpfen haben.

Ich gehöre zu der Sorte Zuhörer, die es vorziehen, so viel neues Material wie möglich zu hören, wenn ich eine Band besuche, obwohl ich weiß, dass es da draußen einige Leute gibt, die einfach nur die Hits wollen.

Ich habe Feist kürzlich im Shepherd’s Bush besucht [in London, im Juli 2017], und sie hat ihr neues Album gespielt [Vergnügen] in seiner Gänze. Dann kam sie zurück und spielte sechs oder sieben ihrer großen Songs. Diese Show funktionierte wirklich gut und sie hatte ein Publikum, das wirklich begeistert war.

Das Publikum hat sich darauf eingelassen? Sie hatten ihre Arme nicht verschränkt und fragten: „Was zum Teufel ist das?“

Nun, sie war so gut! Und ihre Fans dort waren bereit, jede Reise anzutreten, die sie mitnehmen wollte. Wir haben das Glück, auch solche Fans zu haben, aber wir haben auch diejenigen, die [1993] aus tiefstem Herzen mitsingen wollen. Vier auf den Boden oder Schweigen ist einfach [zwei der am häufigsten gestreamten Titel von Starsailor, jeder davon in Millionenhöhe]. Wir müssen beide Arten von Zuschauern respektieren, daher ist es für uns schwieriger, uns so zu „verwöhnen“.

Es gibt da draußen einige hungrige Zuhörer. Ich muss übrigens die Abkürzung sagen FIA (Fuck It All) Der Songtitel könnte ein wirklich guter Hashtag für das kommende Jahr sein. (Walsh kichert) Aber ich mag die ultimative Stimmung in diesem Lied – „Nichts ist unmöglich, also warum nicht einfach versuchen?“

Ja! Und das Lied Kein anderer kommt danach als netter nachträglicher Einfall, aber FIA ist für mich der wahre Abschluss des Albums, da es die gesamte emotionale Achterbahnfahrt des Albums auf den Punkt bringt.

Grundsätzlich kann man sich in ein frühes Grab begeben. Aber man kann nicht immer und überall nihilistisch sein. Manchmal muss man sagen: „Ich genieße das Hier und Jetzt.“ Was auch immer in der Vergangenheit passiert ist, was auch immer in der Zukunft passieren wird – es ist eine Art „Mach es“-Sache.

Mir gefällt auch die Handschrift einiger Schlüsselzeilen des Albums im Albumbooklet, eine schöne Erinnerung an das, was Sie gemacht haben Liebe ist hier.

Ja, ja, ich finde es schön, ein paar der Schlüsselzeilen dabei zu haben. Es ist nicht alles auf Menschen zugeschnitten. Manchmal verstehen Leute Texte falsch, aber ihre Fehlinterpretation des Liedtextes bedeutet ihnen sehr viel – Sie möchten sie also nicht korrigieren! (lacht) Man möchte es einfach so zweideutig wie möglich halten.