Das preisgekrönte Drama von Regisseur Sam Mendes 1917 nimmt das Publikum mit auf eine Reise durch die Schlachtfelder des Ersten Weltkriegs an der Seite zweier junger Menschen Soldaten, die hinter die feindlichen Linien reisen müssen, um eine Botschaft zu überbringen, die Tausende von Soldaten retten könnte Leben.
Diese Prämisse reicht aus, um daraus ein erschütterndes Abenteuer zu machen, aber Mendes präsentiert den Film als Single. scheinbar kontinuierliche Aufnahme, die die Reise des Paares zu einem Erlebnis macht, wie es in keinem anderen Kriegsfilm jemals der Fall war gemacht. Integration der komplizierten, effektgesteuerten Sequenzen des Films in das Single-Shot-Format von Mendes – einschließlich eines Luftkampfs in der Luft Der Absturz auf die Erde und eine gefährliche Reise auf einem reißenden Fluss wurden unter anderem von einem Team für visuelle Effekte unter der Leitung von Academy Award beauftragt Gewinner Guillaume Rocheron (Life of Pi: Schiffbruch mit Tiger).
Empfohlene Videos
Mit 1917 einer von fünf Filmen sein für einen Oscar nominiert In der Kategorie „Beste visuelle Effekte“ sprach Digital Trends dieses Jahr mit Rocheron über seine Arbeit an dem Film und den Prozess, bei dem die CG-Elemente des Films nicht von allem zu unterscheiden sind, was die Kamera entlang der Charaktere einfängt Reise.
Digitale Trends: Welchen Einfluss hatte der Single-Shot-Stil des Films auf Ihre Herangehensweise an visuelle Effekte?
Guillaume Rocheron: Nun, es war sicherlich eine sehr ungewöhnliche Anfrage für visuelle Effekte. Der Film ist fortlaufend, aber es ist sehr wichtig, dass es sich um eine Reise handelt. Du folgst unseren jungen Helden von A nach B und es hört nie auf. Die Welt wiederholt sich nie. Sie müssen also überdenken, wie Sie die Arbeit gestalten und angehen.
Die Dauer der Szenen hat auch Ihre Einstellung zu visuellen Effekten verändert. Wenn Sie mit den Leitern der visuellen Effekte sprechen, sagen sie Ihnen normalerweise: „Wir haben hundert Aufnahmen für diesen Film gemacht“ oder eine ähnliche Zahl. Der Schuss ist die Einheit, mit der wir messen, was wir tun. Aber mit 1917 Wir mussten das Konzept der Aufnahmen vergessen und uns der Idee der Szenen zuwenden, denn obwohl wir den Film zusammenfügten Um am Ende des Tages kontinuierlich zu wirken, ist die Arbeit, die Sie an dem Film leisten, auf eine ganze Szene verteilt, nicht nur auf eine Schuss.
Beispielsweise gibt es eine Sequenz, in der sie das Niemandsland durchqueren und die siebeneinhalb Minuten dauert. Es gibt dort viel digitales Umfeld und es schneidet nie davon ab. Die Umsetzung ist also schwierig, aber auch das Design – denn normalerweise kann man in einer Aufnahme eine schöne Komposition erstellen und dann zu einer anderen Aufnahme wechseln und weitermachen. Wir hatten diesen Luxus nicht, weil die Kamera an all diesen Stellen bleibt, ohne jemals zu schneiden, sodass Sie Ihre Arbeit in extrem langen Abschnitten überprüfen müssen. Das war wirklich ungewöhnlich für uns.
Es klingt eher nach einem langen Marathon als nach einer Reihe von Sprints …
Genau. Visuelle Effekte sind immer ein bisschen wie ein Zaubertrick. Ihr Ziel ist es, dem Publikum den Eindruck zu vermitteln, dass das, was es sieht, real ist.
Wir wurden darauf trainiert, in Vier-Sekunden-Aufnahmen zu zaubern. Wenn Sie sehr ehrgeizig sind, können Sie es auf 10 Sekunden oder sogar 20 Sekunden schaffen. Aber dann schneidet man ab, und das schafft eine Chance für das Gehirn, neu zu starten, damit man eine weitere Illusion erzeugen kann. Wir mussten alles vergessen, was wir gelernt hatten – alle Tricks – und eine Reihe neuer lernen.
Hat der im IMAX gedrehte Film einen weiteren Schwierigkeitsgrad hinzugefügt?
Das tat es. Um einen One-Shot-Film zu entwerfen, muss man jederzeit absolut unsichtbar sein. Ich beschäftige mich seit 20 Jahren mit visuellen Effekten und oft wird man dazu berufen, ungewöhnliche Dinge zu erschaffen, etwa einen Außerirdischen in einem Science-Fiction-Film oder Superhelden, die außergewöhnliche Dinge tun. In diesem Fall ging es darum, die Illusion einer Welt zu schaffen, die sich nie wiederholt. Wenn das Publikum irgendwann merkt, dass wir von einer Einstellung zur nächsten wechseln, weil sich die Kameraführung nicht sehr flüssig anfühlt, bricht man die Illusion – und bricht sozusagen den Film.
Wir hatten den großartigen [Oscar-prämierten Kameramann] Roger Deakins (Blade Runner 2049, Echter Mut) dreht den Film und seine Kameraführung ist unglaublich flüssig. Das mussten wir auch in unsere Arbeit einbeziehen, denn egal wie wir die Übergänge gemacht haben – manchmal mit einfachen Techniken und manchmal mit sehr komplizierten Techniken mit digitalen Charakteren und digitalen Umgebungen und Dingen, die man beleuchten und rendern muss – wir mussten uns dessen bewusst sein und sicherstellen, dass es mit dem Rest des Films und der Kamera harmoniert arbeiten. Das war für uns die große Herausforderung: So unsichtbar wie möglich zu sein.
Gibt es eine bestimmte Szene, die für Sie wirklich herausfordernd war?
Die Flugzeugszene war interessant, weil sie einen Großteil unserer Philosophie dieses Projekts verkörpert. Wir mussten den Luftkampf und den Flugzeugabsturz in einer Scheune zeigen, ohne jemals wegzuschauen. Sam bestand darauf: „Kein Neigen zum Himmel“ und „Kein Blick auf die Wand, um einen Übergang zu schaffen.“ Es musste also glatt und flüssig sein. Es ist das, was unsere Charaktere sehen.
Den Luftkampf am Himmel haben wir digital mit CG-Flugzeugen erstellt, und als das Flugzeug in die Scheune stürzt, ist es eine Mischung aus digitaler Simulation. Wir wechselten zu einer Nachbildung des Flugzeugs, das wir mit unserem Spezialeffektteam erstellt hatten, das wir vor einem Bluescreen drehten, stellten es auf eine Rampe und ließen es in eine Nachbildung der Scheune krachen. Dann haben wir diese Kombination aus der digitalen Ebene und der Spezialeffektebene genommen und sie nahtlos vermischt und diese dann zu der Aufnahme mit den Schauspielern hinzugefügt, in der es überhaupt keine Ebene gab.
So kamen wir schließlich an den Punkt, an dem wir das Flugzeug zum Absturz brachten und es durch die Kombination aus CG und Spezialeffekten echt aussah, aber dann mussten wir die Schauspieler dazu bringen, mit dem Flugzeug zu interagieren. [Sie mussten] es berühren und den Piloten herausziehen. Also haben wir die Szene in zwei Teilen gedreht – einmal ohne das abgestürzte Flugzeug, damit wir das Flugzeug animieren und zum Absturz bringen konnten. Und dann sagten wir: „Cut!“ und das Ende der Szene mit dem praktischen Flugzeug vor Ort noch einmal gedreht. Schließlich haben wir die Aufnahme mit dem CG-Flugzeug mit der Fotografie der Schauspieler und des Flugzeugs vor Ort gemischt.
Das scheint eine Menge beweglicher Teile zu sein, die es zu bewältigen gilt.
Ja, und es sind bewegende Teile, mit denen man sich in einem normalen Film nie auseinandersetzen muss. Normalerweise würden Sie Ihre Flugzeuge in CG erstellen, dann darauf schneiden, wie Ihre Schauspieler auf das reagieren, was sie sehen, und dann eine schöne Actionaufnahme davon machen Flugzeug, das in die Scheune krachte, dann Schnitt auf die reagierenden Schauspieler, dann Schnitt auf das praktische Flugzeug am Set, mit dem sie interagieren können Es. Für uns musste das alles ohne Einschnitte und ohne jemals wegzuschauen geschehen. Ich mag diese Sequenz wirklich, weil es wirklich ein Zaubertrick war. Wenn du nicht darüber nachdenkst, wirst du es einfach so akzeptieren, wie es ist.
Gab es noch andere Szenen, die wirklich zeigten, wie einzigartig Ihr Prozess in diesem Film war?
Wir haben einige interessante Arbeiten mit der Flussszene gemacht, die nachts von der brennenden Stadt zum Fluss und dann über die Brücke führt. Wir haben den Fluss in einem olympischen Wasserpark fotografiert, der ein Kanu-Trainingszentrum war. Es ist ein von Menschenhand geschaffener Ort mit Betonwänden und überhaupt nicht in der Natur, aber es gab uns die Möglichkeit, den Schauspieler in einige Stromschnellen und rauschendes Wasser zu schicken. Für diese Szene haben wir das Wasser um den Schauspieler herum belassen und mehr digitales Wasser erstellt, um es wie einen vollen Fluss mit digital erstellten Klippen und der Brücke aussehen zu lassen und es zu einer Umgebung in der Natur zu machen.
Das haben wir dann mit der Stadt verknüpft, aber jede Szene wurde an einem anderen Ort gedreht. Die brennende Stadt wurde beschossen Shepperton Studios, und die Flussszene wurde in diesem Kanu-Trainingszentrum gedreht. Sie sind 150 Meilen voneinander entfernt. Es gibt keine Schnitte, also rennt unser Schauspieler praktisch von einem Ort zum anderen und springt über die Brücke in den Fluss, ohne jemals wirklich zu schneiden. Es hat wirklich Spaß gemacht, daran zu arbeiten, denn wir mussten diese Teile zusammenbringen und dafür sorgen, dass es so nahtlos wie möglich aussieht.
Wie immer besteht Ihre Aufgabe darin, den Eindruck zu erwecken, als hätten Sie überhaupt nichts getan.
Genau. Wenn die Leute gut auf den Film reagieren und gut auf die Reise reagieren, die sie durchlaufen haben, und nicht merken, dass sie viele visuelle Effekte gesehen haben, dann haben wir meiner Meinung nach unsere Arbeit gut gemacht. Es ist kein Film mit visuellen Effekten. Sie sehen sich diesen Film nicht wegen der Explosionen und des Spektakels an. Sie sehen es an der einzigartigen Art und Weise, wie Sie diese beiden Kinder auf dieser unglaublichen Reise begleiten.
Wir haben 90 Prozent des Films berührt, sei es vom Zusammenfügen von Dingen, von Umwelteinflüssen, vom Absturz eines Flugzeugs oder von der Schaffung eines Flusses. Es wurde eine unglaubliche Vielfalt an Arbeit geleistet, aber alles war so konzipiert, dass wir den Film kaputt machen, wenn man jemals das Gefühl hat, einen visuellen Effekt zu sehen. Es geht darum, mithilfe visueller Effekte etwas zu schaffen, das das Publikum hoffentlich noch nie zuvor erlebt hat.
Kriegsdrama von Regisseur Sam Mendes 1917 ist jetzt im Kino. Es ist einer von fünf Filmen, die dieses Jahr für einen Oscar in der Kategorie „Beste visuelle Effekte“ nominiert wurden.
Empfehlungen der Redaktion
- Einen besseren Predator bauen: Hinter den visuellen Effekten von Hulus Horrorhit Prey
- Wie visuelle Effekte Manhattan in der DMZ von HBO zu einem Kriegsgebiet machten
- Wie VFX das Bösewicht-Team von Spider-Man: No Way Home unterstützte
- Wie die visuellen Effekte von Dune ein unverfilmbares Epos ermöglichten
- Wie die versteckten visuellen Effekte von „Keine Zeit zu sterben“ James Bond zu den Oscars brachten
